文|华冶夫
上世纪30年代开始，电影工业在美国蓬勃发展，明星演员成为电影公司最重要的资产。电影照明工作的核心，就是用尽各种手段把演员拍漂亮，这种情况一直持续到60年代。
为了让演员在银幕上看起来精神焕发，无论拍摄何种场景，首先考虑的就是让演员的脸部曝光正确，完全不在乎人物和环境间的亮度平衡，如上图中的例子。
先看美女，嗯，坐在画框右侧黄金分割线的位置，脸部细腻红润，不错！再看看窗外的风景，发现问题了，女演员的脸居然比窗外的天空还亮。
合理吗？这在当时是不需要考虑的问题，只要和明星演员同场，天空算什么，太阳也得暗下去！
这种任性的观念统治了电影界相当长一段时间，电影银幕舞台犹如戏剧舞台的重现，为了演员的光辉，一切背景必须谦卑地暗淡下去。
好吧，演员漂亮了，场景气氛呢？请看下图：
这个场景来自惊险片《西北偏北》，这场戏是深陷危机的男主角（左）和间谍见面，现场气氛颇为紧张。
画面为了人物曝光充分，场景被打得满堂亮。50年代的彩色胶片不过iso25左右，可以想象，拍这个场景需要耗费多少灯光。
明亮的场景冲淡了惊险的戏剧气氛，让画面变得索然无味。以今天的眼光看来，这种照明设计真是费力不讨好！
再看看上图，三位主角被光线包裹，主光、副光、轮廓光一应俱全，完全脱离了环境。
当时的电影照明中，造型光被无节制的滥用。通常情况下，明星很享受这种待遇，谁不想看起来更漂亮呢？ 但为了漂亮，也必须付出相应的代价。
为了获得“完美”的光线效果，灯光打好后，只能呆在指定的位置表演，不能自由运动，在特写镜头中，甚至连头都不能随便扭动，彻底沦为灯光的俘虏。
举个例子，电影《罗马假日》中小公主准备睡觉的场景。
开始！小公主准备上床睡觉觉了。
然后是赫本的正面特写，脸蛋漂亮，光线完美。
镜头立刻切换，拯救了赫本的完美形象。
不知赫本对这场戏的表演作何评价，反正我是感觉演得怪僵硬的，被限定了位置，限制了动作，完全没有发挥余地。不过话说回来，观众看这部片子就是来看脸的，谁在乎表演本身呢？
在那个时代，也有敢于挑战陈规的牛人，例如《公民凯恩》的导演奥逊．威尔斯。
奥逊．威尔斯曾是一名广播剧导演，《公民凯恩》是他的第一部电影作品，由于缺乏电影界的经历，他对电影摄影的理解摆脱了时代的藩篱，使这部作品的视觉风格十分前卫，令人耳目一新。
威尔斯不管那么多，为了获取人物在仰拍中的造型气势，就这么拍了。灯光则采取脚光照明，这又是一个破坏陈规的大胆举措，管他什么人物造型光，一切以服从场景气氛为主。
再看这个镜头，人物在窗前，脸部黑得一塌糊涂，破坏了把演员打亮、把环境压暗的教条，挑衅感十足。
这个场景跟当今一些文艺片的照明设计不谋而合，那就是以环境光为主导，不再单独考虑演员光效了。演员在真实的场景光线中表演，该亮就亮，该暗就暗，无所谓。
问题是，当时的观众习惯了造型光包围下的俊男靓女，这部电影的前卫照明设计不合观众口味，导致票房惨败，人们若干年后才认识到它的杰出价值。
当然，电影照明观念的发展不完全依靠某些天才人物的探索，更多时候是技术进步推动的结果。
下期聊聊大光圈镜头和高感光度胶片给电影摄影带来的变化。
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