奥古斯特·罗丹（Auguste Rodin），图片来源：WikiImage为何说2021年是奥古斯特·罗丹（Auguste Rodin）再次崛起的年份？在历史长河中，这位被看作现代建筑先驱的雕塑家，不仅在艺术史上拥有举足轻重的位置，也成为许多在他其后的艺术家的创作灵感来源。在今年来全球关于罗丹的展览中，便围绕这一主线，展开了他与多个时代的艺术家，例如毕加索、汉斯·阿尔普（Hans Arp）、唐纳德·贾德（Donald Judd）和卡尔·安德烈（Carl Andre）等人的多重对话。
在瑞士巴塞尔贝耶勒基金会举办的“罗丹-阿尔普（Rodin Arp）”将罗丹和汉斯·阿尔普（Hans Arp）两位艺术家的作品进行配对，各异的作品也显示两位艺术家共同的参照物。将于2月开幕，在巴黎毕加索博物馆和罗丹博物馆同时举办的展览“罗丹-毕加索（Picasso Rodin）”探索两位艺术家创作上的新接触点，他们在创作过程的交集使对其作品的研究出现意外的融合之处。而刚结束的线上展览“罗丹-贾科梅蒂（Rodin Giacometti）”则聚焦瑞士雕塑家阿尔伯托·贾科梅蒂（Alberto Giacometti）和罗丹这两位从未谋面的艺术家之间的艺术对话。
安塞姆·基弗（Anselm Kiefer）、奥古斯特·罗丹，《奥古斯特·罗丹:法国大教堂》（Les Cathédrales de France），2016年，图片来源：Georges Poncet、Barnes Foundation
除了展示罗丹对于多位现当代艺术家或直接或潜移默化的影响之外，在此刻重新展示罗丹，还有另外的意义。罗丹的情感主义与危难时刻是一致的，但在当代，我们又不能完全接受他的重量和卖弄，这可能是策展人将他与现代艺术合作的原因。
除了艺术上影响力的进一步发掘，其艺术所附带的价值也正在辐射至中国，罗丹博物馆将在深圳建立分馆，巴黎的博物馆也将向深圳出借超过50件罗丹作品，并同意出售约40件罗丹的青铜作品在新的分馆。
在瑞士巴塞尔贝耶勒基金会，于去年12月开展，预计在3月重新开放的“罗丹-阿尔普（Rodin Arp）”展览中，沉思的《思想者》（Thinker）受到了挑战。在德法艺术家让·阿尔普的作品《托勒密三世》（Ptolemy III）中，联锁形状的和谐、平衡的重量与镂空构成正负空间的合一。德国裔法国雕塑家汉斯·阿尔普曾在1916年参与达达主义运动，在坚持艺术的完全自由主张下，也重视情感在作品中的内化。这场展览中，来自19世纪后期的雕塑创新和20世纪抽象雕塑首次相遇，在各自时代中具有实验性和创新性的雕塑创作，余音回荡。
贝耶勒基金会将阿尔普有趣的变形雕塑作为一种基于罗丹创作的形式发展，但在精神上与罗丹灵活、流动、动态的身体相背离。代表人类或植物的《裸体花》（Flower Nude）和《躯干束》 （Torso-Sheaf），以及标志着直立的女性形象和树干的《科尔》（Kore）屹立其中。
汉斯·阿尔普，《蛇半人马》（Cobra-Centaur），1952年
1887年，罗丹在《女人马兽》（Centauress）中对骑马雕塑进行了挑逗性的女性化与色情化，这是一个与马的身体融为一体的女人——“一个灵魂上的冲动仍然被可悲地禁锢在肉体的泥沼中的形象，”罗丹解释说。1952年，阿尔普创作的蛇形女人/蛇《蛇半人马》（Cobra-Centaur）是为了呼应罗丹，与之形成对应，在其中融合了人性与自然，这个主题由罗丹开启，阿尔普则默默地继续。罗丹悲观的青铜作品《三个影子》（Three Shades）扭曲了人体结构，颈部和肩部形成了连续的水平屏障——它们被设计成从《地狱之门》（The Gates of Hell）的顶端俯瞰观众的角色，而阿尔普的作品则是高耸的波浪形铝柱《三女神》（The Three Graces）。阿尔普的抽象艺术是战后希望的一种语言。 汉斯·阿尔普（Hans Arp），《自动雕塑（向罗丹致敬）》（Automatic Sculpture (Homage to Rodin)），1938年，图片来源：ProLitteris
当罗丹于1917年去世时，阿尔普正在苏黎世的伏尔泰酒馆策划着达达主义的颠覆。1938年，阿尔普把他那弯曲的、倾向下的流体形式的奇异拟人化作品称为《自动雕塑（向罗丹致敬）》（Automatic Sculpture (Homage to Rodin)），它看起来像一个抽象版的《思想者》。如果说阿尔普是罗丹气质的对立面，那么同为神圣的形式创造者的毕加索，则是罗丹的对手。为期一年的巴黎罗丹博物馆和毕加索博物馆联合举办的艺术盛典将在两个现场展出两位艺术家的伟大作品，前者的重点是展览策略，后者则是比较创作过程。“毕加索-罗丹（Picasso Rodin）”将于今年2月在巴黎开幕，它将青春、情爱与狂喜的象征——《吻》（The Kiss）那性感、柔美、缠绵的身体与毕加索1969年的同名画作《吻》（The Kiss）相结合，如黑色幽默般，由丑陋、两鬓斑白的年老情人演绎欲望。
毕加索，《蓝色杂技演员》（The Blue Acrobat），1929年，图片来源：Wikiart
死亡和性是这些作品背后的动机: 《地狱之门》（The Gates of Hell）和一幅描绘《格尔尼卡》（Guernica）的挂毯仿佛两个停尸房; 而毕加索笔下后立体主义的身体，像剪纸一样展开和重新组合，例如《游泳者》（The Swimmer）和《蓝色杂技演员》（The Blue Acrobat），这件作品创作于1929年，彼时他的缪斯女神还是充满动感的玛丽德·雷莎·沃特（Marie-Thérèse Walter）。罗丹那张腿跳跃、带有19世纪末特征的惊世之作《众神之使者伊里斯》（Iris, Messenger of the Gods）也将与之并置。罗丹晚期所痴迷的极端杂技舞蹈姿势，就如同在无脚的赤陶俑雕像组《舞蹈运动》（Dance Movement）里那般，与同时期毕加索在解构立体主义的创作高峰形成有趣的呼应。上图：奥古斯特·罗丹，《众神之使者伊里斯》（Iris, Messenger of the Gods），1891-1894年，图片来源：大都会艺术博物馆；下图：奥古斯特·罗丹，《舞蹈运动》（Dance Movement），1911年另一些真正的稀世珍品则浮现出精致的对位: 由昆虫、树叶、麻线、木头所构成的毕加索拼贴画《蝴蝶构图》（Composition with Butterfly），以及一件罗丹《永恒的偶像》（Eternal Idol）的石膏板作品相互呼应，描绘了一个坐在岩石上的裸体，从中还长出了真正的冬青枝。将于今年4月举行的“罗丹的制作”（The Making of Rodin）中，泰特美术馆将突出展示一位集合型和实验性的艺术家：这将是一场反纪念性的展览，聚焦石膏原件而非抛光的青铜和大理石。《思想者的研究》（Study for The Thinker）被架在一根金属杆上，只有一条腿和一只胳膊，表面粗糙坑洼，双目深深凹陷。而在《施洗者约翰的躯干研究》（Study for Torso of John the Baptist）中则是一个紧张的躯体，配以揉捏捶打造就的铜手，承载着被提炼成碎片的强烈表现力。上图：奥古斯特·罗丹，《思想者的研究》（Study for The Thinker），1881年；下图：奥古斯特·罗丹，《施洗者约翰的躯干研究》（Study for Torso of John the Baptist），1878-1887年在泰特美术馆的展览在布展上将唤起罗丹工作室的艺术氛围，罗丹收藏了几十年的成堆石膏碎块将反复出现、变换形态，与人物进行全部或部分重组。罗丹重复的创作策略与莫奈的系列绘画并行发展，这是留给与他鲜有交集的雕塑家们——比如极简主义者唐纳德·贾德（Donald Judd）和卡尔·安德烈（Carl Andre）的概念遗产。泰特注重罗丹不稳定且有即兴呈现性质的艺术，是泰特在其20世纪和21世纪的永久收藏展览“在工作室”（In the Studio）和“材料与物体”（Materials and Objects）中优先考虑的主题。罗丹因而得以与当代艺术进行一场跨时代的对话。1902年，罗丹站在他的雕塑中间
在2017年纪念罗丹逝世100周年的活动中，费城的巴恩斯基金会（Barnes Foundation）和巴黎罗丹博物馆联合则举办了“基弗-罗丹（Kiefer Rodin）”展览，德国著名艺术家安塞姆·基弗（Anselm Kiefer）的新作以罗丹的作品为灵感，引发本次展览的《法国大教堂》一书中，罗丹对法国历史悠久的大教堂，尤其是哥特式大教堂被遗弃感到惋惜，他认为这些大教堂是人类历史上的重大成就，也是自己艺术灵感的来源。这种关于废墟和民族认同的主题也是基弗实践的核心，他在展览中以一系列纪念性的绘画，例如《奥古斯特·罗丹:法国大教堂》（Les Cathédrales de France），向罗丹的原著致敬。而此前的“罗丹-贾科梅蒂（Rodin Giacometti）”则是2020年疫情后首批的线上展览之一，这个在马德里的展览，试图让罗丹走向存在的模糊性。奥古斯特·罗丹，《加莱义民》，1884 年–1889 年罗丹的展览越来越受欢迎的原因显而易见：这位19世纪痛苦时代的大师带来了一种新的表现性现实主义，与印象派对光影和运动的渲染相结合，给具象雕塑带来了感伤与亲切。这不仅仅是指《加莱义民》（Burghers of Calais）中人物耷拉着脑袋，步履蹒跚，低垂着肩膀，赤足走向死亡；在他们消瘦的关节、衰弱的肉体、痛苦扭曲的手指上，罗丹描绘出了身体每一根神经和肌肉的感觉。他让冰冷的学院派雕塑重新焕发活力——但带着一种浪漫主义的过度，拒绝喜剧、讽刺和超然。现代主义把我们从这种感性中分离出来；罗丹的情感主义与危难时刻是一致的，但我们不能完全接受他的重量和卖弄。这可能是策展人将他与现代艺术合作的原因。在举办“罗丹：百年纪念”（Rodin: Le Livre du Centenaire）时，罗丹博物馆馆长凯瑟琳·舍维约（Catherine Chevillot）曾表示，石膏“是对于罗丹美学是最重要的材料，给予雕塑一种永远未完成且不断在形成的状态”。每一个时代都有属于自己的罗丹，而策展人的工作就是把我们这个时代的罗丹塑造入变幻莫测与不确定的寓言中。（翻译／Zola Shao；编辑／林佳珣）*若无特殊标注
本文图片来自罗丹博物馆
Year Ahead 2021@TANC
封面为知名艺术家刘野特别授权的作品
《为了蒙德里安的黄和蓝》（1995）
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