小艺读画
带您从油画看世界
绘画与音乐之间的在系，迪斯尼玩得很溜
在所有的艺术门类中，音乐与绘画的关系可能是最为紧密的了。所以才会有“音乐是流动的绘画，绘画是凝固的音乐”这样的比喻。在众多画家的笔下，以音乐为主题的作品层出不穷，比如说下面这幅法国立体派画家巴洛克的名作《赋格》。
乔治·巴洛克 赋格（JS BACH）
作为一个接受过古典音乐教育的艺术家，他企图用几何的形态来表现巴赫（赋格曲）的音乐本质。其中内在的关联，无疑是在数学性的内在一致与和谐上做文章。
喜欢这么做的画家还有很多，比如毕加索、惠勒斯、还有我们下面要说的康定斯基。如果毕加索与巴洛克的想法一样，那惠勒斯则是从色彩与画面的调性上与音乐取得内在的共鸣。
事实上，仅从两种艺术的专业术语上来看，它们之间也存在着惊人的一致，甚至相互借用。而油画与音乐相遇的途径，其实还有很多。
比如在某些现代派音乐中，个别作品并不是以音响的形式作用于听众的耳朵，而是以画面的形式或表演的形式作用于观众的眼睛，使听觉艺术异化为视觉艺术。
乔治·克拉姆 神奇的无限循环（曲谱）
听说谭盾博士学位的答辩作品《死与火——与画家保罗·克利的对话》，就是跟据克利的七幅画写的。在七段乐段中，其中有一个标题居然来自同一张画《唠叨的机器》，而且也同是第四个乐段。
今天的读画，小艺就与大家聊聊这个话题。但是当油画遭遇音乐，有些会给我们带来惊喜，而有些则可能是“惊吓”。
1 跨界玩票
自娱自乐挺好
油画遭遇音乐最直接也是最直观的一种形式，莫过于是玩音乐的人直接跨界画画了。我们不说诸如音乐家彪德西那样遥远的例子，只说两个当下我们熟悉的摇滚歌手。都说画同人心，让我们从画里来看看音乐人的内心。
窦唯自画像
小艺要说的第一个是窦唯， 这张自画像看着像应该是他年轻的时候。据说他突然喜欢上画画是在1990年，看得出来，他应该没有专业学习过油画，是一个全凭感觉下手的爱好者。从他向下的眼神，扩音器和麦克风竖直构图看，他应该是个很自信，甚至很孤傲的人。
这两张作品貌似作于1999年，色彩进步了些，氛围表达也不错，有点20世初巴黎画派和野兽画派的影子。那时他已经与王菲离婚，音乐上也开始远离市场，慢慢转向了民乐，活在了自己的世界中。不管出于何种动机，我想这两幅画应该是在愐怀吧。
他最喜欢画的是百合花。在色彩上又有了进步，从他不急不徐的笔触可以看得出来，他在画画时很安静，甚至很享受画画的过程。一个人在自己专业的领域待久了会很乏力，难道这就是窦唯自我疗伤的方式? 如果这样，倒是个不错的主意。
第二个玩跨界的是鲍勃·迪伦
鲍勃·迪伦 自画像
与窦唯的自娱自乐不同，鲍勃·迪伦则是一个开起了画展的音乐人。虽然他的咖位比窦唯要高得多，画也卖得不贵（2000美元），但作为一个艺术机构我不得到说句公道话。除了他音乐上的成就，我真不知道高古轩是怎么看上他的画的。
鲍勃·迪伦色彩上的表现力比窦唯要强上不少，空间处理也要稍强一些，但造型能力让小艺很无语，几乎全是“纸片人”。德国有些评论家居然将他的画与蒙克和马蒂斯来比较，几乎吓得小艺快尿了。
马蒂斯 自画像
与鲍勃·迪伦的自画像倒是挺像，但是神韵吗小艺就不说了
小艺承认他很有灵性与才气，但是“故意画得不像”和“怎么都画不像”、“选择表现手法”和“被选择表现手法”之间还是有很大差别的。
蒙克 呐喊 这幅画很适合表现小艺此刻对那位艺评家崩溃的心情
还有，与窦唯一样，看来玩摇滚的与野兽派内在的精神气质确实很像。只是窦唯毕竟是中国人。看看他画的百合花，借小田馨的话来说：“咱们中国文化强着呢！”
一如即往的“纸片人”，与前面几幅作品相较，我甚至感觉到了某种退步：充满了激动而不是激情，显得潦草而不是才气，横溢着一股子躁劲。听说鲍勃·迪伦为了画展一口气画了数百张，我想应该就是这些作品吧。倒是最后一张小速写有点闲庭信步，是享受绘画本来该有的样子。
2 致敬“音乐”
向音乐致敬
还是视觉奇观
看完两位摇滚音乐人的跨界玩票之作，我们再看一看这两天在网上很火的一组作品。画家小艺就不说了，我们先看画。
莫后禅院 （莫文尉像）
朋克寺 （诱导社乐队雷霖像）
很扎实的专业写实功底（说句实话， 央美出来的人都这股味，请正面理解小艺这句话），也很符合这个时代的对视觉奇观的追寻。虽然油画表现力、音乐概念、中国重彩工笔、和山水意象的嫁接有点生硬，但在视觉奇观这一点上，画还是成功地吸引了我一把。莫文尉说很震撼，小艺表示很同意。
尔剌邑宫Arai Palace（荒井壮一郎像）
只是在油画本体语言的探索上，也就是绘画性上弱了些（照片画，离超写实现还差着点距离），我想美院的那些教授们可能评价不会太高吧。当然也可能是小艺没有看到原作的原因吧（但愿我是错的）。听说目前在日本展出，这种死扣细节和宏大叙事，又带有点二次元风的审美调调，他们应该是喜欢的。
3 通感神作
我的名字叫
Illuminated Manuscript
说到音乐与绘画深层次的相通，那就不得不说起绘画史上的这位大神：康定斯基了。作为一个能达到专业水准的大提琴手，他的绘画与音乐一直就有着不解之缘。
甚至可以说音乐在他开创当代抽象画派的过程中，起到了举足轻重的作用。在他的艺术名作《点、线、面》中，对绘画的各个要素和音乐要素之间的应对关系，便做了深入而系统的探究。
他常常把绘画用音乐的术语来描述，还曾形象地用乐曲的弹奏来比喻画家的创作：“色彩好比琴键，眼睛好比音锤，心灵仿佛绷紧着弦的钢琴，艺术家就是弹琴的手，它有意按动着各个琴键，以激起心灵的和谐的震动。”
他会把绘画当作由各种视觉要素所构成的交响乐，称其为“色彩的大合唱”。他说：“绘画是不同世界雷鸣般的碰撞……每一件作品的创造恰似宇宙的创造一样——通过各种乐器浑然一体的喧嚣所形成的有如洪水爆发的那种巨大声响，来创造一支交响乐，创造一支天球的音乐。”
除了绘画的与音乐内在结构的相似，他还对色彩与音乐人的心里感受之间的关系有着深刻的理解：“蓝色是典型的天空色。它给人最强烈的感觉就是宁静。当蓝色接近于黑色时，它表现了超脱人世的悲伤，沉浸在无比严肃庄重的情绪之中。蓝色越浅，它也就越淡漠，给人以遥远和淡雅的印象，宛如高高的蓝天。蓝色越淡，它的频率就越低，等它变成白色时，振动就归于停止。在音乐中，淡蓝色像是一只长笛，深蓝色好似一把大提琴，最深的蓝色可谓是一架教堂里的风琴……”
最后，小艺还是借康定斯基的话来结束今天的读画：“色彩的调子和声音的调子一样，结构非常细密，它们能唤起灵魂里各种感情，这些感情极为细腻，是文学所不能表达出来的。”
5
August
2016
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