李斯特钢琴作品——《钟》赏析

　　李斯特·弗朗茨(Liszt.Franz，1811—1886)是匈牙利钢琴家、作曲家。李斯特创作了大量的优秀钢琴音乐作品，在钢琴艺术史上有突出贡献，后人称之为“钢琴之王”。他首创了“交响诗”这种将语言诗歌化的音乐体裁，对音乐创作和音乐史的发展起到不可估量的作用，李斯特也成为19世纪欧洲音乐史中重要的浪漫派音乐家。作为作曲家，李斯特极大地受到了当时浪漫主义代表人物的影响，比如作家维克多?雨果、画家欧仁?德拉克罗瓦，而肖邦则唤醒了他的诗人天性，柏辽兹激发了他音乐中潜藏的糜菲斯特般的阴冷性格。1831年，李斯特也开始像帕格尼尼那样在自己的音乐中加入炫技成分，并将帕格尼尼的《钟》写成了钢琴曲。

No. 3 in G-Sharp Minor 'La campanella' Daniil Trifonov - Transcendental (Liszt Études)

　　一、创作背景

　　《钟》的创作源于一场音乐会。1830年法国七月革命曾使李斯特热血沸腾，并满怀豪情地创作《革命交响曲》。然而七月革命没有成功,“光荣的三天”后什么也没有变化,人民比以往更加贫穷，李斯特迷茫的心又失去了寄托。就在李斯特郁闷的时候,1831年3月9日伟大的小提琴家尼科洛·帕格尼尼做客巴黎，并在大歌剧院大厅举行了独奏音乐会,这场音乐会让李斯特目瞪口呆,他被帕格尼尼那双魔手,那根魔杖般的弓子给征服了。这场音乐会就像一堆篝火,点燃了李斯特心灵之火。他日复一日地工作，苦练各种以前从未有过的技术，他要成为钢琴上的帕格尼尼。于是他选用了《b小调第二号小提琴协奏曲》第三乐章钟声回旋曲改编成钢琴曲《钟》。

　　二、乐曲简要分析

　　乐曲一开始，经过简短的前奏，很快在高音区出现了“钟”的主题。钢琴高音区清脆悦耳的音色和顿音奏法形成的短促有力的音响，组成了一连串生动逼真的小钟的鸣响。

　　由于钢琴高音区的音色比小提琴更易于模仿钟声，因此钟声的效果更加明显。接下来的主题继续利用钢琴高音区的音色特点，奏出了不同节奏的钟声。这两个主题经交替变奏形成了高难度的辉煌华丽的段落。最后乐曲运用舞曲的体裁特点，在热烈欢快的歌舞气氛中结束。演奏时间约4分钟。在这首双主题变奏曲中，第三部分的两个变奏主题均以轮指法语汇构成，特别是第二主题复调织体的手指轮奏，使这一技巧产生新的难度。虽然全曲采用三段体的写法，由于运用了多次主题变化和重复，因此同时具有变奏曲和回旋曲的特征。

　　三、主要技术分析

　　该作品主要运用了变奏手法，由两个主题进行交替变奏构成。技术内容包括：远距离音程的敏捷跳跃、八度的快速重复音、单手同时旋律和颤音、快速的跑动音群等。

　　1.远距离音程的敏捷跳跃。主题穿织在十六分音符远距离音程的跳跃中，必须突出主题旋律，因此要求大指深而持续有表情地触键，手要靠近键盘,放松整条手臂,并使手腕柔顺地带动手指在高低音上移动，在移动手的时候要迅速调节好手指的动作。

　　2.快速的八度重复音。弹奏时将有关的手指、腕部或下臂撑牢为一个整体，由肘部发力，每弹一次八度，手指立即很有弹性地离键。在98—130小节中都有这种奏法，声音要求明亮，有色彩。

　　3.单手同时弹奏旋律和颤音。要求坚持弹出颤音规定的数目,并且要均匀，富有表情。弹长颤音时要控制好音色和力度，手指贴键演奏。旋律部分的手指要轻巧,多一些泛音感，音色要圆润。两个声部要整齐，保持住统一的律动。

　　4.快速跑动的音群集中在华彩性质的经过句和双手的交替触键技术。可采用精致的非连音触键法，指尖细致快速地触键，手指重量一般不保留到键底，指尖离键要快，音色效果轻巧、透明、清晰;双手交替弹奏半音阶时，要力求力度均匀、平稳。

　　总之，在李斯特的钢琴音乐作品中,以炫技为特点的六首帕格尼尼练习曲占有非常特殊而重要的地位。如今仍然非常流行的作品之一帕格尼尼《第二小提琴协奏曲》末乐章回旋曲的主题改编的《钟》,已成为钢琴专业演奏技巧进入高级阶段后的必修之作。李斯特钢琴作品《钟》也是青年时代的他致力用于扩展手指技术，重视诗意形象化的钢琴技术和美妙的音响，突破当时那种虽然完美但却过于刻板的技术的不朽作品之一。这部作品已经不仅是高难技巧的炫耀或训练，而且是显示作曲家丰富想象力和表达思想感情意境的标志。他与进步的浪漫主义艺术家一道，为创造明朗的、色调鲜明的艺术共同奋斗，追求革新，努力摆脱清规戒律的精神，对当今甚至将来的音乐创作仍然影响深远。