导读：
你可能教了多年的色彩静物却从没问过自己，为什么色彩静物要画成这样？学生也会纳闷，老师教的静物到底是从哪来的？那就有必要开启色彩静物寻根之旅了。寻根是一件趣事，文化上的几经嫁接产生了一些共同的认知，然而这些惯常的认识或许麻痹了我们的触觉，现在我想回溯一下各个科目产生时间，生产这样的共识是需要研究的，下面就是研究成果：
色彩静物是一种指代我国美术类高考的一个必考科目，除了色彩人像和色彩风景，静物是色彩必考科目中的常见的考试题材，因为静物考试操作便捷，成为最盛行的考试方式，除了考台面静物还生发除了室内场景静物，从静物扩展到景物。
色彩静物的发展分四个阶段
第一阶段写实阶段，细节之美
这是静物在油画画种里最有存在感的表现形式了，满目物质感的器皿，很强烈的贵族感，这样的油画静物更注重画什么物品的如画的，品味一定要高。光感方面采用了古典主义的经典方式，这个时候色彩因素还没有主动意识进入到静物中，被忽略了
当然色彩方面，鲜亮明快具备美感的色彩是这样一桌子美食必须采用的，在明确的固有色上强调素描关系，堆砌细节是这个时期静物画的基本手段
无论是物品选择，还是写实手法，对质感的唯一性表达，呈现出来的美感……这些都充满了大众的品味，切合普通人对看画的欲望，现在看来就是俗气，这样的静物可以称作唯美静物。
第二阶段真实阶段，朴素之美
唯美静物的反面就是具备朴素之美的静物，德拉克罗瓦的这幅花篮其实并不是唯美方式的处理，而是接近真实的去表达，没有去过度提炼所谓的“美”。
维米尔没有画过独幅的静物画，他的风俗画中也包含了很多静物，下面是倒牛奶的妇女那幅画中的静物，单独切割出来当做静物看是也是非常好的静物
从色彩的角度看这些静物亦是非常到位的，色彩在光影发挥到极限的时候会被释放出来，画面中物体的纯灰关系是非常漂亮的，在印象派之前，静物画中运用到的色彩因素中最多就是纯度，冷暖在这个时候还没有被强调出来。只靠纯度变化来表现真实的色彩就已经足够了
夏尔丹的静物是标榜朴素之美的，他在这些日常物体里发现了另一种接近现实的美，不像之前的古典风格的静物会比较细心的挑选可入画的器皿，夏尔丹的静物显得比较普通，但是光线是精心安排的
夏尔丹的色彩非常浓郁，饱和度很高，光影沉着，
方丹拉图尔的静物也是与夏尔丹如出一辙的，只是题材不同，按时间看方丹拉图尔已经接近印象派了，但是按照画来看还应该算是夏尔丹这条线索的。
第三阶段印象之光，色彩释放
印象派是以色彩著称的，对运用色彩表现光影这方面达到了史无前例的重视，在色彩因素中也更加强调冷暖，利用对比色，补色搭配的关系来强化色彩
下图莫奈的这幅静物明确的画出了向日葵的黄色与背景的群青之间的补色关系，当然在强调补色关系的同时纯度是有变化的，向日葵的黄是纯度高的黄，背景中的群青就是纯度低的了
印象派画家中莫奈解放了冷暖，马奈则是解放了笔触，这幅静物画乍一看其实跟方丹拉图尔的画有点接近，但是马奈更强调了笔触的存在因素，不加掩饰的叠压笔触，叠压完笔触也没有再抹平再做任何加工，这种不同方向，宽窄，大小的笔触与笔触之间产生的画面结构感就是马奈的一方面贡献
马奈的笔触非常放松，更能把注意力放在整幅画面所呈现出来的色彩关系上。
这两幅马奈的画中光感也有点回归古典绘画的方式，但是轻松可见的笔触打破了大家对古典光感的预先判定，因为古典的光感是要表达的很细腻的，不能象马奈这样把笔触保留得这么明显，这样会显得不完整，像在起稿阶段。另外因为大块笔触，马奈的画给人的色彩变化并不是很多，因为大笔触自带的概括力，马奈表现的光感是以顺光为主的。暗部面积不会太大，因此亮部表现一般比较出色。
下图，雷诺阿的静物画得非常水灵，色彩很鲜艳，雷诺阿并不喜欢像马奈那样用大笔触塑造，他用小笔絮着画，有时候水果的体块感并不强，但是色彩会得到更好的发挥
下图我们可以明确的看到台布上的水果体积感都不强，色彩就能得到发挥了，但是盘子里的水果就很立体
第四阶段塞尚之后，主观色彩
看塞尚的静物时，我们的确感觉到，塞尚画的几个苹果是两只眼睛两个视角下的立体感，距离感和空间感，并不是一眼视角下的立体感，说得简单点就是塞尚画的是3d电影原理的多图片合成效果，不是单个图片的立体效果。这也是为什么塞尚画一幅静物都要好几年时间，因为他很犹豫，他有时候画不出来那样的静物，就会一直墨迹下去，直到画出来为止。这也就是为什么塞尚的静物并不会像我们教的那样去一板一眼的塑造一个立体的苹果。这就是一只眼的摄影视角产生的图像，与两只眼睛的感知产生的感受传达之间的区别
现代主义画家之所以认为他们画的才是世界的“真实”就是因为他们的画都是基于双视角甚至更多视角的画面，与之前的写生绘画截然区别开了，塞尚之前的绘画靠近图像，塞尚之后的绘画靠近人的真实感受，以为人类的视觉本身就是多视角的，由两只眼睛完成视觉感知，现代主义绘画画的就是两只眼睛的视觉感受，这样就被称之为真实。
我们教学生时其实不会去借鉴塞尚的色彩，但是塞尚的存在，让我们有一面镜子照到自己，让我们了解自己。
色彩开始走向主动，画家们借着静物发挥着色彩的魅力，梵高的这幅向日葵，用到了多种黄色，用黄色铺完基调，在加入绿，蓝等极小面积的补色
平面化的色彩是当时流行的，很多画家都尝试极度地减弱立体感，用扁平化压缩空间的画面来获得对色彩的最大化强调
高更
博纳尔的色彩是叠加出来的，多层半透明或是不透明颜料互相叠加，不透明的颜料也可以通过干笔或是破锋笔触来透出底色，他的画总是有出人意料的色彩层次。
莫兰迪的“高级灰”，莫兰迪的静物画我们思考察觉不到这些瓶子的质感，不知道是什么做的，也很难感受到体积，色彩方面也一定不是静物本来的样子，是莫兰迪主动归纳出来的色彩关系。
很多加了白色的亮灰色构成了“高级灰”的色彩体系，其实整体的提纯或者整体降调或是整体提亮降纯就是会获得一种更主动的色彩关系，这样的色彩不是靠观察的，因为现实中并没有这样的色彩，这样的色彩是靠推理的，在现实色彩关系的基础上推理出的一套主观色彩。
我们画的色彩静物
忻东旺的油画白菜，用油画的厚度机理来制造符合白菜的视觉效果
我们画的静物有别于历史上任何发展阶段，是一种杂糅出来的要求，色彩静物考试的要求也是模糊的，找不到吻合对应的历史时期，但是我们的要求是将各个历史阶段的色彩问题交错组合在考试要求中。
1考试的时间一般是三个小时，因此不可能出现比较完好的写实风格习作，另外无论是考写生还是照片光线也不大可能出现那样理想的焦距光线。但是静物的构图是经常借助古典式静物的构图方式
2也还是受限于考试时间，在表现手法上，不得不象马奈那样把笔触摆在画面的表面上，摆色块更有利于强调色彩之间的关系对比。表现手法上完全是马奈为基础的直接画法借鉴
3色彩静物考试还有着对梵高，博纳尔，高更这样的主观色彩的需求，需要大范围运用冷暖补色对比来强化画面。
4色彩静物考试也包含对素描关系的关照，色彩教学的课件中就能看出来，对于苹果的要求还是很具体的，要兼顾素描关系和色彩关系。
常规色彩静物考试的要求大概可以总结为，古典静物的构图，马奈的笔触，方丹拉图尔的素描关系，莫奈的冷暖补色对比，莫兰迪、梵高、高更、博纳尔的对色彩的主动性发挥能力，还要夏尔丹的真实可信。
说起来想把这么多内容杂糅到一块儿是很难的，这些因素也有很多是纠结的，是矛盾的，但是就是产生了这样的结果。
我用一句话概括就是：存在即是合理！
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