（图为舞台剧《Mary stuart》剧照，来源于网络）
从身体出发
（图片来源于网络）
从呼吸到声音
一旦有了正确的呼吸做支撑，就可以大胆地去寻找最适合自己的发声位置了。演员在训练声音时应该以适应舞台表演的发声方式为基础。现今的话剧舞台上，尽管佩戴小型麦克风的现象已经屡见不鲜，但演员在训练之初，仍应以高标准、严要求对待自己的职业能力，必须具备即使身处千人剧场，且没有任何扩音设备的情况下，也能让声音传送到最后一排观众耳中的能力。若能达到这样的标准，才能在任何舞台剧和影视剧中游刃有余。不消说，声音是演员职业能力中基础中的基础。
为了能够使声音有效地释放，就需要找到属于自己的最稳定、最集中的声音位置。人们生活中在情绪激动想要放大音量时，声调会不自觉地变高，这种方式既会让声音失去控制，又很难让观众听清台词的意义。很多人错误地将“声调提高”和“音量增大”划等号，其实只是变高的音频能传得更远，让人误以为音量变强了。所以要想让观众听清每一句台词，应该试着放大基础音量值，而不是提高声调。与咽腔和口腔的共鸣相比，使用胸腔共鸣的可以更好地使声音洪亮致远。除了运用更多的气息，更有力地送气方式之外，还需要努力在气息的冲击下保持喉部放松、下沉，并同时稳定住胸腔共鸣的发声方式，否则就会很容易发生声音嘶哑或音调过高的现象。
每个人都有自己独特的音色，即使每个人都同样使用胸腔共鸣的方式说话，也一定会产生不同的声音。所以千万不要一味地追求所谓“有特色的”、“人物的”、“漂亮的”虚假的声音，首先要勇敢地把“自己的”声音释放出来，否则再“好听的”声音也无法被观众听见。
（图为日剧《Legal High》剧照，来源于网络）
从身体到心灵
现实中的语言表达可以最真实地反应我们当下的思想，人的每句话都是富有情感的，鲜活的，不太会出现词不达意的情况。但在舞台上，演员口中诉出的话语是作家笔尖流淌出的文字，这就需要一个必不可少的过程——将作家的文字（角色的台词）变成演员自己的。
首先要做的，就是明确作品意图传达的最主要信息，也就是我们常说的“中心思想”，就好像航行中的指南针，一旦明确，剧本中的每个段落，每个句子……就都有了明确的表达方向。接着，演员就可以从自身出发，寻找内心与作品之间的共鸣。完成了这一步，才有可能激发演员开口说话的欲望。如果哪位演员对自己即将要说出口的话都没有认同感，那么恐怕也很难打动观众吧。以观众的角度来看，“演员站在台上必须说出的话”和“演员发自内心想说的话”，台词听起来的感受也是完全不同的，这也是为什么很多普通观众都能评价出一个演员在表演或说台词时“心里没有东西”的原因之一。
除了中心思想之外，作品基调和段落大意，乃至每一句话之间的逻辑关系，都离不开演员认真的前期案头分析工作。同一部作品经过不同演员的表述，之所以能产生不同的感觉，是因为我们每个人即使对待同一件事物，理解也是千差万别的。但是，所有案头分析的来源必须从作品本身出发，然后结合自己的体会和处理才能为作品灌注全新的生命，切不可强行将个人想法施加于作品之上。
（图片来源于网络）
回归身体——从分析到体现
演员确实需要会分析作品，但只会分析作品的并不一定能成为好演员。演员所有的前期工作，都是为了最后能在舞台上表演出来。这就引出了一个非常关键的大课题——分析与体现是否匹配？许多演员谈论作品（角色）时口若悬河，实际表演中却惨不忍睹。当身体无法接收到来自内心的感受，或是接收到了，却无法自如地控制身体表现出来时，就会不断出现这种情况。这些都是源于身体与内心（大脑）的断层，除非演员经过长时间的训练，否则绝不会得到任何改善。
表达作品时，许多演员会步入这样的误区：直接表演情感。用一种似乎很“抒情/寂寞/悲伤/渴望……”的感觉去说，这样表达不光会使观众不知所云，恐怕演员内心也是云里雾里。所以优秀的导演也会避免用形容词去指导演员，而是使用：动词、事实、印象、时间和肢体任务，这五种强劲的工具。
当我们想顺利地将情感传递给观众时，首先，要具备一定的能量基础，至少声音要能被观众听见，然后是听清，这两点都做到之后，就要尽可能让观众听懂，把台词的含义尽可能地表达准确。
当然，只是分析和理解作品还远远不够，还得有相应创作构思的能力，也就是寻找作品最适当表达方式的能力。
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