你应该知道的九个意大利艺术关键词
作者:中国美术报APP
摘要：文艺复兴经常被看作是欧洲艺术史上的巅峰时期，涌现了达芬奇、拉斐尔和米开朗琪罗等大师。这些艺术家接受了古希腊的美学原则，比如对立平衡姿态和圆形构图，在此基础上发现新的方法去创造艺术品。这些成就需要新的艺术语汇去表述，这些语汇一直传承到今天。
对立平衡姿态（counterpose）
扭转的对立平衡姿态是西方人像中最经常用到的姿态——不管是在绘画还是在雕塑中。它出现在公元前五世纪初期的古希腊。此姿势给了静止的姿态以生命，使其有一种自然的动感。姿势的重心落在一条腿上，另外一条腿关节微曲，呈放松的状态。人物的躯干、肩膀和头部都和直立的腿呈一定的角度，从而造成扭转的整体感觉。
尽管扭转的姿势会让人物显得生命感十足，它却非常难以模仿——试着做一下米开朗琪罗《大卫》中的姿势吧。观念艺术家Bruce Nauman 在他的行为艺术表演录像《用扭转姿态行走》（1968年）中表现了用这种姿势行走时的笨拙——他试图保持这个姿势穿过一条狭窄的小巷。
米开朗琪罗，《大卫》，1501-1504年
湿壁画（fresco）
米开朗琪罗所做的西斯廷礼拜堂的天顶画就是用湿壁画的技法完成，拉斐尔的《雅典学院》也同样如此。制造湿壁画的过程中，艺术家让研磨成粉末的混合颜料和水打湿石膏粉，使其产生化学反应，从而使颜料固定在墙上。因为石膏干得太快，艺术家必须一块一块地完成整幅作品，这每一个小的单元还有个单独的名称叫“Giornata”，意为“一天的工作量”。湿壁画在古罗马和意大利文艺复兴时期最流行（意大利干热的气候为湿壁画的保存创造了良好的条件），而在墨西哥壁画家迪耶戈·里维拉的运用下，湿壁画在20世纪复兴起来。
拉斐尔，《雅典学院》，1509-1511年
暗绘风格（chiaroscuro）
暗绘风格来源于意大利单词chiaro，意为“干净”“明亮”，而oscuro是“模糊”或“暗淡”的意思，它们都是指在艺术创作时对明暗的安排。据说是达芬奇发明了暗绘风格，因为他已经可以用光影的渐变来描绘出深度了。一个世纪以后，卡拉瓦乔发明了新形式的暗绘风格，画面中只有单一的光源——比如燃烧的蜡烛或者打开的窗子——从而戏剧性地突出被描绘的人物。这种强烈的色调对比画法很快地在欧洲传播开来，而追随者也被称为“卡拉瓦乔派”。
卡拉瓦乔，《召唤圣马太》，1599-1600
晕染法（Sfumato）
晕染法同样被看作是达芬奇发明的。“sfumato”意为“像烟雾一样消散”，会让画面不同色调之间产生柔软朦胧的渐变——从而减弱画面中尖锐的轮廓线。其中最著名的代表作即为《蒙娜丽莎》。正是这种晕染法才让蒙娜丽莎拥有了神秘的微笑，因为决定其表情的嘴唇的曲线以及其目光，都处在晕染法的掩盖之下。
达·芬奇，《蒙娜丽莎》，1503-1506年
厚涂法（Impasto）
晕染法的笔触很薄，且不容易被看出来，这与厚涂法的手法是完全相反的，厚涂法会在画面中铺上厚厚的颜料层，使二维的画面拥有了三维的肌理。厚涂法使得观众注意到绘画本身的风格，强调了画面的笔触以及刮刀切过的痕迹。厚涂的部分甚至会捕捉到房间中的光线，从而在画面上留下小小的影子，强化画面的明暗关系。巴洛克大师比如伦勃朗和委拉斯贵支经常使用这种手法，特别是在描绘金属、珠宝以及武器时，这样它们会看起来更加明亮。
想要看出一幅画中哪里运用了厚涂法，站在这幅画的侧面即可。这个角度会揭示画中是否有特别厚的地方。接着，就可以从前面重新审视这幅画，注意厚涂法如何强化了画面中的暗部。
伦勃朗，《老人像》，1667年
原画再现（Pentimento）
“Pentimento”指的是艺术家在作画时做的改动，表面的绘画下面隐藏着原画本身。在作画过程中，画家可能会修改，改变其布局和构图——或是重新摆放客体的胳膊，或者让整个人物的位置改变——在原来构图的基础上重新用一层颜料覆盖。时间久了，最上层可能会褪色，从而显现出作品之前的面貌。随着技术的发展，现在的文物保护者们可以借助红外线扫描和X光检查底下是否另有作品。
圆形构图（Tondo）
和对立平衡姿态一样，圆形构图也是古希腊人的发明，在文艺复兴时期被重新重视起来。古希腊的圆形构图可以在瓶画和浅酒杯中发现。表现的内容多为神秘故事、日常生活以及几何图案等。在文艺复兴时期，在碟子或者圆雕的装饰上就用了这种构图，而像拉斐尔和米开朗琪罗将之升华到大型的宗教绘画上。
圆形构图后来过时了，建筑师兼哲学家阿尔贝蒂（Leon Battista Alberti）声明只有方形的画布才最适合线性透视的场景——不过，它们最近又在复兴了，比如，达明·赫斯特的蝴蝶画、点画和泼画都是用的圆形构图。
拉斐尔，《阿尔巴圣母》，1510年
轻松感（Sprezzatura）
“用力过猛会破坏高雅感，”文艺复兴作家报德萨尔·卡斯特林（Baldassare Castiglione）如是写道。1528年，他在其书《廷臣论》中提到了sprezzatura(轻松感)这个术语。“轻松感”这个词是指，人们在不过分用力的情况下，仍然能保持优雅的行为。在当代的时尚界，sprezzatura描述的是一种艺术性的凌乱美——能够驾驭混搭风格或者歪带领结的能力。
卡斯特林是在达芬奇和拉斐尔过世之前的十年内讨论sprezzatura的，而两位大师的绘画中就充分展示了这种轻松感。他们是第一批用四分之三侧面来描绘女性的，这种角度比和文艺复兴早期纯侧面描绘的传统看起来更加放松。比如说《蒙娜丽莎》，主人公略有倦怠地看着画外，这就是对“轻松感”最好的注解。
达·芬奇，《杰尼亚·德·比奇》，1974-1978年
未完成状态（ Non finito）
实际上，有些艺术品是故意给人“未完成”的感觉的。最著名的例子就是米开朗琪罗为教皇朱利亚斯二世（Julius II）的陵墓所雕凿的的四个囚徒——《垂死的奴隶》《苏醒的奴隶》《被缚的奴隶》和《反抗的奴隶》。未完成来源于赞助人资金的短缺以及陵墓设计方案的变化。这几个半完成品从粗糙的大理石中显现，揭示了雕塑家精细的雕塑过程。
未完成的雕塑传统可以追溯到古希腊哲学家柏拉图。根据柏拉图的说法，所有的艺术品都在一定程度上是没有完成的，他们也永远无法超越神的美。使一件作品呈现出未完成感似乎是对这种理念致敬。就像米开朗琪罗所说的：“真正的艺术品将会是完美的神的影子。”不过人也要有勇气和实力在艺术品没有完成的情况下，依旧让艺术品保持足够的美感——这也将“轻松感”的情况包括在内。
米开朗琪罗，《被缚的奴隶》，1516-1519年
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