作为一名平平无奇的音乐人，过去几年我的创作日常都是这样的：
某个风和日丽的下午，突然乐思泉涌，脑中闪过一段悲壮宏伟瑰丽梦幻的好莱坞大片剧情，心情激动地打开cubase……
来一段既快乐又悲伤、略带一点疯狂和激情的旋律！
然后在电脑椅上枯坐一个下午，腰酸背痛地关闭电脑，开始疯狂思考人生……我是谁，我从哪里来，我为什么要做音乐啊啊啊啊啊啊啊啊啊啊啊啊啊啊
不论写歌还是作曲配乐，想设计一段合心意的主题旋律，足以让人把脑瓜子抓破……我实在太能理解这种没灵感又想写歌、还倔脾气不想放弃、最后被卑微的自尊心疯狂折磨的感觉了。
所以，纯灵感写歌不可取，死憋作曲更不可取！榨取灵感的结果，只能是伤肝伤神伤腰腿，分分钟把你最爱的音乐变成不共戴天的仇人……
2021年了，写旋律也得讲科学和基本法了。今天，就由我跟大家探讨旋律写作的深层逻辑，希望大家保护好自己的秀发，争取不要当一个拿头发换旋律的音乐人！
旋律是怎样“讲故事”的？
有人说，旋律（melody）是音乐的灵魂，这句话不无道理。作为被听众最直接感受的部分，旋律的重要性不言而喻。古往今来的作曲家们，都呕心沥血地雕琢他们心中最为完美的旋律，铭刻下一个又一个千古流芳的音乐传奇。
如果把音乐看作一种特殊的语言，那么旋律就是用音符写成的语句。作曲家可以通过这些语句，构成乐段、乐章、乐曲，表达出完整而细腻的情感，编织成或悲伤或快乐的故事。
看似简单的旋律为什么会有如此魔力？哪些因素影响了旋律的情感表达？
这涉及到复杂的音乐心理学知识。我们可以用下面这个公式来简单概括：
听者感受 = 结构性特征 + 演奏性特征 + 听者特征 + 情境特征
演奏性特征、听者特征、情境特征，属于外部因素。用中国的老话来说，就是——天时（歌手的极致发挥）+地利（世界一流的场馆）+高素质的观众（人和）。
但是别忘了，音乐本身的质量同样不容忽视。结构性特征，也就是我们常说的音乐语言——速度、节奏、调式、旋律（线）、音量等等。都是乐理书里的老朋友了~
下面的表格简单总结了这些音乐语言的表达方式：
结构性特征
含义
可能的情感表达效果
速度
音乐作品的速度
快：快乐、兴奋、生气、紧张等
慢：悲伤、平静等
节奏
乐曲反复出现的节奏、节拍类型
顺畅而一致的节奏：快乐、平和
没有规律的节奏：娱乐感或不舒服
多变的节奏：快乐、兴奋等
特定的节奏：特定风格
调式
音阶的调式
大调：快乐、明亮
小调：悲伤、暗淡
其他调式：各调式的特征风格
旋律
听者所感受到的旋律线
上行：紧张度增加、情绪上扬
下行：紧张度降低、情绪下沉
音量
声音的大小、力度等
大音量：紧张、力量或者气愤
小音量：声响效果与大音量相反
接下来就由我来为大家深入剖析，同样的音符，能用多么奇妙的方式进行排列组合，为什么萌新写出来就是“打开窗户看看海”，大佬写出来就是“面朝大海，春暖花开”？前方干货高能，建议先点个收藏转发~
好的旋律走向都是精心设计的
节拍相同的情况下，不同走向的旋律线条往往会产生不同的情绪效果。
旋律线的走向有水平、上行、下行、拱形、倒拱形、锯齿形（波浪形）等等。随着旋律的走向变化，情绪也会发生变化。一般来说，上行旋律紧张度增长、力度增强，情绪高涨，下行的旋律紧张度缓和，力度变弱，情绪回落。
试着拿出自己的作品，看看是不是有类似的旋律结构？如果把一种结构替换成另一种，比如把下行变成拱形，看看听感发生了怎样的变化？
另外，就音符间关系来说，旋律走向还有级进和跳跃之分。通常，级进的旋律较为流畅，适合叙事和抒情，而跳跃的旋律则较为活泼明快，适合情绪张力比较大的情况。
分析一首乐曲的旋律线，通常要从整体和局部两个方面来看（比如旋律线可以是整体上行、局部呈波浪形）。很多流行歌的主歌部分情绪就会相对较缓地推进，整体缓慢上行，而在副歌部分有较大波动，在最高音处达到高潮。
以邓紫棋《再见》为例，它是典型的主歌-副歌形式（Verse-Chorus Form）。整首歌大量使用跳进和重复，节奏比较明快，使用类似的节奏型，通过音高的变化来发展旋律。在主歌部分，旋律音高较低，副歌节奏型类似，但整体音高比主歌高出一个八度，情绪上也明显高了起来。
《再见》第二部分旋律扒谱另外可以注意到，在第二遍重复的时候，主歌对应位置的末尾都使用了较高的音高（比如“只定格在一瞬间”、“爱过之后就是离别”、“早该相信那些语言我们也没有多特别”，从而乐句整体旋律线也变成了上扬）。进入副歌，结合配器上的丰富，乐曲情绪被推向高点。
《再见》第二部分旋律扒谱又如五月天的《后来的我们》，采用了“主歌-预副歌-副歌”的形式，在情绪推动模式上更为明显。原曲为C调，在主歌第一次重复的时候最高音都没有超过小字二组的C，而在第二遍重复的时候，在最后一句被提高了上去，从而接入能量更高的预副歌部分。而主歌和预副歌的预副歌部分，明显有一个“爬坡”过程，随着情绪能量的不断积累，终于顺利进入副歌高潮部分。
《后来的我们》旋律扒谱
音程和音乐跨度：情绪的幕后主使
音程，即为两个音之间的高低关系。而音乐跨度，则是指音乐整体音高的变化趋势。为了写出动人的旋律，“变化”的重要性是不容忽视的。比如，平和、安静的旋律中常用狭音程（同度、二、三度）；而广音程（四、五、六、七、八度）构成的旋律，一般具有开阔、跳跃的特点。
图片来自网络从更大的范围看，大多数歌曲主歌通常较为平缓，跨度较小，而到了副歌高潮部分，音乐的跨度范围较大，对应着更加强烈的情绪。正是因为存在这样的高低变化，才能让音乐的情绪更加鲜明。
下图提供了一些使用参考，大家可以尝试在写旋律时有意识地设计音程，或者多尝试替换，或许会得出意料之外的效果。
音程
特性
小二度
有较强的导向性，会让人主观上把一个音当作基音，另一个音当作导音
大二度
自然调式体系中旋律流畅进行的基本音程，在五声调式中尤其如此
三度
在大小调体系中体现大小调特性，有时因服从旋律走向具有一定的独立性
四度
弱起上行的旋律四度，具有鲜明的战斗性和号召性；下行四度则往往具有雄伟、沉着、肯定、有力的特点
五度
开阔性以及旋律的中心作用（体现主、属、下属的关系）
六度
常做旋律开始的音调，也是旋律高潮常使用的音程之一，但在五声调式中没有跳跃感，反而有级进的感觉
小七度
同旋律六度相似，也是旋律高潮特征音程，但在五声调式中表现出级进感。
大七度
过于宽泛而应用较少
八度
同六度七度一样，具有高峰音程的特征
三全音
紧张、不寻常，往往用来表现异常尖锐的、富于戏剧性的表情瞬间
调式音阶：自带能量的创作利器
调式，即以一个音为核心 ，以及按照一定音程关系不同音高组织在一起的若干个乐音构成的音乐体系。而调式音阶，则是组成这一调式的一系列音符排列。
简单来说，每一个调式音阶都是一个音乐文化体系最基本的创作理念，不同的调式音阶会赋予音乐完全不同的情绪和风格，比如说起中国风就让人想起五声音阶，说起酒吧就让人想起布鲁斯音阶，但如果在一首传统民歌合奏中塞入不羁而忧郁的布鲁斯独奏，处理不好又会显得不伦不类。调式的重要性不言而喻。
接下来就就为大家介绍几个常用的调式音阶：
1.五声音阶
大调五声音阶：1 2 3 5 6
小调五声音阶: 6 1 2 3 5
将Do作为主音的小调五声音阶：1 b3 4 5 b7
五声调式有两个特色：
（1）没有尖锐倾向的音程（如半音、三全音），只有一个大三度（小六度）。
（2）大二度和小三度形成的三音组。由于没有尖锐的倾向，所以基于它们旋律创作无需变换和弦，仅凭听感体会调式的特色，就可以很容易创造出很流畅动听的旋律。
五声音阶在中国传统音乐中应用广泛，所以如果想创作具有中国风的音乐，可以尝试多使用五声音阶。例如《青花瓷》就是基于五声音阶创作的；
但可别以为五声调式是中国风的专属！比如美国乡村音乐，在创作时候应用大调五声音阶，会带来民谣感、故乡感，例如经典歌曲《Ain't Too Proud to Beg》。
2.布鲁斯（Blues）音阶
大调布鲁斯音阶：1 2 b3 3 5 6 1
小调布鲁斯音阶：6 1 2 b3 3 5 6
布鲁斯音阶可谓是五声音阶的“远房兄弟”。在大调或小调五声音阶中增加一个音 (b3) ，会让你的旋律带上布鲁斯（又称蓝调）、摇滚风格。而小调五声音阶还具有布鲁斯/摇滚/节奏布鲁斯的风味。
使用大调布鲁斯的曲目可以参考《Heart of Gold》、B.B King的《Everyday I Have the Blues》和 Eagles 的《Best of My Love》。 小调布鲁斯可以参考James Brown的《Cold Sweat》、Arrows的《I Love Rock and Roll》。华语歌可参考杭天的专辑《我的心是油炸的蚕豆》，浪荡绅士的《总得开始》。
Heart Of Gold Neil Young - The Best Of Neil Young(Live)
3.自然调式体系的七种调式音阶
按照自然调式的规则，从不同的音起始，可以创造出七种不同的音阶，它们构成了七种不同的调式（它们最早被教会使用，所以也称教会调式、中古调式）：
C Ionian（major） — CDEFGABC
音程关系：全全半全全全半
D Dorian — DEFGABCD
音程关系：全半全全全半全
E Phrygian— EFGABCDE
音程关系：半全全全半全全
F Lydian — FGABCDEF
音程关系：全全全半全全半
G Mixolydian — GABCDEFG
音程关系：全全半全全半全
A Aeolian（minor） — ABCDEFGA.
音程关系：全半全全半全全
B Locrian — BCDEFGAB
音程关系：半全全半全全全
是不是看着有点懵？但如果把它们放到同一个主音，它们又变成了历史上著名的调式：
（1）艾奥尼亚调式 Ionian （ 1 2 3 4 5 6 7 1 ）：自然大调模式，也就是我们平时常说的C大调音阶。特征音，第三音和主音构成大三度，有鲜明的大调特征，有快乐明亮的色彩。
（2）伊奥利亚调式 Aeolian （ 1 2 b3 4 5 b6 b7 1 ）：自然小调模式。具有小调特性，有悲伤暗淡的色彩。特征和弦：小三和弦（1, b3, 5）悲伤柔和，在很多悲伤的抒情歌曲中使用。
（3）多利亚调式 Dorian （ 1 2 b3 4 5 6 b7 1）：同Aeolian调式相比，只有第六个音成了大六度，其他音都相同。所以大六度音是这个调式的特色。这一调式在凯尔特（Celtic）音乐中常用，会带来古老、神话的感觉，例如，莎拉布莱曼《斯卡布罗集市》。同时它也常被用在摇滚、节奏布鲁斯和舞曲音乐中，经典曲目有《Only You Know and I Know》、《Billie Jean》等。
Only You Know And I Know Studio Musicians - Hits of Phil Collins
（4）弗利几亚调式Phrygian （1 b2 b3 4 5 b6 b7 1）：同Aeolian相比，第二个音为b2，即特色音，由于西班牙弗拉门戈Flamenco 音乐很多建立在Phrygian和Phrygian Dominant调式上，所以会带来西班牙感。
现代音乐常常会把第三个音升高半音，即Phrygian Dominant（1 b2 3 4 5 b6 b7 1）。注意，这个调式的第一、二两个音开始的三和弦都是大三和弦，来回切换这两个和弦也可以很好地突出这个调式的特点。另外，中东音乐克莱兹默 (Klezmer) 风格也常用到这个调式以及它的变体。
（5）利底亚调式 Lydian (1 2 3 #4 5 6 7 1) ：特色音是 #4。以这个调为基础的CMaj13(#11) 和弦，有爵士现代感，如果用它来结尾则带来科技感和梦幻感。来回切换一级和二级和弦（C D C D）则会带来英雄和宇宙浩瀚感。若强调C(#4) 的不和谐感，则可能有滑稽的效果，如《辛普森一家人》的主题曲。
The Simpsons Theme The Academy Allstars - Music of the Night: Sensational Soundtracks
（6）混合利底亚调式 Mixolydian （1 2 3 4 5 6 b7 1）：将大调和弦的第七个音降低半音即得到Mixolydian， 特色音 b7 小七度，特色和弦属七和弦。常用于摇滚、布鲁斯、爵士音乐中。典型歌曲有《I Want a New Drug》、《Shake Your Body Down to the Ground》等。
（7）洛克利亚调式 Locrian （1 b2 b3 4 b5 b6 b7 1）：特色音：b5， Cdim 1b3b5 这个调有些过于黑暗，使用得比较少。但如果你就是想要刻意制造黑暗、悬疑、恐怖感，可以尝试使用。
在实际创作中，我们可以按照风格找到对应的调式，进行针对性地创作，或者随意地弹奏、哼唱各种调式音阶，进行发散式的创作。
在创作遇到瓶颈时，不妨放开平时惯用的大调音阶，尝试各种风格的调式音阶吧~
节奏和节拍：让旋律与众不同的秘密
节奏同音高一样重要，有经验的作者可以通过节奏变化来强化歌词，突出主题，调动听众的情绪，渲染乐曲的段落，构架情感的起伏……下面就提供几种思路，供大家参考~
1.音符时值、乐句长度和空拍
一般来说，较短的时值和较短的乐句具有很强的对话感，越长则效果越为夸张，强调作用越大。通常来说，歌词对应的时值或乐句越长，周围的空拍越多，歌词也越显突出，因此，长音符、长乐句以及空拍通常可以用来强化主题。
Rockin' In The Free World Neil Young - Rockin' In The Free World
例如“people rockin' in the free world”这句歌词2.歌词字数
一般来说，偶数音节可以带来的满足感，而奇数则带来的新鲜感，三音节乐句可以带来推进感。因此，灵活设计歌词字数也是带来情绪变化的好办法。
一念一生 李健 - 一念一生
“一段段一步步 越來越近 却咫尺天涯 一天天 一年年 一遍又一遍 什么都没改变”有兴趣的同学可以看看本涛老师的文章：
学会这几招, 教你写出一手好词(上)；
学会这几招, 教你写出一手好词(下)3.重拍
旋律在重拍上、重拍之前、重拍之后开始，效果也都不同。通常，放在重拍上会使得这个词更加突出，因此可以起强调作用；不想被强调的词或音节，可以考虑把它们放在重拍前或重拍后。另外，在重拍上或靠近重拍结束主题往往是一种让人印象深刻的方式，可以很好地突出主题。
Livin' On love Alan Jackson - Songs Of Love And Heartache
在重拍上结束主题“Livin' On Love”的“Love”4.重复
重复通常也有强调作用。常见的技巧有强制重复、变化重复、内部重复等等。其中，强制重复就是简单再重复一遍，变化重复指对动机做微小改变再重复，内部重复是比较夸张的歌词处理手段，将歌词拆开并多次重复从而调动观众的情绪。
牛仔很忙 周杰伦 - 2007世界巡回演唱会
副歌中反复重复的“不用麻烦了”5.对比
除了重复，对比也是发展旋律和强调主题的好方法。对比的手法很丰富，不仅可以有乐句、乐段间的对比，还可以有歌曲段落间的对比。比如前后两句歌词，都使用相同的动机，而前一句用了很多的长音和空拍修饰，后一句则使用短促的音符和较少的空拍，就形成了节奏上的对比。
We Will Rock You Queen - I Love Dad
感受主副歌节奏的对比6.节拍速度和类型
速度对乐曲情绪的影响也很大。总的来说，速度可分为快速，适中和慢速，速度变化可分为减慢、加快、自由。将一支旋律以不同速度处理可以获得不同的音乐形象。总的来说，快速常常表现激动、兴奋、欢乐、活泼，适中可以用来表现田园、抒情，慢速则常用于颂歌、挽歌、沉痛回忆等。
常见的节拍类型有2/4，4/4，3/4， 3/8，6/8拍等等，它们都具有不同的使用场景和特色风格。
2/4拍的特点是强弱交替，快速时可以表现欢快、活泼、热情的场面，它在一些儿歌常用和进行曲中用的比较多，著名的有《让我们荡起双桨》、《义勇军进行曲》等。
让我们荡起双桨 儿歌 - 儿歌精选
4/4拍作为2/4拍的复合拍子，将第二个重拍淡化，从而没有2/4拍那么节奏鲜明和急促，因此更具有抒情性，是流行音乐中最常用的拍子。
3/4拍具有浪漫、优雅、柔美的特点，是有古典音乐中圆舞曲使用的节拍类型，流行音乐中多见抒情歌曲，比如王菲的《棋子》、《匆匆那年》、杨钰莹的《月亮船》等。另外，3/8拍、6/8拍在舞曲中也比较常用。
匆匆那年 QL王菲 - 歌曲合辑
乐曲中，还可以出现节拍的变化。总的来说，稳定的拍子对应着平缓、舒适的情绪，而灵活多变的拍子则对应着快乐、兴奋等情绪。
7.特殊的节奏型和节奏风格
除了使用不同的节拍类型，还可以利用特殊的节奏型使得旋律丰富起来，比如切分、连音、附点等，同时还可以应用Swing、Shuffle、Bossa nova等等特殊的节奏风格让你的律动带上独特的味道。
Don't know why (混音) Norah Jones
爵士风格当然，音量、力度也是影响旋律表达情绪的要素。比如摇篮曲会使用较轻的声音，而隆重、胜利、战斗性强的乐曲则会使用较强的声音，在乐曲中，还可以通过力度变化获得鲜明对比，从而使得乐曲更富有情绪色彩。
流行音乐中的旋律“套路”
都说流行歌曲有“套路”，听众到底怎么被“套路”了呢？
有的人说是唱法，有的人说是和弦进行，其实还有一个常常被忽视的方面——同一情绪的歌曲往往具有一套类似的写作模板。
平时常听流行歌的朋友应该会发现，一首歌不论多么唱法、调式、编曲多么独特，总有几个部分是万变不离其宗的，那就是：主歌-副歌和主歌-预副歌-副歌的经典模式。
在大多数流行歌中，主歌部分旋律相对较“平”，情绪能量较低，经过“爬坡”的过程，不断积累能量，到了副歌（有的先经过预副歌），再将情绪推到顶点。而推进和发展情绪都会用到一系列技巧。
这非常符合写作中“起承转合”的真理，音乐情感的爆发需要铺垫，事物发展总是会经历一系列循序渐进的变化。
以林俊杰《她说》、周兴哲《你好不好》、五月天《后来的我们》、田馥甄《小幸运》这四首情绪类似的流行歌为例，大家可以对照下面的扒谱图来分析。
依次是《她说》、《你好不好》、《后来的我们》、《小幸运》的旋律扒谱这四首歌有一个共同的特点：每一段副歌部分旋律都重复了两次，而后一次较前一次稍有改变。更有趣的是，它们的改变都非常相似。
在重复第二次的时候，几首歌都不约而同地写高了第一句的个别旋律音，然后选择性地将后面接近高潮部分的音高提高（有的在第二遍副歌才改变），在接近结尾部分使用更长的音或者更多的空白。
这与我们之前讨论的内容相一致：提高音高可以推高情绪，更长的音或更多的空白可以起到强调作用。另外可以注意到，它们的整体旋律线方向都相当地类似——通过变化重复（保留节奏型，稍微降低音高）重复一次，然后再重新上扬旋律把情绪推高，再降下来进行第二遍。
而在旋律发展方面，它们也都用到了很多流行歌曲通用的写法技巧。除了上述保留节奏型，变化整体的技巧，林俊杰的《她说》还用了“上下倒置”的音序（旋律线上行下行，拱形倒拱形互换）从而营造一种对比感、对话感。
周兴哲《你，好不好》中的问句就采用了旋律上行——进行发问的时候旋律进行上行是一种通用的写法。节奏的丰富性方面，它们也都用到了很多附点和切分，长短句结合等等，具有很好的叙事抒情性，这些在我们自己的写作中都可以借鉴使用。
避免千篇一律，加入点睛之笔
音乐的构成是多元的，从任何一个角度钻研，都可能激发奇妙的化学反应，让你的音乐产生与众不同的听感。本文提供了优化旋律的方法论，但是大家也要注意，学习的最好方法就是实践。除了坚持创作之外，还要大量分析优秀的作品，来丰富自己的创作思维。
这里我尝试分析周董的《Mojito》和五月天的《成名在望》，来探讨一下这些前沿的流行歌曲是如何在作曲上创新的~
《Mojito》：特色的风格，动感的旋律周董新歌《Mojito》就在流行音乐的基础上融入了拉丁风格，通过古巴音乐特有的乐器和节奏（大量使用反拍的舞曲律动感），从乐曲一开头就让人身临其境。而在中间段插入的rap堪称点睛之笔，不仅让歌曲变得更多元，还体现了他的个人特点，与其他段落形成强烈对比，让人耳目一新。
《成名在望》：别样的曲式设计，灵活的节拍速度五月天《自传》专辑中的《成名在望》，曲式设计就别出心裁。除了反常规的主歌预副歌和副歌段落，还加入了好几个新奇的段落。其中有几个段落，就很好地运用节奏和速度的变化来表达情绪。比如第二遍主歌后的三拍子段落带来的摇曳感，就很好地表现了歌词中体现的挣扎和抉择。最末尾的副歌部分加快速度并且使用shuffle节奏，营造出舞曲氛围，把情绪推向高潮。这些都是值得学习的创新方式。
创新是创作的灵魂。或许我们大多数人都难以做出大师级的处理，但不妨在自己的乐曲中加入更多的点睛之笔，日积月累，总能有所收获。
比如应用布鲁斯音可以给你的乐曲添加前卫摇滚或者布鲁斯感，加入特别的节奏型可以让人耳目一新，融入特殊的风格可以让你的乐曲别具一格，你还可以设计离调、转调，可以变速，加入全新的段落，充分运用对比手法突出和强调主题。前文所述的技巧都可以被灵活运用在创造你自己的旋律中来。
总的来说，依靠灵感或许能妙手偶得，但创作技巧才是乐思的源泉。技巧扎实，才能帮助你更好地表达出内心深处的想法。即使在灵感枯竭的时候，这些手法也能帮助你快速走出低潮期，稳定地产出作品。
编辑：艾伦
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