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每天都是一场时装秀，而这个世界就是T台。
Maison Margiela 秀场
Moncler 秀场
秀场的演变是一场人类追求美的进化史，从秘密地展示服装，到模特自由穿梭在挤满媒体和时尚买手的房间，再到Fendi将长城变为模特的T台，时尚品牌一直在打破传统的走秀模式，转而献上一场前所未有的表演。
Moschino 秀场
Dior高定秀场
直到2019年2月末，在巴黎、伦敦、米兰和纽约刚刚结束一场全球的时装庆典，分别呈现来自Dior、Gucci、Chanel、LV等时尚品牌的19/20秋冬男装周和女装高级定制系列。戏剧和迷人的场景带来更高的预算，于此同时也将品牌的知名度再度提升。
Kate Spade秀场
2019 全球最新秀场设计
Designwire特别精选全球多场精彩大秀，从情景序幕、未来科技、艺术场域和设计致敬，以剖析秀场设计的趋势，及其如何在时代背景下掩盖自己的商业意图并更显奢侈。
Chapter 1
情景序幕
自Marc Jacobs把沉浸式体验作为时尚的载体以来，其他时尚品牌将纷纷戏剧性的秀场表演发挥至极致，以全方位呼应当季时尚创意和增强全球影响力。
01 Dior
女装高级定制
Dior巴黎高定秀在一个巨大的圆形帐篷举办，在马戏团风格的帐篷中，模特们穿梭于由杂技演员所组成的拱形门中。
数百个露天广场所使用的复古灯泡，照亮Dior还原的真实马戏团风格秀场，巨大的木杆支撑着帐篷大顶。
杂技演员们穿着的黑白服装，如同法国哑剧中的角色小丑Pierrot，扶着彼此的肩膀进入舞台，在马戏团主题的秀场即兴寻找古灵精怪的收藏品。
Dior与大帐蓬之间存在着悠久的历史，包括1955年著名的巴黎冬季马戏团的大象照片，和设计师John Galliano最难令人忘怀的马戏团主题。
马戏团似乎为创意总监Maria Grazia Chiuri提供了灵感，自她2016掌舵Dior总监以来，成为解锁创造力的完美缪斯。秀场整体氛围轻松有趣，没有过于严肃或过于文艺。
02 Chanel
女装高级定制
大皇宫被装点成为一栋美丽的大房子，拥有广阔的地中海花园，水池四周环绕着树木和修建的整齐的南方植物。
Channel秀场体现纯正的“法兰西”风格，像18世纪的花园。这一时期是Karl Lagerfeld的最爱，裁缝的天赋和工匠的技艺代表着法式奢华的巅峰。
鲜花在这个世纪的艺术主题中起着举足轻重的作用，现在，他们成为CHANEL 2019年夏季高级时装系列的核心，它们以刺绣、彩绘、蕾丝、羽毛、树脂、陶瓷、以及发饰珠宝的样貌出现。
观众的视线被柔和的粉红色、草原绿色和天空蓝色占据，与黑色、白色、米色、深蓝色嬉戏；被金色和银色闪耀。
“这是一个宁静、理想、永恒的系列，
也是完完全全的当下，以新形式体现。”
--Karl Lagerfeld
03 Louis Vuitton
F/W 男装
新任男装创意总监Virgil Abloh为Louis Vuitton带来了创造性乐观派的包容。
“Billie Jean”的场景被设定在纽约的人行街道， 加入纽约曼哈顿的元素，Dev Hynes的现场表演与时尚秀同步进行。
沿街的城市立面真实的还原，包括杂货店和理发店、被塞满的垃圾桶、被遗弃的家具和纷飞的落叶。
在巴黎冰冷的天气里聚集了一群十几岁男孩的队伍，就是路易威登在公司聘请Abloh革命性的影响：向21世纪男孩子们打开时尚的怀抱。
04 Vetements
男装
“‘自行承担风险’是T恤的最后警告。”
—Demna Gvasalia
Vetements FW 19-20官方视频
Vetements最新一季将‘警告’醒目的写在T恤上，见证那些困扰和震惊的人性隐藏的阴暗面。艺术家将震慑和敬畏比喻为箭筒里的箭，而为了保持并强化这种震撼力，本季秀场在巴黎的历史自然博物馆的进化馆（Grande Galerie de l’Évolution）举行。
巴黎的历史自然博物馆的进化馆（Grande Galerie de l’Évolution）
‘网络’，作为本次秀场的主题表达“互联网对我们做的一切。”设计师Gvasalia说道。设计团队为此潜入到最黑暗的社会角落，包括那些暗网和充满了毒品和武器的地方，并从少年恐怖片电影《尖叫》中汲取灵感。
互联网为人类个体制造了前所未有温床，在匿名的面具下，人们可以自由的发表言论。因此带着面罩的模特代表着威胁和暴力，并借由长颈鹿、大象、老虎和斑马等动物的野兽形象，放大了这种威胁与咆哮。
秀场开始时响起了警报声，是对社会自由引发混乱的警铃。到最后，兜帽已经变成了完全的、鼻子状的面纱，遮住了穿戴者的脸;在他们身下，模特们敲打着iPhone屏幕，照亮前方的道路。
“头罩是不可能在公共场合出现。”，Gvasalia先生想要头罩表明，人类迷失在数字世界，变成了狭隘的、以互联网为动力的机器。
“而互联网是进化链上的最新里程碑。”
05 Burberry
本季秀场在伦敦Tate美术馆举行。设计师Riccardo Tisci为Burberry他二年级学生讲述了一个国家普遍存在分歧的故事。
脱欧在英国内部激起了空前的讨论阶层的对立，在这一背景下，顶级时尚品牌需要界定一种模式，将这一分裂的国家文化贩售给全世界。
Burberry的设计师Riccardo Tisci通过其秀场设计，反映目前英国充满强烈对立而又分崩离析的情绪。及展示了两个截然不同的系列产品：20世纪90年代青年文化为灵感的时尚街头服装；另一个系列则根植于品牌精神的传统风衣和围巾。
该系列恰如其分地名为“暴风雨”，也许是对同名莎士比亚戏剧的一种认可，其中开幕式的场景以风雨如磐的海面上的船为特色。
“Burberry代表着一种生活方式，甚至是一个国家，”Tisci在伦敦泰特现代美术馆展出后台后说，不同的系列“都源于同一种情绪，它们在与不同的公众对话。”
观众被分割在两个空间中，一半人看到混凝土和脚手架组成的原始竞技场，年轻人们纷纷爬上脚手架搭建的围墙，以暗喻反叛的象征；另一半人则在抛光木制长椅的更为正式的空间观看秀场。Tisci想看看在不同的环境中展示同一个系列产品可能会带来的不同反响。
Tisci说：“我们现在生活的时代每天不停的被输入图像”，从而对事件的表达产生影响。这一季的产品风格更广，“我们试图将每个人容纳在同一把雨伞下”。
伦敦Tate美术馆
秀场所在地泰特现代美术馆是由两栋建筑相互连接而成的巨大画廊。参观者需在楼层、建筑和室内桥梁之间移动，才能参观完所有画廊。
伦敦Tate美术馆内部
Olafur Eliasson艺术作品在Tate美术馆内部
最初的建筑是由Giles Gilbert Scott在20世纪40年代后期设计的，车站的烟囱位于圣保罗大教堂对面的泰晤士河对面，与大教堂的圆顶相对。
Tate美术馆新馆
瑞士建筑师Herzog＆de Meuron用相对微妙的手法对其进行改造，以不削弱其建筑的历史感为前提，创造了一个现代化的公共空间。Herzog＆de Meuron使建筑外形不偏离其本原的同时，让建筑自身成为一种体验和视觉作品。
光束的最小几何形状和半透明玻璃明，与建筑原始外立面的深色细致的砖砌结构形成反差。每个细节中体现了Scott设计的工业特征，厚重的楼梯扶手，铸铁格栅，未处理的木质地板。
Chapter 2
艺术场域
艺术是时代的反映，时尚亦是，传达理念和态度有时比盈利本身更加重要。
01 GUCCI
F/W
一个神秘木箱的邀请函 、一副象征雌雄同体神祇的面具，触发 Gucci 2019 秋冬时装秀，随着希腊天神驭马前奔，带我们进入可见与不可见之界。
当我们选择要透过什么面具呈现在世界舞台上时，
我们正是“一个人”。
——汉娜·阿伦特 ( Hannah Arendt )
面具，一体两面，凹面与凸面。
戴上面具，一个我消失，另一个我被展现。
艺术家Eduardo Costa的Fashion Fiction #1与梵高自画像
秀场造型处处可见神话、艺术和宗教元素；雷鸣般的背景音乐来自于神兽格里芬的存在；雌雄同体的希腊神祇Hermaphroditus、驾着马车的太阳之子Helios、更多的怪力乱神都在Alessandro Michele描绘的 Gucci “无界”的世界里前来相聚。
设计灵感塞维利亚圣像艺术中的哭泣圣母形象
本季秀场位于米兰的Gucci Hub总部。在一道宛若雷霆的闪光中展开，超过12万只LED灯泡构成环形墙面，包围起中央耸起的金字塔型座位席，百米的镜面T台将其环绕，整个秀场被闪耀灯光照亮如万花筒般。
LED灯的闪烁如同破裂的苍穹，在烟雾般的效果中再造一场凌驾于末世与创世之间的混沌之景。
《旧约》中对世界混沌的描述为：
“起初神创造天地。地是空虚混沌，渊面黑暗。神的灵运行在水面上。”
正如本次Gucci 2019秋冬的秀场，天花与地面镜面相互反射，不分天地的倒影。
Gucci创作总监米开理
自2017年的秀场，GUCCI开始合并男女装和模糊性别的界限，而本次则以Hermaphrodite作为秀场的设计灵感，将未来和历史艺术之间的界限再一次打破。
02 MONCLER
A/W 2019
一年前，MONCLER宣布了革命性的零售方式，关闭其众多系列产品（从Gamme Rouge到Gamme Blue）并推出Moncler Genius计划——由众多既有才华的主创设计师来重新诠释羽绒服的集群设计。
Richard Quinn的园艺
在它2019年秋冬Genius秀场上，Moncler做到了极致。品牌在米兰中央火车站下方的拱门下进行其产品展示，大量的粉丝们参加了活动，在附近的街道上排成长队，街道上布满了被焰火和律动的音乐。
Moncler Genius团队
Moncler Genius是一个创意枢纽，通过不同文化的融合来提升其品牌能量，它超越季节边界，年龄和品味，通过传承品牌价值观的产品与不同年代的人交谈。不断发展的同时真实演绎着其座右铭：一个房子，不同的声音。
本次秀场位于米兰中央火车站后方的仓库，始建于墨索里尼时期并在战争时期被用于存放军火以及防空洞，有超过100个面积超过200平米大型仓库和5个地下穿行隧道。
Craig Green的工业装置
这些仓库在近代大多被荒废，从而导致附近街区的落寞。直到2017年，米兰家具周将这里的部分仓库作为展会的外围展区，至此再次激活该街区。
Simone Rocha的山毛榉林地
Genius项目的美妙之处在于其设计师能够在一个总体展示空间内展示不同的装置，如Simone Rocha宁静的山毛榉林地，Craig Green的工业装置，他的雕塑式风格的作品悬挂在天花板上，并被喷射飞机轰炸。
Richard Quinn借鉴了他的园艺传统，创造了一个贴有彩色花卉的空间，而Palm Angels则竖立了一个彩弹射击的场地，模特们穿着保护性金属夹克，身上被喷射出色彩斑斓的图样。
Palm Angels的彩弹射击场
03 LOEWE
男装
LOEWE的秀场空间，在联合国教科文组织大楼，德国艺术家Franz Erhard Walther的一个明亮的棉布雕塑，成为创意总监乔纳森·安德森（Jonathan Anderson）所设计的男子时装秀焦点。
题为Gelbe Modellierung（1985），切割过的帆布“墙壁”装置源于艺术家的行为表演，鼓励观众与其衣柜元素互动：两个夹克和两个裤腿成为黄色表面的区域划分元素。
在与FW19系列的设计中，设计作品从人性的角度提出了一个混合的抽象概念，服装的用途及其内涵受到质疑。
创意总监Jonathan Anderson秀场设计手稿
通过对服装尺寸以及制作工艺的重新思考，LOEWE的工匠以出人意料的方式实现这个概念——在传统缝纫与团队运动相对立的世界里，整合出不协调的但理想体现男子气概的作品。
艺术家Franz Erhard Walther和其作品
LOEWE在近年来一直在致力于与艺术的结合，并推出工艺奖以鼓励多种技术、媒体和模式的艺术表达。本次悬挂于秀场内的艺术品以旧画布和基本的服装图案为素材，是艺术家于1978 年至1986年间创作的大型装置“wallformations”中的一部分。
04 Kenzo
F/W
当我们还穿着臃肿的外套，沉浸在枯燥的冬季时，Kenzo已经在19秋冬的秀场上为我们描绘了极富个性和值得玩味的图画。
创意总监Humberto Leon在T台设计上采用了已故的秘鲁艺术家Pablo Amaringo的创意，随处可见活力四射的色彩与图案。
在最新的这一季服装上，我们看到豪华的珠饰、实用的剪裁和蓬松的人造皮毛衬里，极具品牌特色的流行元素，与色彩斑斓的空间背景相互呼应，提供了一场视觉盛宴。
Amaringo绘画中的神话描绘的灵感来自于他对强效萨满 祭品ayahuasca的使用，这为跑道带来了令人印象深刻的迷幻光环。作为亚马逊热带雨林土着人民长期以来的神圣药物，ayahuasca刺激了奇妙的内心视觉。
Chapter 3
未来科技
在科技决定人类未来的今日，时尚设计紧跟步伐，空间构成元素不仅限于金属、灯光和机械。社交媒体的、电视直播都被卷入了这场新秀的浪潮。
在2019秋冬Prada男装和女装秀中，AMO在米兰Prada基金会综合大楼的Deposito大厅里，用光影打造了一个戏剧场景。
观众坐在秀场的两端，由建筑器件搭建的阶梯式的区域、台阶和露台—— 形成闭合的展示空间，围绕着中间的矩形空间。
规则的点阵式灯泡装饰的舞台，糅合了戏剧表演场景和伟大梦想家Nikola Tesla电流科学实验场景的辉煌，舞台在黑暗中熠熠生辉。
模特穿过由朦胧的气泡状玻璃灯组成的地带，远离人群，营造一种神秘而离奇的氛围，让人联想起科幻电影中的场景。
一系列引人注目的聚光灯增强了戏剧效果，拉近表演与观众的距离，这与Deposito大厅的空旷和冷清的工业特色形成反差。
02 Celine
男装
本季秀场是对英国青年的歌颂，舞台正中是一个巨大几何形钟摆在摆动，其内部的荧光灯管纵横交错。
莫扎特的音乐拉开开秀场的序幕，加拿大艺术家Crack Cloud专门为走秀创作配乐“ Philosopher's Calling”，而James Chance 带来精彩的音乐表演。
在法国巴黎的协和广场，模特在卢克索方尖碑和凯旋门的壮丽景色一览无余。音乐与视觉成为巴黎过去和未来的交汇点。
03 Dior
S/S 男装
“这个场景的设计想法来自于雕塑，宛如在时装沙龙中。”
--设计师Kim Jones
本季Dior男装将机场的传送带搬入秀场，模特站在传送带上保持不动，仿佛人模一般。
而本次的服装的印花与艺术家Raymond Pettibon合作，继续在男性与女性气质之间发挥设计的想象力，将品牌有机的带入未来。
“当我们寻找表演场地时，被巴黎随处可见的雕塑而打动，因此，我想让这些不动的雕塑穿上西装，随着模特沿着250英尺长的传送带向前滑行。”
04 Off-White
F/W
在Off-White秀场的观众，也许并没有意识到，鲜艳的绿色背景和舞台场景叠加，形成了电视直播背景。
秀场可以叫做 “公共电视台”， Virgil Abloh作为品牌的CEO，其设计想要传递的是，对看着电视长大的一代来说，广告和图片实际成为我们的生活环境并塑造我们对世界的看法。Abloh不再纠结于其负面影响，而是将这种对潜意识的影响通过他个性鲜明的品牌体现出来。
Chapter 4
致敬设计
SACAI 男装F/W
01 Kate Spade
F/W
Kate Spade将曼哈顿标志性的Cipriani餐厅改造为时光机，通过时装秀场将观众带回70年代，紫色地毯、模特头巾加强了年代感。
这是创意总监Nicola Glass的第二个系列作品——她希望借此机会进一步“进化”Kate Spade的核心概念，忠实于品牌DNA和去世的品牌创立设计师。
印花元素在设计中不断地体现，这是深深根植于品牌之中的同时被广泛大众热爱的设计远远，Glass认为这也是品牌精神的延续。
各种各样的豹纹图案，蛇皮装饰和和皱褶细节，证明了Glass对品牌的热爱。
02 MAXMARA
本次Max Mara将其观众带入到由意大利建筑Grafton Architects在2008年设计的Luigi Bocconi大学中。其品牌理念是塑造独立、强势和时尚的女性的角色。大学的场地的选择，在一定意义上想要鼓励即将毕业的女性明白自己想要穿什么和想要成为怎样的人。
新的Bocconi大学是多年以来在米兰传统历史中心建造的第一座现代建筑。该项目突破了旧式的围地建造大学的模式，在概念以及建筑商寻求了新的突破。
该建筑可容纳数千名教师和工作人员的玻璃办公大楼上，进行了空间民主的大胆尝试，旨在让每个用户都能接受到均等的光线和空气。
建筑内部的会议和交流空间引入大量的自然光线，交叉的楼梯;向下并朝向城市，在街道水平线以下16米处的地基，为Magna教室营造了巨大地下空间。
03 Hermès
男装F/W
本次秀场安排在了法国国家家具珍藏馆（Mobilier National），遵循了法式设计理念，以体现设计师Véronique Nichanian对椅子的热爱。
在这个空间呈现宜家一般的场景，观众可以坐在长凳上观看大秀。
他们身后则是一排排亮橘色和黄色的架子，上面摆满了各种家具，包括巴洛克式的玄关桌，和Olivier Mourgue 设计的六十年代的金属椅，营造出了一个轻巧奇妙的独特氛围。
设计腕儿每日福利
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