著名画家杨林：在中国画对景创作中挖掘艺术创作的原动力与意象美

图文/杨林

                

摘要：本文拟通过对东西方艺术的比较，从横向和纵向两个方面，比较中西方及古今中外的绘画艺术，概括介绍中国画意象美学的发展，以及天人合一，道法自然在中国画对景创作过程中的重要性与原动力。

关键词：意象美学，对景创作，写意精神，笔墨意趣，天人合一，道法自然

写在前面：概括来说，中国画经过长期的演变与发展，其艺术表现手法是意象性的，如中国人说的“得意忘形”，知白守黑，疏可走马，密不透风。虚胜于实，无胜于有，简胜于繁。用色上讲究随类赋彩，墨分五色，色墨混用都是在阐述中国画的意象美学理念。

中国画的创作不受时空关系，阴晴变化的限制，在观察物象时，得石涛的“收尽奇峰打草稿”的真谛，不受一时一地的限制，汇自然山川于尺幅之中。独创了中国画的散点透视，可将四季的物象尽收于一幅画面之中，如“梅兰竹菊”是四季的物象，不可能在自然界中同时出现，却是中国画经典表现的题材。作品以“气韵生动”为上等等，构成了中国画意象美学的经典架构。

在中国画长期的演变与发展过程中，我们逐渐形成了一套完整的审美体系，“意象美学”是这个体系中最为重要的组成部分，中国画作品中的“意象”存在于具体的视觉空间之中，又通过中国画的笔墨表现出来，形成自己完整的创作与欣赏的视觉空间，这种视觉空间区别于西方油画要表达的，所谓真实的“三度空间”。

对于中国画来说，绘画中的空间是一种有限空间，意象美学的造型手段，为这样的空间营造奠定了基础，传统的中国画，并不是过多的去追求空间的立体感，也不是以是否真实的表现了物象，作为衡量作品好坏的标准，有时甚至就是平面的，是对空间进行限制后的表达。

如宋徽宗赵佶的作品《瑞鹤图》，表现的是鹤舞九天，飘逸灵动画面。在这幅作品中饱含了宋朝的美学思想，有鹤舞的自由灵性与建筑物屋面，端庄大气平稳性的对比，画面多平面效果，所有的物象几乎都是在一个层面上，特别是空中飞舞的仙鹤，几乎并没有远近的关系，更多的是一种平面化的图案美，还有点对衬的美学意味，如建筑屋的左右对称，表现出中国画意象美学的新高度，意境悠远，区别于西方的诸多艺术门类，创造了独一无二的画面效果。

传统的中国绘画从发展之初，就是讲究“意象”、讲究“笔墨”，并不去追求纯自然的“真实”，这是中国文化的重要组成部分。如东晋顾恺之的《洛神赋图》，描绘了曹植与洛神真挚纯洁的爱情故事。

人物安排疏密得宜，在不同的时空中自然地交替、重叠、交换，而在山川景物描绘上，无不展现一种意象空间美，顾恺之为了表现凄美的画面，突出人物表现，根据自己的主观意向，创造了这样一种“人大于山”的表现手法、绘画形式，更好地突出了人物的形象，点明了主题，这也充分的说明，中国早期的绘画，就已经走出了被自然物象所限制的境界，是物我两忘的自由之境，而且这种长卷式的绘画表现手法，也成为中国画独有的一种表现形式。

人类最早期的绘画产生，是来自于人们对自然的原始感受，并有感而发所表现出的产物，所以原始的艺术离不开对物象的观察写生，可能还带有某种对自然的崇拜与祈祷，如原始人表现的鱼形图象，可能就源于对太阳的崇拜，因为鱼眼永远是睁开的，而太阳的象形文字“日”字中的一点，据说就是源于鱼眼中的黑点，因为太阳中并没有黑色的点。所以对自然的描写，是来自于人们最原始的，对自然的感动与崇拜。

从古至今，古今中外，写生都是艺术创作，最为重要的原动力。中西方艺术家关于写生，有着不同的认知和审美意趣，反映出中西方的文化差异和审美取向。李可染先生曾说“我认为改造中国画首要第一条，就是必须挖掘已经堵塞了六七百年的创作源泉。

什么是创作源泉，这在古人可以说是“造化”，我们现在应当更进一步地说是“生活”。元明清的中国画的致命的缺点就是堵塞了这个创作的源泉，失去了作品真实内容……”。“客观世界是人类认识和思想的根源，但不是艺术，它是原料，是带着杂质的矿石，没有它，炼不出精钢来。大自然的奥妙无穷尽，人将永远发掘不完”。创作源泉就是走进自然，走进生活，它是创作原动力的来源地。

在对写生的认识上，表现的方式方法上，与西方专注于在写生中表现出对自然的真实感觉，有着极大区别的是，中国画的“写生”是写物象之精华，即生机勃勃之气，生命活力之气，更多的是由自然物象而引发的内在感受。西方写实绘画的写生是“模仿自然”，发展到最后，用更为科学的方法表现出自然的真实。如西方的焦点透视，以及把对色彩学的科学认识，运用到绘画之中，认为绘画是对自然最真实的表现，这和中国画的发展是完全不同的两个方向。

中国传统绘画的写生是“师法造化”，是对自然的升华。所谓“外师造化，中得心源”，造化与心源是客体与主体相互交融，相互渗透的关系，其中包括人对物象的选择、取舍、挪移和改造，并根据创作者，思想情感的需要，重塑自然的形象，这个就窘异于西方绘画具象审美的艺术造型标准。

分辨意象与具象，我认为简单的办法，就是看你的作品是不是更接近于普通的照片，无疑中国画不是（当然，今天的很多中国画创作在走模仿照片之路，采风写生也只是拍拍照片，这是非常危险的现象）。

这和中国传统的审美及对自然的认识理解密不可分，也离不开笔、墨、纸、砚中国画材质的支撑，是中国画对意象美学的追求所在，由此演化出中国画意象创作最为重要的灵魂，“写意精神”笔墨意趣。傳抱石曾说“中国画画一个人，不只是画外表，而是要像这个人的精神，一般人所谓“全神气”，即是要把这人的精神表达出来。所以中国画要画的不是形，而是神。这种写意的精神，是产生于中国画的工具和材料，尤其是中国人的思想”。

对于笔墨的认识，明董其昌在《画禅室随笔》画诀中说“古人云：有笔有墨。笔墨二字，人多不识。画岂有无笔墨者？但有轮廓而无皴法，即谓之无笔；有皴法而不分轻重向背明晦，即谓之无墨。古人云：石分三面。此语是笔亦是墨，可参之”，如图。此可谓对笔墨二字的最好诠释，今人对笔墨也有很多的解释，不尽相同，各有道理不一一列举。

同时中国画也与中国的哲学思想相互关联，很多中国画的理论，就是中国文化中的哲学思辨，如中国画创作中强调的“写意精神”，不仅是中国画的精神，也是中国文化的精神，这种精神是跟中国文化“天人合一”相吻合，“天”代表“道”、“真理”、“法则”,“天人合一”就是与先天本性相合，回归大道，归根复命，也是一种思想，一种状态。

“天人合一”的哲学思想构建了中华传统文化的主体。建构了通神明、化万物的写意精神。只有真正的天人合一，才能完整的体现出中国画的写意精神，而这种精神的本源是“道法自然”。

“道法自然”出自老子《道德经》的哲学思想，意思是“道”所反映出来的规律是“自然而然”的，“人法地、地法天、天法道、道法自然”，老子用了一气贯通的手法，将天、地、人乃至整个宇宙的生命规律精辟涵括、阐述出来，从世间的万事万物的实际情况，分析和总结出很多法则和规律，从而应用于指导人类的实践活动，也指导了我们的中国画创作与发展，今天的中国画发展一直遵循着这样的规律，对景创作正是道法自然的最好诠释，古人的经典艺术作品都是道法自然所得，才创造出丰富多彩的中国画艺术。       

第一章，原始艺术，意象美学的产生

探索艺术发展的本源，不能不了解原始人类的艺术，今天，人类社会的一切艺术发展，都是由原始艺术的演化发展而来，并且中国画的意象美学发展，在原始文化艺术中，真切的体现出了这种演化发展的脉络与渊源。且原始文明的产生与发展，中西方有很多共同的地方，这在中外的原始岩画，和其他早期原始人类的艺术创作中可窥见一斑。

岩画是人类社会的早期文化现象，是人类先民们留给后人珍贵的文化遗产，世界范围内欧洲，亚洲，美非等都有遗存，如西班牙拉文特岩画，它是中石器时代原始居民创作出来的艺术珍品，在拉文特岩画中，有描绘了原始人类狩猎、采集、居家、战争等场面，也有反映人类社会生产、生活，再现了人类在自然面前的主体地位。

岩画生活气息浓厚，造型概括洗练，人物和动物多以剪影式的平面效果表现出来，以拉长的四肢和夸张的动作表现人物的动势，忽略细节刻画，用色单纯，在今天的很多艺术表现形式中，仍然在使用着这样的一些技法，也和中国的一些早期岩画表现手法大体相同。如图。

再看中国第一个岩画类世界遗产，“崇左花山岩画”，展现的是古代络越人的生产、生活场景，目前学界普遍认为，花山岩画的绘制年代为战国至东汉，花山岩画面积有8000多平方米，岩画最经典图案，反映了古代骆越人狩猎、祭祀、生产、生活场景，场面恢弘、动感强烈、神秘感十足，和西方岩画表现现实生活的内容基本吻合，真实的展现了原始人的生活场景，以及对待自然，表现生活的态度，这两处岩画虽时间跨度上相差较大，但表现手法十分相近，因为古代社会的发展，相对于今天的社会发展来说是比较缓慢的。如图

在中外原始的艺术的其它创作中，我们也会发现诸多相似的地方，如最近正在山西博物院展览的，叙利亚文明艺术展，就有很多这样的艺术作品。叙利亚的先民是最早使用青铜制作武器的民族。距今5100年左右，随着城邦国家的崛起，冶金术的出现，社会生产力发生了质的飞跃，人们生活也发生了较大变化，生产工具和生活用具日益丰富，古叙利亚的陶器制作也十分发达，从而催化了文化艺术的发展。如图。

这些叙利亚原始社会的彩陶和中国传统的彩陶，不论是在图案还是在造型，都有诸多相似的地方，包括表现手法，也几乎和中国的彩陶如出一辙，在展览中，我们还发现很多原始社会的图形文字，中西方也有很多相似之处，如图，可见，早期的文字符号大多是象形的。

中国原始社会的彩陶分布很广，以西安的半坡仰韶文化为主要代表，如彩陶《鱼纹盆》《人面鱼盆》《乐舞百戏》等，鱼形纹是仰韶文化装饰图形中，数量较丰富的一种动物题材纹样。半坡彩陶鱼纹多用简单的三角形组合成头部与躯体，以平涂的侧面形象和躯体的弯曲来表现鱼的游动。

再对口、眼、鳃、尾、鳍的夸张表现鱼的动态，显现出中华民族在艺术发端上的不同气质，这种气质反映在对物对人的观点上，对形象之外的那种因寄所托之中，显示了中华民族观察世界、表现世界，独特的艺术眼光。但这仍然和西方的原始岩画、彩陶，有着很多的共性特征，又有异曲同工之妙。如图。由此可见，原始社会中外艺术文明的诸多相同和区别所在。

如果把原始人的这些艺术创作，和今天的艺术创作相比较，我们会发现，原始的艺术应该更具抽象性和意象性，更为重要的是，这些都是由原始人，面对自然物象，由心灵深处萌发灵感而创作的原动力，开创了我们今天灿烂文明的艺术史。

对于中国画艺术发展来说，这些原始社会的彩陶纹样，人面鱼盆纹等，已经展现了原始人在创作这些作品的时浅显认识与意识，他们可能只是想表达出一种图象的意思，但是这些图案一定是有精神寄托的象征，由于在表现上因寄所托，有夸张，有取舍，也有变形，已经具有意象美学的特征，这还有待于我们更进一步的发掘与研究。

我们今天并不知道，他们当时创作这些作品时的实际状况，但是不可否认的是，这些广泛存在于生活中的物象，都是来源于生活的真实物象，他们之所以去表现这些物象，也是他们真实情感的流露，是最原始的最朴素的艺术表达，我们可以想象，仰韶文化的原始人，在绘制仰韶彩陶纹样时，身边就有各种各样鱼的实体存在，这是很正常的，因为这是他们的食物，他们太熟悉了，也方便取得的，他们描绘的就是他们的直观感受，是最早期的对景创作。

因为有对美的追求、自然崇拜和精神寄托，这种追求是朴实而自然的，是本源的，发自内心深处的自然而然的流露出来的，因此他们就把他们最熟悉的物象，画在了他们使用的器物上，从而创造了美，是道法自然的生动体现，也创造了中国美术史上的第一个高峰。

但在后来的艺术发展中，由于文化的差异，中国画走上了独特的意象美学之路，并且将笔墨、线条的表现，视作中国绘画的精髓。西方绘画中，虽然也有线的运用，但是因为工具材料的不同，西画转向了对色彩、明暗和结构、体积的研究表现中，而中国画的对线条与墨色的认识、理解与追求则更为深刻彻底，从而演化发展，向意象美学的作品创作方向发展，这在中国早期的彩陶器皿的纹样处理上，就已经显露出来。

表现在用线方面，已经具备了独特的审美视角，我们的先民利用毛笔笔锋的粗细、弹性、含水等变化以及用笔的力量、速度和角度等，扩大了一般硬笔，仅为勾勒外形的表达方式和能力，在运笔和铺毫中，已初显出对笔墨的探索，虽然原始的用线用色，和用墨还是比较简单朴实，还没有上升到真正的中国画用线用墨的高度，但随着社会的发展，文化艺术的进步，最终使中国画走上了独立自主的，意象表现的艺术发展之路，笔墨就是这条发展之路的基石。

人之初性本善，儿童绘画也同样具有原始艺术的一些特征，也是原始而本源的，大部分的儿童都很喜欢直观的把自己对物象的感受，用线的形式表现出来，用色也是单纯而直接的，因为线作为一种表现手段,是艺术处理中表达感受最直接了当的语言，这种语言能够高度概括的，快速表现出物象的特征。

虽然我们有时候并没有教授儿童，应该怎样去用线，也没有那个必要，但是他们都原始而本能的知道，直接去用线描绘，这也就是为什么原始艺术、儿童绘画艺术都很直观的喜欢用线表现，用色平涂的原因所在，而且几乎所有的儿童都喜欢形象的绘画语言，用绘画来表达他们心中的世界，这就是原始的自然的力量，是人的天性，是发自内心的本源的自然的萌发。今天也有很多成功的艺术家，在自己的作品中力求返璞归真，追求儿童的天趣，如关良，韩羽等，如图。

在漫长的社会发展进程中，东西方的文明发展，因审美取向的不同，走向了两条不同的发展之路、审美之路，但这就是艺术的多元化和丰富性，今天这种丰富多彩的艺术表现形式，还将继续发展下去。在此我只是想对自己近年来在写生创作过程中，引发出的一些感想、感悟，来为这丰富多彩的新时代聊做唱和，纯属个人之见。

   （未完待续，本文共有十个章节，分十二篇发表，此为第一章节）

            杨林于鸠兹，2023年9月

杨林作品欣赏：

杨林，中国美术家协会会员，安徽工程大学副教授，安徽黄岳画院院长、徽州碑林艺术馆馆长，零界点：朱零山水画研究会副会长。曾获全国首届扬州八怪杯书画大奖赛一等奖，尚意2017全国美展最高奖（中国美协）、2018中国福州海上丝绸之路中国画展最高奖（中国美协）、入选2017泾上丹青全国美展（中国美协）、入选2018山水砚都多彩肇庆全国美展（中国美协）、2019年弄潮杯全国中国画大赛优秀奖（西冷印社主办）、2019首届吴昌硕国际艺术大奖赛二等奖（西冷印社主办）、2020"中国美术世界行"成果汇报展最高奖（中国美协）、2017年安徽省美术大赛最高奖第四届"弄潮杯"钱塘江金石竹木拓片展二等奖（西冷印社）等。