笔墨是绘画的基础，造型、构图和书者情感都是通过笔墨技巧表现的，笔墨包括笔、墨、设色。一幅画的好坏，要看用笔、用墨、设色是否恰到好处。用墨和设色都是通过笔行走而形成点、线、面，所以用笔又成了三者的核心。
用笔讲究笔法。笔法包括笔力、笔意、笔韵、笔气、笔象。笔力即骨法。中国画奇特在于用最柔软的笔，写出最有力的线条，给人的印象是力能扛鼎、力挽万牛、力重千钧、力能通神。反映在画面上的力有刚力（如竹杆）、柔力（如兰花）、寸力（爆发力，如牡丹、花蕊）。因此，在行笔中应体现实与虚、正与侧、顺与逆、轻与重、缓与急、提与按、干与湿、浓与淡的变化。骨法用笔的线不管粗细都可表现为力量感与飘逸感相结合；流畅感与拙朴感相结合；干涩和圆润相结合；厚重与灵巧相结合；工整与变化相结合。
笔意是指线条要有书写性，就是人们常说的书画同源。行笔时开得进，留得住，铺得开，求变化。黄宾虹先生在《画论》中提出“用笔须平，如锥画沙；用笔须圆，如折钗股，如金之柔；用笔须留，如屋漏痕；用笔须重，如高山坠石；用笔须变，如四时迭运”。这就是画家在题款时都题“某某某写”而不题“某某某画”的道理。凡是能流传千古的画家一定是书法大家，如赵孟頫、赵之谦、八大山人、石涛、吴昌硕、齐白石、黄宾虹等等。笔韵是指行笔的节奏感，就像音乐一样，有轻重、缓急、起伏的节奏感。笔气是指行笔时一气呵成，一根线条即便是断开的，也能让人感觉是连着的，称“笔断意连”，画面的“势”是通过行笔的笔气形成的。笔象，即画的气质，是画的最高境界，是画家笔墨功夫、笔墨语言以及画家学养的凝结，是看不到但可以感觉到的气息，这就是朦胧的精、气、神。就像人一样，有的人虽然五官长得很正，但让人感觉平淡；有的人长相一般，但能打动人。
中国画讲究“笔笔见笔”，如何能见到行笔的轨迹，用墨很关键。墨因水而发，因笔而行。“墨分五色”是说墨在不同量的水所发出的多种颜色，用水的多少决定了墨的颜色。用水过多，使线条肥和滑，见不到笔触，用水少使墨在画面上形成“死墨”，或过于干涩，使画面“火”气很重。“以墨代色”是说一切颜色都可以用墨色来代替，不仅不会让人感到单调，反而会让人产生丰富的想象力，给人带来高雅感、韵味感。用墨恰到好处，才能把画的情感、主题很好地表现出来。
评论一幅画的好坏，看其颜色搭配是否恰到好处。设色画讲究色彩搭配，色彩搭配得好，才会有好的色彩效果。行画和工艺画都是大红、大绿，为什么“俗气”、“匠气”，原因就是色彩搭配不好。色彩原理告诉我们，色彩的运用要遵循规律，即画面中要有基本色、对比色，色与色之间要相互呼应。红、黄、蓝是基本色，以此为基础，可以调出各种色。将红、黄、蓝色降低纯度，只要往里加白、加灰、加墨色。红、黄色是暖色调，蓝色是冷色调，黑白是过渡色，也称“无色”。当以红色或黄色为主色调时，对比色是蓝色，过渡色是黄或红色。当以蓝色为主色调时，对比色应是红或黄色，中间过渡色为黄或红色。没有一种颜色是孤立存在的，如果只是一种颜色，当光照时色是死的。这就是我们看到的服装颜色，无论通体是红的黄的还是蓝的，在某一个地方一定会有小块的另两个颜色存在，这样服装才好看。色彩的对比包括色相的对比，冷暖的对比，进退的对比，缩化的对比，无彩有彩对比，指向倾向。色彩在中国画上的运用一定要注意上述三种关系，否则画面显得脏、乱、板、艳、匠、俗。每种色彩的比例多少，要注意黄金分割比例。
一切美感来自自然，大自然的颜色搭配是天成的。四季更替，晨曦晚霞，花瓣花蕊，鸟的羽毛等等，它们艳而不俗，无不给人带来感官的享受。中国人是非常聪明的，他们通过对大自然色彩的观察和提炼，制造出各种好看饰品和艺术品，如少数民族的服饰等。吴昌硕、齐白石等大师他们对色彩的感应和运用到了极致，他们的画作对人的视觉冲击力很大。因此，作为画家一定要注重写生，从大自然中获得美感。
王宝军
来源： 江西晨报电子版
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