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雕塑家丨安东尼·葛姆雷
安东尼·葛姆雷1950年出生于伦敦，是英国当代著名雕塑大师，曾于1994年获得英国极具分量的特纳奖（Turner Prize）和1999年的英国伦敦南岸视觉艺术奖（South Bank Prize for Visual Art）。他因创作英国著名公共雕塑《北方天使》（Angel of the North）而扬名国际，《北方天使》这一作品高达20米、翅膀宽50米，融合了古典天使与现代机械意象，成为北英格兰的地标作品。
另外，自1989年起，葛姆雷开始进行一项与世界各地人民、土地接触的长期计划《土地》，为了完成此计划，他与团队造访了世界诸多国家，从北欧、巴西雨林到中国等地寻找适宜制作雕塑的泥土，并与当地居民一同手工制作数量惊人的泥人。而每次的《土地》作品展出，上达数10万的泥人占据整个展间，总能造成强大的视觉震撼感，而观众也多能从这些各有不同样貌的泥塑作品中，感受到人与土地的连接。
▲作品《土地》
“从某种意义来说，《土地》是一项全球性项目，她是由地球上某一特定地区年龄各异的当地人民制造出来的。她由土制成、以火生成，其情感来自触摸，其思想来自观赏。”（安东尼·葛姆雷）
▲作品《北方天使》
葛姆雷的创作多以人类身体为其创作主题，而其最为知名的人体雕塑作品便是2007年的《视界》（Event Horizon），31尊以葛姆雷自己身体原型铸成的铁像，有些立在街道上漠然地看着行色匆匆的都市人，有些则是倾斜站在屋顶上，仿佛下一秒就会坠落地面般，让人看了胆颤心惊，直觉反应是赶快拿起电话报警；葛姆雷透过这些颇具争议性，分布在城市街道、屋顶的赤裸等身人体雕像，向冷漠匆忙的都市人提问：“我们从哪里来？我们是谁？我们往哪里去？”而除了都市外，葛姆雷也尝试过将人像雕塑置于海边、沙漠等自然环境中，用以探究人与空间的关系。
“我对身体的回归是尝试找到某种世界性，不是在艺术的内在世界里分析，而是在生命的、宇宙的世界中寻找。身体不再是叙事、解释、宣传或表述历史的工具，而是经验。” （安东尼·葛姆雷）
▲作品《临界物质II》 60件真人尺寸大小的铸铁雕塑
在安东尼·葛姆雷看来，静止与沉默是雕塑与生俱来的特质，而西方艺术中试图通过雕塑表现动态的做法消弭了雕塑的本质，将渐渐走向死亡。
▲作品《根茎》
葛姆雷复制了四尊自己的雕塑，把它们分别挤在房间的四个角落，姿势别扭。这样一来，雕塑本身是工业生产的结果，并不特殊，而雕塑的位置也并非居于焦点，因此，他成功地取消了“特殊位置上特殊物体的特权”，观者成为空间中最主要的人。你站着房间里，空间会和你疏离，甚至旋转，传统雕塑艺术中最核心的概念——稳定也便不复存在。葛姆雷说：“地球自转、公转，宇宙中的每一个物体本身就是转动的。”
▲作品《曝光》
▲作品《one&other》
2009年，葛姆雷击败翠西·艾敏、安尼施·卡普尔获得了在伦敦Trafalgar广场第四展示台上的展览权。作品《One&Other》一度成为年度最热的公共话题之一。安东尼·葛姆雷邀请当地民众站在广场的雕像底座上担任雕塑，每位参与民众拥有1小时时间，该项目共进行了100天。
▲作品《走进澳大利亚》
51个元素取材于51个西澳亚孟席斯的本地人，为第50届佩斯国际艺术节制作放置于巴拉德湖中。
当他把雕塑散布在宽阔场所上时，观众也是主体，他说：“是你们携带着上一件雕塑的记忆，走到下一件那里去，是你们把男人带到女人面前，把女人带到小孩面前。”而观众在沙滩等敏感地表上留下车印、足迹时，也自然地成为了作品的一部分。
葛姆雷以探索人体与空间关系的雕塑作品提升了人性的内在潜力。他认为，世界上并不真正存在完全是人类创造的美丽事物，无论是头发、脸庞还是其他之类，这些都是虚幻的表相，而真正的内核是什么?是我们去观看的时候，作为观者投射给作品的理解。
这个意义是观者赋予的意义，也就是葛姆雷想要强调的，作为观者在艺术创作中占有的力量法则，所谓观者也是一半创造者。在这个理念下，展览延续着葛姆雷基于“人”和“人之外部”的关系实验，观看者也跟随着其作品不断去探索着“空”与“间”的关系。城市的概念也从未消逝在画廊之内。身体与城市，身体与画廊，就像两个不断伸缩的舞台，移步换景，时空交错。
其实，在葛姆雷的作品里，雕塑只是一小部分看得见的地面建筑，弥漫在其间的气氛与思考、与社会反应互动频繁的行为，才是雕塑之下庞大的根系。而这种扎实、理性、数据化的特征也正是安东尼·葛姆雷区别于他人之处。
分享自：艺术观潮
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