古典主义时期（1750-1850）
古典主义时期是吉他发展史上最重要的时代，也是见证现代乐器起源的时代。古典音乐开始为大众普遍地接受，作曲家从此面对新的听众。音乐的体裁开始倾向于朴素主义、形式主义的优雅和严肃的类型结构。交响乐队诞生，音乐的主要形式包括交响乐、奏鸣曲、小奏鸣曲、弦乐四重奏、主题与变奏等。音乐织体出现了早期的伴奏，即单一的旋律再配上各种伴随乐器。旋律乐句较短也容易划分。吉他演奏家和作曲家留下了大笔丰富的遗产，有作品、教材，和专为吉他和室内乐队创作的协奏曲。这期间出版了早期的关于吉他弹奏方法的书籍，开始着眼于教学和创立权威性的理论体系。
著名作曲家：贝多芬、海顿、莫扎特。
吉他方面：阿瓜多、卡尔卡西、卡鲁里、科斯特、迪亚贝里、朱利亚尼、利格纳尼、梅尔兹、莫里洛、帕格尼尼、索尔。
演奏注解
卡尔卡西《E小调练习曲》
（p.94）
曲目介绍：这首乐曲分为四个乐段，每段8小节，最后一段除外，为12小节。每个乐段又包括一个四小节的乐句，接下来是两小节的乐句。注意这个结构，设计好音色的对比。你可以把旋律唱出来，并判断好用什么样的音乐质感来演绎这些乐句。在弹出高音旋律和低音伴奏的同时，也要尽量把中间的音体现出来。这首曲子可跟卡尔卡西的A调练习曲比较，会发现两者在动作上有些共同的地方。例如在17-20小节，有一条静止的旋律线，形成一段间隙，而低音线则以半拍的节奏继续紧张往前进行，一直持续到最后第24小节的高音B和弦。低音声部在这里进入高潮再逐渐放缓，从25小节起又重新回到主题。
28小节有一个鲜明的泛音，预示乐曲将展开新的四个小节。这里主调开始发生变化（转调），到乐曲最后又逐渐返回到原先的调式。第29-32小节实际是这个乐段后面刻意加长的部分。重复部分的两小节乐句要增强音的明亮表达，第一次用音孔拨弦，第二次用近码拨弦，以制造回响效果。
演奏技巧：旋律使用靠弦弹奏，弹的时候最好打开节拍器，尤其是针对比较难以突出的不断反复的两个中间音的地方（第2,4小节等），更要合上节拍。节拍器能帮你稳定速度。先用中速练习，逐渐加快，直到你能完全按照自己意愿驾驭这首曲子。一旦达到目标，可以不再运用节拍器，而把注意力放在如何自由的掌控节奏和速度上。弹低音时，比旋律音（琶音和弦）略微靠前一点，这种弹法会对和弦转换练习带来帮助，它给人一种奇丽的感觉，但并不是说什么和弦都能这样使用。
第21小节标注了小横按（按1品五根弦），这里1指在做横按之前作为该小节低音的保留指。如果你觉得小横按的某些音不太清晰，可以换成大横按试试。你也有必要做手指上下调试，根据个人特点找到最容易的办法。24和35小节的大横按转换要流畅，先把横按指放上去，再放所需的其余各指。
卡尔卡西《A大调练习曲》
（p.95）
曲目介绍：这是卡尔卡西旋律性组合很完美的作曲之一，也是一首脍炙人口的吉他作品。四节一句的划分很分明。 这首乐曲从头至尾采用持续四声组合，竭力展现吉他的多声部功能：旋律、低音，和两个中音声。乐曲演奏总体上要把握旋律和低音两个声部的表现。大多数小节，低音声部在第1,4拍，旋律声部在2,3拍。中音声部的添加是为织体的需要和气氛的烘托，也为了表现持续的双音和声（更多的是三音），从而发掘音与音之间的协调、流畅的运行规律。
注意旋律和低音的进程表达。它们经常是半音音阶，形成紧凑和强烈的感觉，而不变的持续低音则给人一种悬念，比如9-12小节的低音E。一个鲜明的变化是泛音的出现（6,13,16,21和23小节）。另外为增强音乐类型的表现力，在节奏和织体上也有一些突变（如7，16小节）。
为方便更好理解此曲的说明，这里对每小节的重点方面进行了逐一分析：
1-4小节 开篇主题：高峰在最后一小节，但又完整地还原到A主和弦，形成一种圆满的感觉。
5-8小节 半音阶低音展开，并以能预见的趋势运行，最后以泛音结束在主和弦。
9-12小节 持续低音E展开，突出紧张感。
13-16小节 低音以半音阶行进，形成紧迫的气氛。而后替换成高音半音阶，行进至16小节发展到最高点的C#大调和声。16小节为非三连音，以八分音的形式完美地回复到开始部分。
17-20小节 这部分与开篇主题相似，只是这里持续的低音是A。
21-24小节 22小节高潮处爆发式的泛音D，位于本节第4拍。另一个突然的变化是谐音和织体上的变化，就是在末尾处回到主音A之前的富于张力的那部分。
通过这样的分析，能在头脑中形成诠释音乐的意识。总之，要特别强调音乐的线条表达。
要注重乐句的灵动感，并施与富于变化的音色、节律、修饰，和音的阶梯进行。
演奏技巧：旋律音请用靠弦弹奏，使之高于伴奏音。第9，10小节在音孔处用拇指靠弦，以
求音的厚重，然后在11和12小节再移动到近码处改用不靠弦弹奏，以求音的明亮。
第16小节包含了两个三连音和和四个非三连音的八分音符。弹奏这一段时，第一拍踩在正点上，并做到由每拍三个音转变为每拍两个音。之后转为渐缓，而且依然保持三音变两音的节奏感。要避免把八分音符弹成四分音符。这些音的指法都在4弦进行，以带来大提琴般的音色效果。要弹得连贯，揉弦可以强烈一些，注意控制好发声的质量。
弹第22小节的延音时，低音要止住，把不需要的声音抑制下来，且需要加以揉弦。如果需要的话，之后的两个音也可以考虑省略。
遇到和弦转换时，确定先需怎样按好第一个音再考虑后面其余的音，才能保持音乐进行的流畅。必要时引导指和保留指都能派上用场（比如第1小节后面的C#，直到下一小节的D）。
卡尔卡西《A小调练习曲》
（p.96）
曲目介绍：这首华丽的练习曲可弹得快一些，震音的处理要有持续感，以达到一种梦幻般的感觉。速度也可以变化，把十六分音弹得更灵活，使之产生一种潮水起落，收放自如的节奏和律动。有的小节是双音，有的是三音。特定的地方，大部分低音声线需要明亮，而另一部分则需突出高音声线（尤其在13-16小节，和17小节的部分）。总之要做到把正在运行的声线显露出来。如果两个声部同时运行，则高音部分更强烈些，比如第13-14小节，这个乐句就是表现声部之间逆向运行的鲜明例子。低音下行，而旋律上行，反之亦然。小节中每个声部在前三拍做同向运行，从第四拍起做反向运行。前三拍渐强，第四拍又回落下去重新开始渐强。
要表现出一种流动性是此曲的基本要求。根据旋律线的走向来确立流动性。在16-17小节（强）与18-19小节（弱）的平行走向中，采用梯度音阶进行，营造出良好的回响效果。你甚至可以在这一部分乐句制造流动的感觉，其高潮处在高音B.
注意乐句之间的短暂停顿，可做一个呼吸，再做接下来的弹奏。前面四小节以后有一个反复，乐句最后需做适当的渐缓和渐弱。新乐句开始后也做和第一个乐句同样的强度处理。第20小节音线中途发生了方向改变，这里提供了一个做渐缓处理的机会，只需在第三拍E上做短暂停留。接下来的小节又重新再现主题。最后一节速度应当逐渐放慢，避免结束过于仓促。
演奏技巧：此曲的难度主要在于持续制造热情似火的气氛，同时又要保持音与音之间的连贯。从局部的加快速度练起，每一拍都要合上，然后再加上下一拍的低音。这需要给拨弦后的拇指提供一个坚强的依靠，而且拍与拍之间可以前后部分重叠。这个方法适用一个完整小节的合拍练习，然后再加上下一小节的反拍。另外，将整首曲子速度放慢，以讲究精确为目的，再逐渐提高到要求的速度，也是明智的做法。特别的难点部分最好分开单独训练（如8,16-17小节）。
对于左手指法变换的训练，可尝试把两三个音合起来，当成一拍内的和弦来练习。用这个办法不仅使左手在没有右手参与的情况下，移动手型时能保持稳定，而且还创造条件培养你对各部声线中主音清晰度的听觉敏锐力。
第一小节及类似的小节可用pimi交替弹颤音，这个指法可以持续保持到颤音小节转变为琶音的小节。
仔细注意第8小节的右手指法，F和A须用靠弦弹法，弹高音A时用拇指止住所有的低音弦发音，使消音果断干净。16-19小节圆滑音使用保留指，同时右手用靠弦，以得到明亮的上行旋律音。空弦E可用不靠弦弹出。
所谓音乐的“起伏感”在技术上可以理解为有节律的瞬间停顿，这时右手需要尽量放松，但要根据乐曲所需的自由、持续或渐缓等要求，做时断时续的起落。23小节第一拍的和弦转换是难点之一，我建议跳跃到低音D并作短暂停留，再开始下一个音。这不仅运用了技术上的帮助，也营造一种美妙的感觉，尤其是对这个D加以揉弦，效果就更明显。塞戈维亚就经常运用这种音乐表达上的优势来化解类似的技术难题。
索尔《A大调练习曲》
（p.97）
曲目介绍：因它的简单而优美采选了这首练习曲。它始终采用均匀的八分音符为织体，尽管旋律声部运用的四分音符，其新颖在于每个旋律音搭配两个和弦音。和弦音须用断奏弹出，比旋律音更轻一些，使之达到声部上的适当平衡。全曲以两小节为一个乐句，每句开始和结束都在小节中间位置。根据旋律的起伏来表现乐句。8-10和10-12小节相似的乐句要做出对比，以求动态和音色上的变化。第14小节亮丽的E#稍作停顿，还有那个小节以及后面也出现的最高音B，可做同样处理。每一部分末尾都应渐慢，尤其是结束部分，因为它在小节中间第二拍弱拍以八分音符结束，而大多数时候乐曲是以正拍（第1拍）或第3拍结束的。
演奏技巧：甩靠弦法弹奏旋律，使发音充实，同时又能帮助抑制低音和弦的两个音。也可以干脆抬起左手指去做低音的消音，在下一个旋律音响起时务必果断终止。你甚至还可用放下右手拇指的动作去止住任何低音空弦的发音，以及靠弦和左手都不能消除的其他的音。第7小节用4指引导到第8小节，你觉得有必要，这里也可用滑音。二弦上的指法可使用揉弦，使之更加动听。同样，第14小节的指法应安排在第5把位。
索尔《B小调练习曲》
（p.98）
曲目介绍：这或许是索尔最著名的一首练习曲了，它以优美动人的魅力深受人们喜爱。歌唱般的旋律始终浮现于伴音之上，所以我一再认为，不管是唱出还是弹出旋律都要充分抓住它的特色。乐曲以8小节构成一个乐段——乐句之间呼吸要平稳自如。
突出声线的流动感，第25小节D#要揉弦，因为这里有一个优美的不稳定的音高，由此一直过渡到第26小节的E。27-28小节是几乎平行的乐句。直到29节开始，还给人以继续平行进行的感觉，但此处却峰回路转，这一部分和谐行进的高亢声调发生了转折，直至后面一个或多个两小节乐句音色上都有变化。用微妙和渐进的动作移动到近码位置弹第29-31小节，这是为了和32小节的音孔音发生对比做准备。乐曲最后一段起始于第41小节，在44小节到达高潮，这时需要稍作一定的渐强和渐快处理，然后在第二个高音B处采用揉弦，使其更加鲜明，同时把其他弦上的音都及时止住。乐曲最后可考虑采用渐慢和渐弱。
演奏技巧：旋律一般使用不靠弦弹法，除非某些你需要用近码音表达的地方。为使指法变化更流畅，需用到引导指，如11-12小节之间的1指，和27-28,31-32之间的2指。
在41-42小节一系列的横按和弦中，你在做各种指法转换时，食指指腹始终是压在指板上的。第41小节可以针对性的改成折指横按，然后行进到下一个横按时再还原到指腹压弦。
这首练习对解析B小调的和弦转位是个很好的曲例，仔细观察它的和弦构造也能帮助记忆乐曲。
索尔《C调小步舞曲》
（p.99）
曲目介绍：节选自《大奏鸣曲》最后一个乐章，作品25号，是索尔最著名的小步舞曲之一。这是纯正的古典作品，几乎就是一曲模拟弦乐四重奏。小步舞曲是起源于巴洛克时期的一种节奏活泼的舞曲。主题轻快悦耳，属于典型的古典主义时期风格。
反复部分无需更多文字说明。从D.C.al Fine处重复至结尾，可以弹得直接从容。不同的章节可使用不同的音色表现。第29小节开始的顺序有些特别，旋律声部模仿类似小提琴般的优雅，而两个和声，又像中提琴和大提琴。这些音都可略微施加断奏效果，就像中提琴和大提琴的拨奏一样。第37小节，大提琴音占据主旋律，小提琴和中提琴成了和声音。总谱上会附加额外的标识提示。注意44-45小节和60-61小节指法运行的对比，还有56-58小节不太常见的拇指拨奏。
演奏技巧：第1小节第3拍开始之前，1指始终按在C上。要得到均匀而响亮的圆滑音，这个小节可分开来练。要做到左手能敲响邻弦，须保证手指一定垂直向下。要获得29-36节和声的断奏效果，右手在拨弦后应立即放回弦上。每小节的第1拍可尝试用靠弦弹奏。
第44小节的扫弦，需使拇指触弦面要更充分。随后两指交替，使音色富有流动感。56小节拇指拨弦要轻，避免影响声部的转换。随后两个小节的扫弦低音要弹得厚实，拇指触弦面也要扩大。
索尔《E调华尔兹》
（p.101）
曲目介绍：这支欢畅的圆舞曲有几个动人的亮点，尽可能地给我们带来音色和节律的对比，它的节奏上还包含一些悄然的细微变化。前两段都是用E大调，接下来两段演变成平行小调（e小调），最后又重复前面两段。
在第一段里，旋律反复要注意这些节点：第1小节，第2和第3拍的E都要做适当的断奏，然后下面的E（第2节第1拍）就要保留时值稍长一些，就像倚音装饰，直到后面的D#出现。3-4和5-6小节重复这个节点。第9,23,27小节的上升三度音要做渐强处理。对比17-20与21-24节，也许后一组更轻一些。24和28小节的八度音，用近码拨弦，争取营造出小号般的效果。26-28小节的三度音在音孔处弹奏，形成小提琴似的温暖音色。反复之后26-28小节的弹奏就转移到近码位置，然后再在音孔处的2弦和4弦上弹下一组B的八度音。
30小节的八度拨奏采用断奏形式弹成重音，33小节开始的圆滑音和泛音部分要做到明亮优雅。注意39节的滑音要强调色彩的变化。从da capo的反复以后，要做好于第16小节利用完全的E和弦（EBEG#BE）扫弦结束全曲的准备。这里右手拇指要扫得轻缓，时值也不要过长。
演奏技巧：要确保第5小节的三个2度音速度足够快，使之与第1和第3小节的三连音有一个明显的对比。6小节的第一次弹奏，为保节奏正确可不必讲求音的色彩亮丽，后面以同样音符出现时再加以润色。第9，13和27小节，左手手指离弦时不要碰着第一根弦。旋律在1弦，每个音都要持续到足够的拍子。第14小节的指法为索尔本人标注。注意和弦转换时，每根弦上的音都要过渡得自然流畅。
为最大限度取得24-26和28-30小节八度音的明亮效果，须在靠近琴桥位置，挺直手指，尽量用指甲中端触弦，使用手掌的力量从琴面往外轻轻拨弦。而对于第26-28小节的三度音，为达到柔和的对比，则须将手指并拢，用指甲左侧朝着自己左肩方向拨弦。八度音的同时拨奏，两指相对形成钳形，手掌的一侧靠近近码位置的琴弦，抑制琴弦的过分振动。
33-38小节的变化需要清脆明晰，尽可能让所有三指都同时触弦，同时手型一定要与琴颈平行。33-34与37-38小节要做出对比，圆滑音的形式要有所变化。确信泛音的触弦点是否在品位正上方。在做幅度较大的快速跳跃时，可考虑运用空弦和声来做过渡。
朱利亚尼《回旋曲》
（p.102）
曲目介绍：回旋曲是指主题反复出现的曲式，严格的讲，其结构构成为ABACA。请注意乐曲的情绪变化，是怎样从A部分缠绵悠长的E小调旋律，调整为B和C乐段中与之对应和平行的充满欢快气氛，对比鲜明的大调音主题（G大调和E大调）的。乐曲同时还包括织体的对比。A段包含有琶音伴奏，而另外两段则是3度和6度音组成的低音伴奏。观察每一部分旋律的升降，在头脑里树立好动态节律和自由速度的轮廓。要把第10和11小节的6度音弹出“回答”的音调，作为对旋律中萦绕的3度音“提问”的照应。
演奏技巧：A部分用p指在6弦和3弦上弹出节奏稳定（每节四次）的低音声线。在B和C部分，将右手指并拢弹出3度音（im）和6度音（ia）.使用腕部和前臂发力，让手上力量更充分，以求强烈的效果。注意不要把空弦根音弹得太响亮。练习第四节时，为达到节奏准确，可先不考虑音色的优雅。第8和第12小节的双音滑音增强了3度音程旋律声线的流动感。
朱利亚尼《主题与变奏》
（p.103）
曲目介绍：此曲选自作品71号《第一号小奏鸣曲》的第一乐章。和古典主义时期许多主题与变奏一样，它的主题和各个变奏都分为两个乐段，每段8小节。这一系列变奏节奏进行都很自然。主题以四分音开始，第1变奏采用八分音，第2变奏为三连音，而最后一个变奏为十六分音。根据节拍还可做进一步细分，形成自然加速到最后的和弦的效果，掌握好乐曲的变化和控制。注意主题开始不要太快，这样你才能掌控后面不断变化的速度。用稳定的速度来充分展现变奏中的自然节奏。与其他乐曲变奏类型不同的是，这些变奏在旋律和和声构成上更接近原来的主题。变奏的音色和动感要富于变幻，使其对比更加生动。
演奏技巧：这首曲子是非常适合视奏的理想练习，因为它的指法编排都在第一把位，使把位移动减少到最小幅度。初期练习借用节拍器，让速度稳定下来，然后听辨从八分音、三连音，到十六分音依次递增的变化。
第27小节，第四个八分音使用横按，以帮助切换到下面的低音F。当需要弹空弦B的时候，横按的指头立即抬起，后面再弹A时顺势对B消音。在一系列上行琶音中（33-34,55小节等），需要的话可使用置指，或一开始就预先把右手所有手指都放在弦上。52和60小节须分开来单独练习，然后再融回到乐曲中去。
朱利亚尼《活泼的快板》
（p.105）
曲目介绍：本曲是部分古典主义时期一些名作，包括朱利亚尼的鸿篇巨制当中所运用结构体裁的浓缩版。类似于索尔的某些作品，你可以将它想象成集各根弦的发音而组成的小型交响乐，并且努力去表现出这种效果。四小节的乐句一般从不完全小节弱起，无论怎么表现色彩和韵律的对比，都要记住这个乐句的起止。对比从弱起小节开始，到下一个弱起小节结束。
第2小节和弦和第4小节赞歌般的低音要掌握好一定的断奏效果。11和15小节是渐强乐句的顶峰，此后的小节逐渐趋弱到和弦部分。17和21小节乐句的开始都很相似，前面的乐句以响亮奏起，第二乐句则要讲求柔和，然后在22小节的三连音处转为渐强。请注意24-25和26-27小节的反复部分，尽量营造出有层次的波动（强/弱），形成回音般的感觉。28小节折回最强音结束乐句。30到31小节则是渐强的经过，32节和弦音量突然减弱。33小节到34小节第一拍重起渐强，然后乐句可以转入渐弱，一直到36小节的开头。44小节结束处的和弦再次转入渐强，一直持续到46小节的高音D。
演奏技巧：无论发音还是节奏，圆滑音都要做到均匀。用充足的力度击弦以保证音量的平衡。具有独立性的第三乐段（22,30-35小节）的双音和弦需要进行两两组合的训练，而不是单独一个一个的弹，要使左手尽量适应这种变化，可以用p,i组合。第17小节，作为圆滑音的支撑指，全小节2指都要停留在D的位置。
仔细分析乐曲其他地方。止音要干脆彻底，同时注意断奏的表达和动态的对比，力求在多根弦上模仿出交响效果。
音乐不止是一个听觉概念，它能取悦听众心灵。也就是说，音乐的意义并不在于音乐本身。
——沃尔夫冈·阿玛杜斯·莫扎特
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