影视音乐

伴随录音技术的革新和人们声音审美需求的变化，影视音乐从诞生起经历了多个发展阶段。在电影诞生之初，电影音乐往往是钢琴师（风琴师）或小型乐队坐在银幕边上现场演奏现成音乐作品，通常缺乏与画面契合的节奏与情感。20世纪伊始，一些作曲家尝试专门来为电影创作音乐。1908年，法国著名的作曲家查尔斯·卡米尔·圣-桑斯为默片《吉斯公爵的被刺》作曲，开创了音乐作曲家为电影谱曲的先河。此后，越来越多的音乐作曲家加入为电影作曲的行列。

1927年10月6日，美国华纳兄弟影业公司出品的《爵士歌王》在美国公映，标志着“有声电影”的诞生。由于录音技术取得革命性突破，语言、音乐和音响三元素结合在一起，与画面并驾齐驱，共同成为影视视听语言的重要组成部分。

20世纪30～40年代，电影音乐迅速发展，在音乐创作和录音制作上都找到更好的路径，奠定了影视音乐的基石。早期电影音乐具有奢华的交响化风格。50～70年代中期，电影作曲家进一步将爵士音乐、摇滚音乐、电子音乐等现代音乐元素融入电影音乐的创作中，形成了电影音乐多元化的创作风格。与此同时，电影歌曲也成为电影音乐创作不可或缺的重要内容。70年代中期开始至今，现代音乐风格与创作手法越来越多地进入电影音乐创作中，更好地契合多样化的电影类型与故事主题，极大地拓展了电影音乐的艺术表现空间。

影视音乐的创作和设计须符合影视作品题材、内容和风格方面的要求，体现导演的总体构思；须配合影片剧情和画面蒙太奇，进行相应的声音蒙太奇构思和剪辑。作为影视声音中的重要元素，影视音乐需要和语言、音响相结合，符合声音总谱设计，综合作用于观影者。影视音乐的演奏演唱须经过音乐创意、音乐表演，以及音乐录音、音乐混音、音画剪辑等影视声音的制作工艺，最终通过银幕或荧屏的放映发声来体现它的功能和作用。影视音乐与传统音乐的曲式结构不同，内容与形式更加灵活和多样。

影视音乐的组成包括配乐和歌曲两部分。配乐可分为主题音乐和场景音乐、片头音乐和片尾音乐。歌曲可分为主题歌和插曲、片头歌和片尾歌。按画面中音乐声源的出现方式可分为有声源音乐、无声源音乐。

影视音乐与画面的配置方式主要有米老鼠式音乐和全局式音乐。米老鼠式音乐源于早期动画，主要着眼于表现画面中运动的、有节奏感的剧情元素，强调音乐和动作精准、完美的契合。全局式音乐着眼于把握整部影片的总体基调，捕捉某一场景或某组镜头的情绪气氛，一般做法是让音乐主题通过旋律发展、移调、配器的调整、对位手法的运用等方式反复出现。

影视音乐与画面的配置关系主要有音画同步、音画对位、音画平行、以音配画。音画同步追求音乐与画面在情绪、气氛和动作节奏上的一致性，达到视听统一。音画对位指音乐与画面在情绪、气氛和动作节奏上形成对比关系，以增大戏剧的张力，丰富剧情的内涵，形成新的寓意。音画平行是指音乐按照画面内容的情绪、气氛和动作节奏保持平行发展。以音配画是指通过画面镜头的设计与剪辑，诠释和配合音乐作品的发展，多用于动画片。

影视音乐艺术还包括音乐音响化与音响音乐化。音乐音响化是指作曲家创造性地在传统乐器或现代乐器上通过非传统的演奏技法获取新音色。此时音乐具有了音响的呈现方式。音响音乐化是指声音设计师、作曲家创造性地选择和组织具有新意的声源材料，将生活中的非乐音声音元素以音乐的方式组织和处理，使观众从音响中感受音乐的韵律，获得独特的审美体验。