(图为舞台剧《Mary stuart》剧照,来源于网络)
从身体出发
(图片来源于网络)
从呼吸到声音
一旦有了正确的呼吸做支撑,就可以大胆地去寻找最适合自己的发声位置了。演员在训练声音时应该以适应舞台表演的发声方式为基础。现今的话剧舞台上,尽管佩戴小型麦克风的现象已经屡见不鲜,但演员在训练之初,仍应以高标准、严要求对待自己的职业能力,必须具备即使身处千人剧场,且没有任何扩音设备的情况下,也能让声音传送到最后一排观众耳中的能力。若能达到这样的标准,才能在任何舞台剧和影视剧中游刃有余。不消说,声音是演员职业能力中基础中的基础。
为了能够使声音有效地释放,就需要找到属于自己的最稳定、最集中的声音位置。人们生活中在情绪激动想要放大音量时,声调会不自觉地变高,这种方式既会让声音失去控制,又很难让观众听清台词的意义。很多人错误地将“声调提高”和“音量增大”划等号,其实只是变高的音频能传得更远,让人误以为音量变强了。所以要想让观众听清每一句台词,应该试着放大基础音量值,而不是提高声调。与咽腔和口腔的共鸣相比,使用胸腔共鸣的可以更好地使声音洪亮致远。除了运用更多的气息,更有力地送气方式之外,还需要努力在气息的冲击下保持喉部放松、下沉,并同时稳定住胸腔共鸣的发声方式,否则就会很容易发生声音嘶哑或音调过高的现象。
每个人都有自己独特的音色,即使每个人都同样使用胸腔共鸣的方式说话,也一定会产生不同的声音。所以千万不要一味地追求所谓“有特色的”、“人物的”、“漂亮的”虚假的声音,首先要勇敢地把“自己的”声音释放出来,否则再“好听的”声音也无法被观众听见。
(图为日剧《Legal High》剧照,来源于网络)
从身体到心灵
现实中的语言表达可以最真实地反应我们当下的思想,人的每句话都是富有情感的,鲜活的,不太会出现词不达意的情况。但在舞台上,演员口中诉出的话语是作家笔尖流淌出的文字,这就需要一个必不可少的过程——将作家的文字(角色的台词)变成演员自己的。
首先要做的,就是明确作品意图传达的最主要信息,也就是我们常说的“中心思想”,就好像航行中的指南针,一旦明确,剧本中的每个段落,每个句子……就都有了明确的表达方向。接着,演员就可以从自身出发,寻找内心与作品之间的共鸣。完成了这一步,才有可能激发演员开口说话的欲望。如果哪位演员对自己即将要说出口的话都没有认同感,那么恐怕也很难打动观众吧。以观众的角度来看,“演员站在台上必须说出的话”和“演员发自内心想说的话”,台词听起来的感受也是完全不同的,这也是为什么很多普通观众都能评价出一个演员在表演或说台词时“心里没有东西”的原因之一。
除了中心思想之外,作品基调和段落大意,乃至每一句话之间的逻辑关系,都离不开演员认真的前期案头分析工作。同一部作品经过不同演员的表述,之所以能产生不同的感觉,是因为我们每个人即使对待同一件事物,理解也是千差万别的。但是,所有案头分析的来源必须从作品本身出发,然后结合自己的体会和处理才能为作品灌注全新的生命,切不可强行将个人想法施加于作品之上。
(图片来源于网络)
回归身体——从分析到体现
演员确实需要会分析作品,但只会分析作品的并不一定能成为好演员。演员所有的前期工作,都是为了最后能在舞台上表演出来。这就引出了一个非常关键的大课题——分析与体现是否匹配?许多演员谈论作品(角色)时口若悬河,实际表演中却惨不忍睹。当身体无法接收到来自内心的感受,或是接收到了,却无法自如地控制身体表现出来时,就会不断出现这种情况。这些都是源于身体与内心(大脑)的断层,除非演员经过长时间的训练,否则绝不会得到任何改善。
表达作品时,许多演员会步入这样的误区:直接表演情感。用一种似乎很“抒情/寂寞/悲伤/渴望……”的感觉去说,这样表达不光会使观众不知所云,恐怕演员内心也是云里雾里。所以优秀的导演也会避免用形容词去指导演员,而是使用:动词、事实、印象、时间和肢体任务,这五种强劲的工具。
当我们想顺利地将情感传递给观众时,首先,要具备一定的能量基础,至少声音要能被观众听见,然后是听清,这两点都做到之后,就要尽可能让观众听懂,把台词的含义尽可能地表达准确。
当然,只是分析和理解作品还远远不够,还得有相应创作构思的能力,也就是寻找作品最适当表达方式的能力。
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