——读画家袁欣的国画作品
古代水墨画（尤其是文人水墨画）以表现内在界精神为目的，或者说，是表现人的精神内质“意”的艺术。唐代杰出的绘画理论家和美学家张彦远在《历代名画记》中认为：“是故韵墨而五色具，谓之得意。意在五色，则物象乖矣”。而宋代画家宗炳在《画山水序》中主张“万趣融其神思。”他认为绘画审美的标尺就是“畅神”，两者似有异曲同工之妙。一直以来，众多国画家和理论家所讨论的关于传统水墨画中的黑、白、灰实质上是在探讨传统水墨画的笔墨，在纸面上形成的视觉直观的意趣和形态，并传达艺术家们的尚“意”的审美观念和形态。
我之所以作如是说，是因为我在读株洲画家青年画家袁欣众多的国画作品中，自然地想到了这个话题。我注意到：在袁欣的水墨画中，无论是以笔取趣，还是以墨取韵的形式意味，深受古典和传统的影响。从他的作品中，可以看出白与黑之间的对比、色彩又与淡墨之间的通融，形成轻重、强弱、张弛、明静……均有着浓郁的人文意味。作为一名画家，袁欣当然懂得“知白守黑”，虚境与实景的并存、相生的道理。通过不断的摸索和体验，渐渐形成了他的绘画理念。袁欣在创作中，不仅采用墨与纸张本色的交互、幻化、互生互补，从中寻求一种突破实景、实物、实事局限的境界。无疑，作为一名好的画家，需要掌握这种留白的技巧。
绘画重在主体的审美参与，如果用感官的眼睛看世界，只能仰面飞檐，视野局狭而呆板；而用心的眼睛去观照世界，则重重悉见，透其表相，得其真谛。我注意到：袁欣在他新近创作的一系列诸如《习习微风入小窗》、《雅室静静兰有香》、《清风伴月》、《一堂和气》花鸟小品中，他既写眼中之自然，更是传达胸中之丘壑。同时，他的作品又不为形象所拘囿，更加强调主体的意气统领笔墨，在抽象的写神中追求气韵生动，并力图用无形的绘画精神朝极致的审美意向性出发。当然，任何一位旨在不断创作的艺术家要做到这一点，无疑需要时间的积淀。
古往今来，众多的画家在创作笔法中，强调国画要有力有气，反对疲软呆板，画法用笔最重骨法挺拔，讲究水墨为上，墨色华润。袁欣对此略有所悟，我从他的《紫气东来》、《富贵神仙图》等作品中，看到了他在绘画时讲求经营位置，其线条、色彩、构图等凝定为那种具有“意味美”的形式，并表现出艺术美的本质。这是一种经过审美净化了的形式，一方面表现了自然界的规律，同时，又表现了人的情感体验。以此不断生成新的绘画感受力。
袁欣又是一个重思想的画家，我在他的微信中曾看到过一段创作后的思考话语：“中国佛学中有'一花一世界，一草一天国’的说法。这不是以小见大的思路，一朵小花如何去概括世界，而是强调一朵小花就是一个圆满的世界。从人的角度看，一朵小花是微不足道的。但小花可不这样'看’，她自在开放，圆满俱足，无所缺撼，就是一个'大全’世界，一个有意义的生命世界。小花如何'看’？小花当然不能像人这样去看，她只是自在开放。这一思想的核心，就是人放下控制世界，解释世界的欲望，由世界的对岸回到世界中，将小花从人的情感的、知识的束缚中解脱出来，任小花自在呈现，这样才能称之为圆满……南宗禅所说'青山自青山，白云自白云’的境界，就是浑然大全的世界。”作为一名画家，袁欣这些话很有意思。一直以来，袁欣凭借简笔进行痛快淋漓的抒写情怀，或感于物、发乎情，或化天地万物为我意中之物，或以自然造化为实景，因心造化为虚境。使胸臆得到纵情释放，使笔与墨得到美的发挥。着墨处见于形、见于笔、见于墨，而作品抵达了更空润、更深邃、更幽远的情境。
艺术所表达的是人的内在需要。或者说，是艺术家脱俗超凡的品格。清代石涛说：“夫画者，从于心者也。”对此，袁欣感同身受，他的水墨画强调“意趣”，意在“玩”。 在创作中，他把水墨写意当成缘情言志、或以艺自娱超脱淡然的缘情表现的方式之一。在他看来，审美玩味的东西，这些就是古代水墨画被称之为空灵的东西。五代石恪《二祖调心图》、宋代梁楷《泼墨仙人图》、苏轼的《古木怪石图》以及扬州八怪其他画家等作品无不是简笔水墨画的佳作，落墨处虽为实景，空白处皆为虚境。因为透彻地表情达意、撩人心弦，而成为赏心悦目的千古佳构。但袁欣认为：表达情感，提炼生活，去粗存精。一个画家只有用心灵俯仰的眼睛来察看空间万象，用心灵的自觉观照美以及塑造美的形象，当下的水墨画的意境才会上升到不同凡响的新境界。
从袁欣的作品中不难看出：他十分重视作品外在的打动和视觉的美的要素，包括笔墨的交互、画面的分割，用笔的内蕴，用墨的奇巧。当他把这些复杂的元素归结为易于接受的概念，便形成了在用笔的作用下水与墨的混化在宣纸上的效果，这些效果与“意”相关，而且“趣”味横生。也逐步形成了造型方面的语言或美感。国画大师潘天寿强调“画事以笔取趣，以墨取韵”。笔因墨而生动，墨因笔而变化，两者相依为用。作为创作状态日益强健的画家，袁欣一俟明白这个道理，他日，便形成了他自己的大格局！
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