正在写这篇文章时，有人问了我个问题：哎，你怎么开始写这个了。
哎，我本来也不知道我为啥要写的，她这一问，我突然明白了。
其实，道理很简单——
第一，古典音乐这个东西，我肯定是要听一辈子的。既然要听一辈子，那提前懂一些基本知识，不是很有必要嘛。
第二，如果，我能把我学到的知识和自己的看法，用最为直观、简洁的语言写出来，这是很有助于思考的。事实上，直到写了本文的1/3，我才意识到，我可以将整个古典音乐史，用一个象限来表示。
首先是纵轴——时间。
从时间上，大致地看起来，整部古典音乐史就是音乐家们在崇拜古人和自我崇拜，相互转换的过程。
古典音乐史上第一个辉煌的时期，是公元前（公元前，用BC表示，就是Before Crist，基督诞生之前） ，也就是古希腊时期。
在古希腊时期到1450年间，艺术领域基本上没有什么进步，因为那时候整个欧洲大陆正处在宗教的控制下，吃穿问题还没有解决呢。什么十字军东征、黑死病，就是那段时期发生的。
后来一直到公元1450年，在意大利的佛罗伦萨、威尼斯、西耶那这几个地方，发生了文艺复兴运动。但是，你想啊，这1000多年，人们都被战争和病菌折腾坏了，哪还有什么艺术细胞呢？那时候除了古希腊时期的音乐，也真的没有什么可以参考的了，所以，当时的艺术家对古希腊的文化艺术是非常崇拜的。
崇拜的方式，就是模仿。比如，你看《断臂的维纳斯》，再看米开朗基罗的《大卫》，这两个雕塑作品，风格是很相近的，可是它们之间竟然差了1600多年。
不过，渐渐地，艺术家们开始由崇拜古人变成自我崇拜了。这是怎么发生的呢？首先，哥白尼发现地球不是世界的中心，太阳才是；但是人们不相信啊，所以有个叫开普勒的家伙，经过计算，发现了行星的运动规律，间接证明了哥白尼的说法；到了后来，牛顿直接用数学公式，明明白白的指出，古人是错的，太阳才是中心，周围的行星们围绕太阳运动。
反正，这时候的很多发现都是推翻了古人的看法。当然，艺术家们也不例外，艺术家们也觉得，这个古人也没有那么牛嘛，我们创作的东西也很好嘛。于是，就催生了历史上所谓的“浪漫主义”。
音乐上的一个表现就是，从浪漫主义时期开始，小调作品越来越多。大调和小调是两种不同的音乐运行规律。大调给人的感觉是愉快、明朗；小调多忧郁、阴暗的风格。
不过，音乐家们的自我崇拜并没有持续很久，一直到勃拉姆斯。很多人认为勃拉姆斯是19世界中后期最伟大的作曲家之一。在当时，大多数的音乐家都属于浪漫主义，可是勃拉姆斯还是很坚持很古典的作曲方法，什么格式、规则、曲式，简直和老八股一样了。不过，说也奇怪，大概是勃拉姆斯足够奇葩，所以圈粉很多，于是就形成了“新古典主义”。
再往后，到了20世纪，到了勋伯格，他一看不对呀，古人把能玩的音乐模式，也就是主调音乐都玩精了，那我只好自己创造一个新的音乐模式了，于是，“无调性音乐”产生了。那这时期，又是艺术家自我崇拜的时候了。
那么，也许你会问了，现在是21世纪了，按艺术家们来回折腾的规律来说，应该是崇拜古人的时期了吧？
仔细研究啊，还真是这样。
我们现在的音乐界，从演奏方面来讲，揉的幅度越来越小，越来越少，追求一种清新淡雅的，一种非常有规则，更加讲究节奏和节制的这样一种音乐风格。??
以上，就是古典音乐在“时间”这个纵轴上不停折腾的大致情况了。
横轴：空间
从空间上来看古典音乐史，一句话可以总结——“一个中心，两个基本点”。
一个中心，指的是德奥音乐。我们统计一下，就知道，最出名的古典音乐作曲家有一半不是德国人就是奥地利人。尤其是像交响曲、协奏曲、奏鸣曲这种正经严肃的音乐，基本上是由这些人写出来的。
两个基本点，指其中一个是意大利音乐，另一个是俄罗斯音乐。
意大利的古典音乐基本上就是歌剧。像意大利的几大巨匠，罗西尼、威尔第、普契尼、唐尼采蒂、贝里尼，他们都是只写歌剧的。说实话，歌剧的娱乐性质比较强，想想也是，意大利人是最会玩儿的。
俄罗斯音乐是什么呢？俄罗斯、捷克还有以前的南斯拉夫，他们都属于斯拉夫民族，这个民族是游牧民族，所以他们的音乐表现形式是用一种非常深层次浪漫，还有一种悲凉感和悲壮感。
除了，德奥、意大利、俄罗斯之外，其他地区当然也是有古典音乐的。不过它们与以上四个地区的贡献比起来，几乎是可以忽略不计的。（你也可以理解为我比较懒，写不动了）
坐标：全才、天才、怪才。
其实，我们可以用这个“三才”模型，去定位任何时期的艺术家们。
比如，文艺复兴的三杰，达芬奇、拉斐尔和米开朗基罗。达芬奇当然是全才，会画画、懂雕塑、建筑，搞数学、玩军事、还是个解剖学家，反正就没他不会的。拉斐尔呢，画的特别好，主要是他的圣母画，反正从他开始画圣母一直到最后还是画圣母，风格基本没啥变化，但人家的确是个天才嘛。到了米开朗基罗，他是个很有个性的人，他晚年的作品直接推动了巴洛克艺术的诞生。
那我们可以看一看在古典音乐史上最著名的全才、天才和怪才了。
说到全才，巴赫先生当然是当仁不让的。为啥呢？一个是，巴赫先生的产量很多。巴赫一生创作了一千多部作品（注意不是一千首作品啊），并且这一千多部作品中有很多还是大头作品。比如《马太受难曲》，他有所谓的四部受难曲，而且每一部都是三个小时以上。
巴赫产量不仅多吧，质量还特别高。他把基本能写的乐器、能写的曲式基本写了个遍。像一些冷门的乐器，比如中提琴、巴松管、双簧管，他都把它们的独奏作品写了个遍。
当然在巴赫之前，也有一些音乐家，比如蒙特威尔第、斯卡拉蒂、维瓦尔第等等，可是人们为什么把巴赫成为“音乐之父”呢?这是因为这些音乐家充其量是个探索者，他们说，哎这里有矿石唉，我们大家可以一起来挖。可是到了巴赫，他把所有地方的矿石都挖了一遍，并且告诉你每个矿里有什么东西，甚至具体到你该怎么挖，他都写得明明白白的。
然后，古典音乐史上最天才的一个人，当然是四岁开始作曲，七岁就写出协奏曲，十一岁就写了交响曲，十二岁写了歌剧的莫扎特。
莫扎特是很神的，他早期写的作品和晚期作品基本没啥差距。换句话说，莫扎特一开始写出来的东西就很完美了，还让他怎么再进步呢。所以，很多人说莫扎特是被上帝选中的那个人。
不过，莫扎特在曲式和旋律上的创作，“套路”是很深的。比如，他所有的音乐作品最后都是以一个颤音结束。而且，由于莫扎特的创作一直是很顺利的，所以，他的作品对整个音乐史其实没有什么推动力。
最后是古典音乐上的怪才——贝多芬。
大概有一个规律——对于某些人来说，越是痛苦的经历越能激发一个人的创作热情。老贝就是这样。
老贝是个怪人，怎么怪呢？比如他的《第一交响曲》，这个开头呢是一个属和弦开头。这就好像我们写论文时，那肯定一开始要提出论点嘛，那音乐中也是一样的。比如，这是一个C大调第一交响曲，那第一个音从套路上来讲就应该是C大调的，因为要自报家门嘛。可是老贝坚决不啊，老贝不但不提出论点，还要在文章开头问问你，唉，你觉得我这个论点怎么样啊，所以《第一交响曲》上来就是一个带问号的属和弦。
更值得一提的是他的《第四钢琴协奏曲》。协奏曲就是要有一个独奏乐器，比如钢琴、小提琴，然后跟着一个乐队。这个独奏乐器和乐队的关系，就像是一对伴侣。有时候很恩爱，有时候也会拌拌嘴。
一般协奏曲的套路是什么呢？先出来一个乐队，大概演奏个三分钟，然后引出主角——钢琴。可是老贝呢，他直接让钢琴先出来，简单的几个音，然后再把乐队带出来。这在当时又是非常创新的举动。
老贝一生，出版的作品一共只有135首，这和巴赫、莫扎特上千首作品是没法比的，可是他的每一部作品几乎都在挑战权威，他的每一部作品都有着里程碑式的意义。
多说一句，我挺喜欢老贝的。一个对命运永不放弃的人，本身就值得他人喜欢的，不是吗？不过，我从自己的经验上知道，如果刚刚接触古典音乐，老贝是很难让人喜欢的。他大概就是那么怪吧，唉。
你看，古典音乐，真的是一个象限就可以搞定的事情。
需要补充一点是——
古典音乐在英文中，是“Classic music”，是经典音乐的意思。
就好像，琴棋书画里的“琴”，首先，它指的就是古琴，其他的乐器，像古筝啊、杨琴啊，都不能称为“琴”。然后，“古琴”这两个字，在19世纪20年代之前，是不存在的。
大概是，今人觉得它们历史悠久，为了表示尊敬，就在前面加了一个“古”字吧。
不过，我们换一个角度看，或许正是因为这个“古”字，反而将西方音乐的古典音乐和中国的古琴艺术，摆到了高不可攀的地位。
实际上，相处相处就知道，它们亲切得很呢。
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