在谈论诗歌和绘画时，我们常用到“意境”这个词，尤其是在欣赏中国传统文人绘画作品时。然而什么是意境？在欣赏一幅传统绘画作品时，除去画中的具体物像之外，我们又可以获得哪些意境呢？
壹 什么是“意境”
首先，来了解一下组成“意境”的“意象”，“意象”这个概念对于中国人来说并不陌生，比如在《周易·系辞》中就有“观物取象”、“立象以尽意”的说法。在《周易》中说的“象”，是指卦象，古人用卦象来记录和推断宇宙万物的变化，并推算其运动规律。
后来这种“象”便被借用到文学、哲学的范畴中，特别在诗歌创作时，常常借助客观物像来表达作者的主观思想、情绪，这些外在的事物——包括人物、社会、自然的形象，在文学作品中就形成了很多典型的、符号化的意象。
诗人们对这些典型意象进行了拟人化、人格化的加工，比如：借用菊花，来表达清高、脱俗的气质；借用梅花，表达纯洁、不屈、独立的高尚情操；借用荷花，表达出淤泥而不染、不同流合污的品质。常用的自然意象还有：松、兰、竹、梧桐、杜鹃、鹧鸪、寒蝉、鸿雁、柳树、明月、芳草、芭蕉、秋水等等；社会意象包括：长亭、关山、羌笛、琴瑟、月老、青梅竹马、逐鹿问鼎、杜康等等。
在了解了上述意象之外，我们再来谈谈意境。一幅画，尤其是中国的文人绘画，特别强调画中要有意境。而意境正是由上述这些意象所组成的。画家们将自己的思想、观念、情绪、感悟与客观对象融合后，通过笔墨语言创造出各类意象，再将这些意象综合组织、排列、经营，由此创造出一种气象、氛围、格调、风格——这便是画中的意境。
贰 浅析中国文人绘画中的七种意境
文人绘画正是通过创造意境，让画家本身的主观情思与客观对象融合一致，能够诱发、激发观众的联想、想像，将画中的意象和主观感情融合，从而获得审美愉悦，体会到精神的高度以及能够打动灵魂的力量。画家的情思包括他本人的思想、理想、观念、信仰，因此传统文人们在评价画作是否优秀时，便将其中的意境作为最重要的指标。
对于画家本人来说，首先要追求一种画外之意，也就是说画画的终极目的不是再现客观物像，也不追求技巧本身，而是要表达自己的感悟。其次，在追求神似的基础上，追求灵性，将自己与客观世界融为一体，达到天人合一、物我两忘的人生境界。
而绘画，是表达自己对世界的独特体验、生命过程中的瞬间体验。这种通过绘画表达“自然之性”，“本人之性”成为文人画家们所追求的最高目标。正因此，在评价一幅画是否优秀时，画家本人的人品、学识、修养、格局、境界也成为标准之一。
那么，具体说来，传统文人绘画的意境有哪些呢？
笔者尝试结合一些经典作品，做大致的梳理，主要包括有以下几种意境，或者也可以称做几类美学思想，分别是：寒荒、孤寂、虚幻、丑拙、潇散、淡雅、简约
以下，我尝试结合具体作品欣赏，来看看这几种意境所产生的美学效果：
1，寒荒之境
古人善用枯树、寒鸦、野鹤、雪松等意象表现一种宁静、空灵、幽远、萧条的氛围。在王维时代，就开启了用水墨画寒林图的先河。此后的文人画家更将这一意境与空虚、寂静的禅意相结合，形成中国绘画中特有的寒荒美学。
比如传为范宽所做的《雪山萧寺图》，此画构图不同于范宽其他作品，山石树木直现于幅前，不留空间，山顶密林寒树丛生，山间布置古刹、寒泉及行旅，以水墨染出阴霾的天空。让观赏者觉得有一股寒气袭来的身临其境感。
另外本文上附的李成《读碑窠石图》，也充分展现了这种寒荒的意境，整幅画面透露出一种孤傲、旷远、萧瑟的情绪。
2，孤寂之境
传统文人心灵上一贯保持孤独寂寞，追求独立的人格，超越尘世、世俗的羁绊，这样更能感受宇宙、生命的本源。元四家之一的倪瓒更是将这种寂寞做到了极致，他所画的风景中，很少敷色，他所描绘的山、水就是纯粹的山与水，其中没有任何的人物、车马、舟船、鸟兽，最多也就有一个简单的茅屋，这孑然孤立的棚子中，空空如也。
倪瓒认为，所有那些用于点景的人物、车马、舟船、鸟兽都显得俗气。倪瓒这种真寂寞的世界已经达到：水不流、花不开的境界。在很多时候，这种孤寂之美也伴随着寒荒的意境，比如倪瓒这幅《幽涧寒松图》：
3，虚幻之境
传统文人绘画并不看重对客观事务的再现，认为那太工具化，他们更看重如何表达作者的主观感受。这种思想来自于老庄和禅宗，认为宇宙生生不息、一切处于变化之中，我们所感受到的是虚幻的事物。只有充分意识到世界的虚幻性，才可能理解实体性。
从传为米芾的这幅《春山瑞松图》，可以感受下他所独创的“米家山水”、“米氏云山”，其主要技法称为“米点皴”。这一技法突破了传统运用线条表现峰峦、云水、树木的方法，用点、横表现烟雨迷蒙、变幻无常的江南自然景色，他尤其擅长画烟云变化，雨霁烟消的山水。
《潇湘奇观图》画心部分
4，丑拙之境
与美和巧相对应，中国文人并不迎合世俗所谓的美和巧，而是追求丑与拙，这种思想来源于老子所说的“大巧若拙”。在绘画中，便形成不过分强调技术，将技巧的痕迹降到最低，产生出一种率性、天真的拙朴之美。这种思想体现在山水风景画中，便是所追求的奇峰、险峰、枯木、丑石等等这些意象，用它们来达成丑拙的意境。
李成生活的年代是919-967年期间，由五代入宋的画家。他的笔法之中两类独创的特点，一类是将山石画得如卷云，后人他这种皴法为“卷云皴”；二是将冬日的枯树树枝表现得像“蟹爪”。在此画中，这些蟹爪构成的枯枝，产生了一种内含生命张力的笔墨语言，它们与肃穆的石碑形成一种动与静的对比，这些张牙舞爪的树枝，从乱石中一直肆意地、毫无顾忌地伸向天空。这些扭曲而张扬的蟹爪密密匝匝、上下呼应，与纪念亡故之人与事的石碑，叠加成一副令人毛骨悚然的画面——它们代表着对生与死追问和敬仰。
5，潇散之境
潇散，顾名思义便是萧瑟、潇洒、闲散、疏旷等等，如陶渊明、竹林七贤、孟浩然、王维等一类的文人所提倡的自然不拘，超越传统秩序，回归本性，如此方得大自在。
《高逸图》
唐代画家孙位做《高逸图》，在卷中表现了四组不同的人物和侍者。现藏上海博物馆，绢本设色。纵45．2厘米 横168．7厘米。《高逸图》为其所作《竹林七贤图》残卷。目前我们只能从图中看到四贤，这四位人物面容、体态、表情各不相同，四周的侍童、器皿、坐垫也起到丰富人物性特征的作用。画名“孙位高逸图”为宋徽宗赵佶所题，这幅图刻画了魏晋士大夫“高逸风度”的共性，又刻画出了他们的个性。人物着重眼神刻画，得顾恺之“传神阿堵”之妙。
南宋画家梁楷的这幅《泼墨仙人图》，不仅透露出描绘人物的闲散、不拘的性格，也是作者本身精神状态的自然流露，被“梁疯子”梁楷，本身就超凡脱俗，潇洒不羁。这幅人物画一气呵成，不做雕饰，也展示了一种丑拙的艺术境界。
6，淡雅之境
以魏晋时期的隐士为代表，他们深知淡雅才能够让人更加清醒，在画作中不强调形似，而追求淡而无味，内敛而隽永。到了北宋时期更将这种淡雅美学推到极致，包括在日常生活使用的家具、瓷器等均受到这种淡雅美学的影响。
比如王冕的《墨梅图》，图中的梅花枝条伸展交错，用笔挺劲有力，画花朵时用了“一笔两顿挫”，简洁畅利。王冕这首题画诗更充分展示了对这种淡雅美学的追求：
我家洗墨池头树，个个花开淡墨痕。
不要人夸好颜色，只留清气满乾坤。
7，简约之境
面对纷繁复杂的世界万物，画家们抓住其核心本质，尽量用最简单的笔画画出其精神上的真实。这与我们如今常说的“极简主义”有类似之处。一方面，古代的文人画家们尽量做减法，同时也常在画面中留白，形成一种简约的风格，但却创造出更丰富的意境。
比如南宋遗民郑思肖所绘这幅《墨蓝图》，就用极简的几笔，勾画出清新疏朗、古朴恬淡的兰花。郑思肖(1241—1318)本名因之，为了纪念被蒙古灭国的南宋，改名“思肖”，因为“肖”是“赵”字的一部分，这就像他为自己所取的字“忆翁”、号“所南”一样，都暗含着对南宋故国的怀念。宋灭后，他隐居吴下(今江苏苏州)，坐卧不肯向北。他为居室匾上题为“本穴世界”，“本”、“穴”两字相加，暗指“大宋”。
郑思肖的这幅兰花没有画根，体现了他虽为亡国之民，但仍是布衣傲骨，坚贞不屈的精神。
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