我比较重视写生，对如实地描写对象那种画法，不是很感兴趣，而是强调对物象的形的理解，绘画语言、对笔墨，对线条的一种掌握，然后构成有意思的画面。这种艺术观念和过去的艺术观念不大一样。主要是对规律性的知识的研究，多进行一些比较分析。当然如果是基础写生学习来讲，还是要从形入手，先解决基本的造型问题，然后才能表现你想表现的东西。
创造才能的培养很重要，要有自身对物象，对大自然感受力，理解力，审美力，把自己的“心相”在纸上展现出来。但不可过于迷信写生，认为写生是万能的，能够解决一切问题。好像写生就是造型基础，我觉得这个观念不够全面。我们的目的是培养自身创造性，写生也好，临摹好，最后的才能都要体现在创造上，体现在最后的创作上，所以创造性的才能必须要着重地注意培养。
任何一种才能不会从天上掉下来，写生也是一种创作过程，不是照搬，需要将物象进行“拆散”后的“再次组合”。这个过程需要经过大量实践才能获得。如果想创作画得好，必须要多创作，以量变带动质变（这里不包含天佑之子的天才）。如果一年画不了几张画，那么创作能力肯定高不了。让搞个写生，可能很有把握，画得很像，但要搞一张创作，缺乏自主性和创造性。只会写生是完全不够的，还需要艺术想象力，需要组织绘画语言的才能，需要具备“构成”画面的才能。这种综合的能力，靠单纯的写生是无法解决的，必须经过大量的创作训练和有意识的培养，才能掌握创作的能力。
即写生就是创作，二者不可脱节，如果把创作才能的培养融化到写生里去，就比较好了。
中国画一下笔就有个怎么画对象的问题，并不是如实地描写对象，而是把自然的形态转化成艺术形态。就是说，不仅要强调"外师造化"，还要强调"中得心源"。在写生的时候，要把你的理想、你的艺术个性、你的特殊爱好、你的艺术素质，放进你的画面里去，这样画出来的东西就不是纯自然的，是把自然的形态变成艺术的形态了。真正好的写生，并不是一模一样地把对象画出来的，它是一张可以欣赏的作品，有构思、有想法、有个人的艺术趣味和艺术追求。像这样的写生，跟创作是没有什么区别的，但是还不能替代创作，它还只是一种基础训练。
李可染先生的不少作品都是对景写生的，他写生的时候，是一边写生，一边构思，一边改造对象，构成画面。所以他的画面，跟自然是不完全一样的，他已经根据构思进行加工、调整，有取舍，有强调。
西方也有写生画派，印象派基本上都是写生画派的，是外光派。外光是千变万化的，室内光线比较固定，色彩变化讲究不多，但到大自然里去，整个的环境，光线的变化一天到晚都不一样的。研究这种千变万化的自然形态，画出来的画面就非常丰富。中国传统绘画有四季，却少有光影，独有的色彩系统，写生因为时间限制，主要以“笔墨”为主，它也是中国画的魂，汉字造型造就了书法艺术，进而造就了中国画的线条形式，即中国画的“骨”，还有中国画的“散点式”视觉及构图方式，种种完美的结合展现出国画的“韵”。面对大自然山山水水，需要去与之“对话”，静静的体会，感受它“拟人般的活着”。有感性就会有觉性（这一点很重要）
拿着毛笔一下子就要考虑到怎么用笔的问题，这个线怎么勾？勾成什么样的线？勾成方的还是圆的？粗的还是细的？有弹性的还是直不棱登的？等等，根据自身的考虑、感受、以及自身的艺术理想、画面的要求，要有选择，这里面就有了很多创造成分，不能完全照着对象去画，不是单纯地描绘对象，照搬照抄。要根据自己的感受来改变，表现这种“敏感”，在这个过程当中，实际上是运用了创造性，这样就有了自我意识和认知的写生作品。
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