这本约瑟夫·马斯利的经典著作《电影摄影艺术的五个C》（The Five C's of Cinematography）是我绝对收藏之一，1965 年出版，里面所教的内容在今天仍然受用，在电影艺术界常常被最广泛地推崇。
马斯利二战服役完后，他进入了美国空军工作，担任民用电影摄影师和导演的职责，在比基尼岛上举办的首次氢弹试验中，第一次作为摄影师去拍摄空中的连续镜头。之后他来到加利福尼亚，做了一些未命名和没人记住的电影，如《狂野吉他》《快感杀手》和《怪物》。
《怪物》是马斯利导演的一部低劣惊悚片。
几乎很难相信，做军事摄影工作、电视广告和低预算惊悚片帮助到他成为了有名望的电影艺术教师。但是这样的评价其实很不公正，我们对那个困扰着艺术家的时代和环境并不熟悉，还需要考虑到那时候工作室的经营和今天的大相径庭。
在 50、60 年代，有许多电影产出，并且被进行了一些分类，如西部片、歹徒片、惊悚片。马斯利因为有摄影的经验和自己的研究，随即在摄影杂志和电影行业杂志里发表了大量文章，通过在《美国电影艺术手册》做编辑和编写了里程碑书籍《电影摄影艺术的五个C》获得更多信任，从而达到了人生顶点。
我最近抽出时间重温了这本书，再一次被感动到。这本书，不仅技巧上描述明晰，更重要的是，发现每件事物跟整体情况的联系，如：马斯利的示范，正确与不正确的镜头角度、分镜头、剪辑、特写以及作品里的视线问题。
目前行业内，太注重华而不实的技巧和过度依赖 CG 效果。我们都爱视觉效果，但是好的摄影技巧，是用来辅助故事本身。新方式令人兴奋，但我们不可以忽视知识本身和基本原理，这些都是我们作为艺术家的基础。马斯利的书，大体上，教的不仅是摄影，还有电影制作。他给每个动画师、故事大师和导演提供了技巧、知识。
CAMERA ANGLES
当动态摄影正确地应用到电影制作中，就能够让氛围更有张力和感染人，以辅助讲故事。在动画里，艺术家讨厌处理摄影角度。不管 2D 还是 3D，即使在情况最好的时候，在三维空间中摆姿势和移动人物都是有挑战性的。如果摄影机角度比较刁钻，动画师一定要注意，不要让自己的角色看上去单调；另外这些摄影角度是跟随导演的意图而变化的。
导演萨米·拉米通常会使用最具有创意的摄影方法。在《蜘蛛侠2》里，这个引人注目的仰视镜头，标志着英雄的到来，从天堂下来拯救民众。
在《狮子王》里，穆法莎拼命地抓住不放。由动画师托尼·富西莱设计的出色表演和扣人心弦的情感。
好的镜头角度，在表演方面能够给动画师减轻负担。工作时，设定出好的计划和最好的摄影角度，能够大大地提高单个镜头或者片段的影响力，否则反之。
“Proper camera angles can make the difference between audience appreciation and indifference.”
- Joseph Mascelli
马斯利提到，摄像机角度恰当与否，关系到观众能否很好的接受信息。一系列镜头应该是包含进、退、重复或者形成对比的处理，它们恰当地结合在一起，而不是把镜头混杂，弄得一团糟。
出自昆汀·塔伦蒂诺的经典作品《低俗小说》，有名的后备箱镜头。
在《玩具总动员2》里，美丽而伤心的蒙太奇回忆，来自约翰·拉塞特导演。
李·昂克里奇导演的《玩具总动员3》，结局的独特的镜头角度让观众更容易理解人物的情绪和想法，一个是玩具，另一个是主人。
是什么会让电影变得更好，他写到：一部电影应该通过展现新观点、不同类型的镜头、多变的画面，最终制作成不可预料的形式来惊讶到观众。演员和摄影机运动应该产生变化，切换、反转等方式，不应该在一个相似而简单的模式里。
斯蒂芬·皮尔伯格导演也是摄影大师。他对分镜头连续性的控制，使得电影散发出了刺激和简洁明了的感觉，这在他出现之前是十分罕见的。
CONTINUITY
很多动画艺术家没有花足够的时间去思考节奏和图像的流畅性，将想到的事物和场面作为孤立的工序，并排地或接连地堆放在一起。常常会看到，有的动画师创造一个运动模式或者进行演技的选择时，没有考虑到前后的镜头。
约瑟夫·马斯利的书里其中一个优秀的图示。图里指示出在三个人物出场时，正确的布局和摄影方向。
布拉德·伯德导演的《超人总动员》。这是最早具有 CG 特点的动画之一，其中使用强烈的连贯镜头和剪辑，从而创造出清晰、狂热的战斗。
艺术家不仅应该在他们自己的镜头中，尝试达到流畅和协调的效果，还需要考虑到整体的分镜头的连续性。他们需要知道，情绪或者动作的顶点价值将在何时、何处出现，这样他们才可能知道什么样的操作合适。
另一个关于分镜头连续性的图解。它展示了人在经过窗户时恰当的机位。
作者谈到分镜头对于讲故事的重要性。分镜头的连续性在协同合作中是一种常识。它要求按照一整个序列来思考，而不是个别的镜头。好的分镜头连续性是观众所盼望的。弱的连续性会使叙事逊色很多，不能吸引到注意力。不应该让这些问题干扰到观众沉浸在故事里的感觉。
“Learn how to analyze and handle cinematic time and space. Recognize differences between controlled and uncontrolled action.”
- Joseph Mascelli
马斯利提到，学会分析和掌握，电影化的节奏和流畅度，识别控制下的动作和自发动作的区别。
斯蒂芬·斯皮尔伯格导演的电影《大白鲨》1975 年上映，被视为电影史上的分水岭。这种优秀的分镜头连续性，利用暗示心理吓坏了每一位观众，创造出紧张、焦虑的情感反应。
他给出分镜连续性的相关总结，表意清晰、具有创造性和一丝不苟，所以我们能够保持信任感和享受荧屏上的魔法：一部电影是一系列不断变化的画面。连续不断地思考、会做出深思的分镜头。
CUTTING
当提到剪辑，动画师常常感觉到他们在 Layout 和场景上没有得到实在的控制，事实上，任何动画师的收尾工作总是受制于剪辑。但是每个人的工作都一样。一个有趣的事实是，在这种艺术形式上，与真人电影相比，动画剪辑的计划性遥遥领先。
这些具有创意性的片段，出自马丁·斯科塞斯的 1976 年经典电影《出租车司机》，制造出紧张的感觉和氛围。
来自尼克·帕克获得奥斯卡金像奖的定格动画《超级无敌掌门狗》的追逐镜头。
因为巨额制作费用，一个片段和镜头会被提前设定出固定时间的帧。我们不会拍摄八个小时的动画，然后在后期进行剪辑。事实上，相对而言，动画艺术家在画面之间有着许多控制力和预知。所以对动画师来说，具备剪辑知识是一种强制性前提。
电影剪接师通过熟练的镜头选择、安排和规定时间，努力给予画面视觉上的多样性。他是再创造而不是复制摄影，从而达到累积效果，这种效果比把每个独立场景所体现的情节简单地放在一起要好。
在分镜头连续性方面，深厚的剪辑知识能够深深地影响动画师如何设置他们的场面，例如可以用到时间静止镜头、动态镜头、知道切换的地方或者其他摄影转场效果等。
赛尔乔·莱翁内的《黄金三镖客》电影结局。这场戏伴随着尼奥·莫里康尼的经典音乐，曾是最好的电影剪辑之一。
他给真人电影摄影师的建议是，他们应该在剪辑室里学习，考虑用哪种摄影角度和运动最好地描写出特别的情景，哪里切入、切出或者特写，还有预期反应镜头什么时候有必要、镜头是否需要或何时需要缩短或者加长。
阿弗雷德·希区柯克的 1960 年电影的选节，《惊魂记》。在历史上，这个非凡的画面作为最有戏剧性的片段。
“(the cameraman) becomes more proficient (when) he’s thinking editorially before and as he films.”
- Joseph Mascelli
马斯利写到，在拍摄前和拍摄时懂得以剪辑的身份去思考，摄影师会变得更加熟练。
当你制作镜头时，想想以下问题。在镜头开始或结束，你有留足够的空间给导演在剪辑室里弹性修改吗？你有将人物放在适当的位置或运动状态使转场的画面看起来无瑕疵、同时保持很好的连续性吗？
我最爱的动画电影之一，韦斯·安德森的《了不起的狐狸爸爸》。安德森偏爱重点突出、单点视角，这让他做出精确、直接且有趣的转场，从而让作品令人兴奋。这种干脆而形象的作品风格，成为了他的标志。
我曾拍摄一个故事片的镜头，拍到一半时，导演告诉我将叠化地转场，而不是直接硬切，我需要在人物静止不动时结束画面。事先确定好合适的方向，以及清晰的沟通不仅省时间，而且改变了我对表演和做动画方法的态度。尽管如此，要比从来不做要好，因为在意见反馈之后，会明白到导演这样选择的背后意图，所以他允许我去做出方法的改变。
在历史上，克林特·伊斯特伍德比其他电影演员演过更多的特写镜头。哪个导演会拒绝利用那些强烈打动人心的眼睛呢？画面来自赛尔乔·莱翁内的电影《黄金三镖客》。
马斯利给剪辑的一个结论：电影是摄影机中构思，在剪辑室里组装。一部具有很好脚本的电影，事先详细地计划和用确切的剪辑模式推陈出新，通常会将其他简单的剪辑问题一并解决。
CLOSE-UPS
在现代电影中常有特写镜头。有人论证过，电影超过现场舞台的优势在于，给予演员特写镜头能够激发紧张感或让情绪有微妙的变化。凝视一位演员的眼睛或脸庞，能让观众走进人物的思想和内心，创造出最直接、最强烈的联系。
黑泽明电影《罗生门》中三船敏郎的一系列特写镜头。
在保罗·托马斯·安德森的电影《木兰花》里，汤姆·克鲁斯经历了一种痛苦的片刻。这种深刻的主题需要特写镜头，促使我们进入到人物的内心。
马斯利总结，当观众被带入到画面里，就是最成功的。建立一个片段为的就是影片里后面的特写镜头。或者，从特写镜头开始，通过惊喜、惊吓和冲击的气氛引起观众的注意。
还有一个例子，弗朗西斯·福特·科波拉导演的《教父》是从特写镜头开始的，请仔细研究这个片段的力量。
他还提到，特写镜头提供了戏剧性的冲击；强调故事的亮点；描写相关情节；突出主要情节；提取主题以强调故事的重点和冲淡次要情节；转移观众的注意力至下一个画面。
来自马尔科姆·麦克道威尔主演、斯坦利·库布里克导演，1971 年的反乌托邦电影《发条橙》，通过大特写镜头描写主角的创伤。
特写镜头的章节非常详细。阐明了特写镜头的每种用途和风格；过肩特写和传统特写，还有切入（需要立足于在前面的广镜头）和裁切（展示出有利位置，就像来自远方的观察者）。
裁剪的特写镜头，来自凯文·科斯特纳的电影《与狼共舞》——这种镜头不是必须的，因为不是主要事件的一部分。
目前，并不是所有电影都要求广泛应用特写镜头。你必须选择使用的时机。电影大师伍迪·艾伦以不使用特写镜头而出名。
在理查德·卢克斯的一篇关于电影特写镜头历史的文章里提到，演员迈克尔·凯恩回忆道：我总是被教导，尽量在特写镜头里保持最好的一面。在电影《汉娜姐妹》剧组里，当我跟伍迪·艾伦一起工作的时候才发现是个大问题，因为他根本不会切出特写镜头，唯一的特写镜头就是来自里面的老师。
在伍迪·艾伦的 1986 年电影《汉娜姐妹》里，迈克尔·凯恩在仔细考虑他的下一个移动的动作。尽管缺少特写镜头，凯恩仍因不可思议的深刻的表演赢得了奥斯卡奖项。
布莱恩·辛格 1995 年的电影《非常嫌疑犯》，关于警察和劫匪之间的神秘不法活动，这是电影最后部分的特写镜头。
它不是绝对必要的，并不意味着它没有自己的位置。当使用恰当，特写镜头可以增加信息、完善结构和突出风格。马斯利总结，特写镜头就像香料，能够加强电影本身的戏剧性味道。
COMPOSITION
电影构图具有很高的欣赏价值。由于它的固定比例（从 80 年代之前的传统 4:3 画幅，到现在的巨幕画幅 2.85:1），相对其他艺术，电影的构图会受到一定的限制。
第一个具有近乎史诗般规模的宏伟的动画片，梦工厂的 1998 年经典动画《埃及王子》的开场。
一部充满华丽场面的电影，大卫·里恩导演的电影《阿拉伯的劳伦斯》，属于一部高水平的好电影。
然而，我相信正因为它的限制性，我们才能看到最具创意和惊人的电影构图。利用运动优点和连续画面的组合影响，构图能够起到告知、平静、刺激甚至惊吓到观众的作用。
明白构图，意味着明白马斯利所提到的构成语言——线、形式、环境和运动。
演员米亚·法罗悲惨的瞬间，来自罗门·波兰斯基导演的电影《罗斯玛丽的婴儿》，充满了许多优秀的构图，使电影变得更加悬疑。
阿尔弗雷德·希区柯克导演的杰作《西北偏北》。出色地利用了线和深度，创造出一种遥远的空间，能够看到画面的深度、广度。
《西北偏北》的另一个画面，描写了大环境中的重力。巨大的四总统雕像作为背景，以及主要人物的布局，分别将重量和意义给了环境和故事。
在构图中，他也提到平衡和重力的重要性。
一个平衡的画面，暗示着和平、安静、平等；当一个画面是不对称的，屏幕上的某一个区域就会有加重和支配的感觉。不平衡能够创造出许多趣味和活力，正如在很多宇宙科幻电影里看到的那样。重力的使用也会影响到平衡。当画面组成违抗了万有引力定律的时候，人们就会产生厌恶感。
这个镜头来自于乔治·卢卡斯导演的电影《星球大战》的高潮战斗片段，不仅展示了不完全平衡的优秀运用，还有利用线、形式、环境和运动来创造出具有张力感的动态效果。
在剩余的章节里，作者整合了镜头角度、画面大小、透视和画面布局这几个方面来讨论，帮助艺术家获得最有效的结果。
1968 年的意大利式美国西部片《西部往事》，查尔斯·布朗森主演，赛尔乔·莱翁内执导，利用了很多身体上的道具（例如项圈、帽子和手）制造构图去吸引你的注意力。
对于电影构图这个章节，作者给出了总结：观众一定是从心理上受到影响，从而领悟到脚本意图，引起情绪上的变化。除非你想要制造一个干扰效果，否则永远不要在画面中显示一个以上的兴趣点。
考虑到观众对于镜头切换的观感，制作人员总是会改变构图来产生多样的视觉效果。为了做出有趣的构图，可以去掉一些华而不实的枝节和复杂安排。将「保持简单」这种工作标语常放心中。
镜头来自黑泽明的 1961 年关于武士的动作电影《用心棒》，侧十字似的构图，产生了一种有趣而强大的效果。
总结一下《电影摄影艺术的五个C》这本书，对于摄影工作和任何艺术家包括新手和专业人士，值得一读再读，它是一本具有里程碑意义的书。
作者 詹姆斯·蒋毕业于谢尔丹学院，先后在迪士尼、卢卡斯、蓝天、索尼任职，20 年从业经验。
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