在这一次的《长江图》中，长江象征着炎黄子孙生命的奔流，从上海逆流而上，其实也是哲学中的寻找生命起源的意象，在凛冽的寒冬中，天地失去了光彩，万物归于沉寂。
这部电影的深意，可能不是每个人都看懂，
但是那近乎完美的画面，却让人无法移开眼睛，
这一切或许因有李屏宾。
国内最后一部胶片艺术电影
历经六年筹备、两年拍摄、两年后期制作，全程历时近十年、全程采用胶片拍摄，《长江图》这部电影被称为胶片绝唱，费尽心血。
胶片里的质感与冷调，每一帧都在诉说着长江的磅礴与神秘。
为影片掌镜的李屏宾也因为这部电影，被大家重新提起。且不论剧情走向如何反复穿插，时空交错，在这种文艺片中，若没有李屏宾大气磅礴的诗意摄影作为支撑，在电影中情节极有可能会支离破碎。
电影里氤氲中长江好像一片片水墨画晕染开来，一个柔美的美女慢慢掀开她的面纱。
“夜晚、白天的光线消失的时候，我独自站在船头，轮船驶入旷野的时候，我感觉这是一条唐朝或者宋朝的长江。就像看完《聂隐娘》的时候有个朋友跟我说，好像看了一部唐朝的电影。” — 杨超
导演在对长江的独特理解中，追求着将画面拍出诗意的美感，而在中国传统文脉中，诗意永远都离不开山水画，正所谓“诗中有画，画中有诗”即是此理。而李屏宾实现了这一切。
《长江图》的拍摄风格也是李屏宾的风格，他喜欢白黑，黑中有黑，黑中还有细节，黑中还有层次，其实很像墨的感觉。
“其实因为我从小也喜欢看画，对中国画我也不是很明白它的所有这些文字的东西，但是我自己很爱看画，自己也喜欢买画。但我买的都是很便宜的，我也喜欢买那些老的中国画，仿的也没关系，只要我觉得它有质感，它美就好了。”——李屏宾
《长江图》的导演杨超对李屏宾有一段令人印象深刻的评价：“他非常懂古典诗歌，也是一个大师级的摄影师，人品极好。在最冷的时候，他坚持站在船头工作，永远没见他坐下的时候，永远亲自掌机拍摄。他的人品、能力、造诣，让我觉得，是中国传统所能孕育出的最好的人。这种人在大陆很少了。”
为拍长江义不容辞的李屏宾
中国台湾摄影师，生于1954年，1985年与侯孝贤合作拍摄《童年往事》起，其摄影手法受到广泛好评。先后与侯孝贤、许鞍华、王家卫等导演紧密合作，其创作画面风格以唯美、浪漫着称，六夺台湾金马奖最佳摄影，历史成就在亚洲电影圈无人可及，2016年凭借《长江图》获柏林电影节银熊奖。
李屏宾，用光线与色彩引领呼吸的光影诗人。
看着这个满脸络腮胡子，粗旷的男人，却是如此细致入微的观察生活中的一光一影，一人一物，一静一动。
那些微妙的隐匿情绪，在他自然敏捷的捕捉中惟妙惟肖。
他经常拿着摄像机拍摄摇曳舞蹈的风、喃喃细语的树叶，
用手和心倾听这个世界的声音与色彩气息。
强烈的写实主义与诗意影像风格，树立了不同故事浪漫和优雅的典范。
记得《花样年华》里亦明亦暗的灯光无声述说的情愫。
记得《最好的时光》中那绚丽迷人的玻璃房子。
记得《挪威森林里》离逝后的直子背后摇曳哭泣的草地。
记得《一个陌生女子来信》黑暗中微然悲伤的脸庞。
记得《红气球》中移镜拍摄的淡然留白的琴声。
李屏宾顺其自然本真还原的哲学，
用最朴素、坦然的表达方式，将环境与人物、故事揉合，
谦卑、诚敬的将一切做到极致的美。
他在《长江图》这部电影上，所付出的心力，绝不亚于导演，他们选择逆流而上拍摄，所以无论天气和地段的限制都非常大，不能随意转头，李屏宾要做的就是一直往前拍摄，阴雨、下暴雨或者是大太阳，老天给什么就是什么。
“所以特别困难，我觉得也特别有意思。那个时候我也常常自己说，天天都是好天，什么天都好，不好也不行，必须好。就是什么天你都要去欣赏它，今天是大雾天，明天下大雨，后天大太阳，你都要欣赏他，去用他。”
他所拍摄的每一个画面，都建筑与他对长江的印象与爱，当初拍摄长江图，是因为被长江打动。
“因为我从小在台湾出生，对台湾的印象都是很模糊，也短暂的在南京到武汉的江面上曾经陪我母亲去探亲，坐过船，对长江还是很陌生。所以有这个机会谈到迷幻的长江，然后就有一个影像，中国山水画的影像跟想象。”
这个故事本身就充满超现实的元素，又有长江之上缭绕的水雾，暗沉色调、宗教典故和民间传说更加深了灵异的氛围。
这并不是架空的虚幻，而是把幻想拍成了现实，抑或是现实进入了幻境。所以欣赏《长江图》，需要一些想象力，或者流行语中所说的“开脑洞”。
而且在电影这种视听艺术中，这种超乎脑洞的想法最终还是要依靠摄影和剪辑来完成实现的，而拍摄素材更是一切的基础，没有李屏宾超乎寻常的摄影经验，新导演杨超是很难在这种低预算，高难度，超前卫的条件下拍摄出像样的电影。
对于一位浸淫电影摄影领域30多年，谈到摄影工作双眼仍炯炯发光的大师，可以感觉到他对摄影的真心喜欢，但也好奇至今摄影对他而言是什么？
李屏宾说：“摄影代表了我每一个时期的心境，每一个阶段的成长，我对体制不断的叛逆，我重覆失败的冒险，我孤独的时光与蹒跚的脚步??”
本文专访来源：Sina娱乐
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