关于音乐表现，沈（湘）先生说：“要理解作品，歌剧还要明确前后左右的关系以及为什么要唱这一段，要熟记谱中的各种术语、要求，不能一味地大声吼，那不是音乐。要表现内容而不是你自己。”
——摘自沈湘教授有关声乐教学的三言两语（由孙大卫提供）
众所周知，声乐艺术的表现力取决于演唱者对作品的理解和二度创作的即兴发挥。而且，每一位歌唱家的演唱特色都是不同的（顶多是相近），气息的运用，发声的方法，音值的长度，对词的感觉等，处理不同效果也定然不同。
作为声乐学习进程中的初学者，在模仿你喜欢的歌唱家类型时，一开始都是形似的机械模唱，在具备一定演唱能力之后，会在模仿的同时加上自己对作品的理解，这样唱出来的作品才有自己的味道，这里包括唱法不限和音高不限。
从严格意义上讲，我们在学习一首声乐作品时，必须认真读谱，读懂作品谱面的每一个音乐符号，只有这样才能把握和处理好歌曲的味道。专业老师给出了以下一些建议，非常具有实际操作价值：
一是从表情符号的驾驭上去把握处理歌曲的味道
歌曲的表情符号很丰富，目前我国也遵循国际惯例，沿用统一的意大利语来标注，它要求歌唱者按照表情符号的指示，通过内心的感受来表现作品的思想内涵和作品所具有的内在情绪，不是仅仅呈现在面部的外露情绪。
开始，表情符号再丰富也仅仅是文字符号，它需要歌唱者把这些没有情感的文字符号演绎成富有灵性的声音，就必须认真分析乐谱字里行间的音乐符号，让那些符号与表情符号一起来诠释作品的内在品质，并合力编制成一束优美的花环，让表情符号在声音中绽放出艳丽的色彩。其实，演唱过程中无须把每一个作品都表现得句句珠玑，只需有一两句能够与观众产生“与之有戚戚焉”的效果，自然就会达到“一声唱到融神处，毛骨悚然六月寒”的神韵。演唱既触及到作品的内核，也触及到受众的灵魂。
二是从速度符号的驾驭上去把握处理歌曲的味道
在许多歌曲的谱面上方，作曲家会在调号下面标示出速度，如：等于116，也即是进行曲速度；而等于52则是慢板，一般在戏曲里用做到比较多；等于88是中板，大多歌曲都用这个速度。有些歌曲尽管作曲家也标注了速度类型，仍然会告诉演唱者,节奏要“简明轻快地”,或“较缓慢地”，倘若是五线谱，也会在歌曲前奏前面标示清楚速度用语。把握好歌曲的速度，也就抓住了歌曲运行的大致方向，歌曲的风格也就被抓住了，歌曲的“味道”自然尽在其中。
三是从力度符号的驾驭上去把握处理歌曲的味道
歌曲的力度符号是作品展示内涵风味的一个重要的“指示剂”,一般曲作家都在谱子上标注得非常清楚。力度符号也即是：强、弱和强弱变化.如：p、pp或f、f f 或mf、mp以及<、>等符号，这些符号是演唱者展示声音强与弱力度变化的重要依据。
曲作家一般都会在歌曲中独具匠心的安排一些来展现声音明暗、强弱的对比变化。有些符号直接标注在歌曲的旋律线上，而有些符号则标注在钢琴伴奏的左手或右手的线间下面,不认真读谱，一般不太容易发觉。演唱者在演唱前一定认真阅读歌曲的谱子，要为力度符号定个基调，让其他力度符号始终围绕中心基调发展变化，让每一个力度符号按照它应有的能力在谱子中工作出力，这样的变化才会有无穷的“味道”。
另外，还要从演唱与伴奏的相互呼应上去把握处理歌曲味道。
演唱的声音往往是与钢琴伴奏之间相辅相成，互为依托的,当钢琴伴奏的声音已经非常弱了,而演唱者还以比较强的力度发展，这样也会造成两种声线在音响运行上的失衡，会破坏歌曲的意境展示,影响作品的“味道”再现。
沈湘先生专门就歌唱的味道曾经有过一段很有意思的描述：有一位很著名的外国歌唱家，他是一位不得了的大歌唱家，你听他年轻时的录音多么漂亮！从他的艺术发展看，他完全是凭自己对音乐的理解，凭自我原始的感情，凭传统的影响，那样唱出来非常有感情，非常有“味儿”，非常好听，当他唱对了，就唱得很好。
但是因为他不理解内在的关系，越唱越退步。有一次他在国外开音乐会，唱了一半，经纪人出来说，xxxx先生因感冒不能再唱了，请大家原谅。但是过几年他再开音乐会大家还是买票，因为他唱的作品非常有“味儿”，听他唱的歌曲有那么些“味儿”，大家一过瘾就够了。他四十多岁就开始走下坡路，六十多岁再唱跟业余的差不多，仔细琢磨还有点老的味道，大家还是鼓掌。
从这位歌唱家身上我们学到两点：一是一定要明白歌唱的道理；一是唱东西一定要有“味儿”，只追求声音是不够完美的，因为你在学习和工作中所遇到的曲目种类很多，不能用一种味道去套多种曲目，所以要不断学习，而且一定要学到老。
总之，歌唱是一门综合的艺术，一定要紧密结合整首歌曲歌词和曲调的发展情况入手加以细致分析，让味道服务并服从于歌曲的整体性和连贯性要求，进而充分体现声乐作品的整体艺术风格。
联系客服
