陈朝生，广东省普宁市人。1993年毕业于广州美术学院获学士学位，1996年毕业于汕头大学艺术学院获中央美术学院硕士学位,2007--2008年中央美术学院访问学者。现为广州美术学院教育学院水彩画系主任，中国美术家协会会员，广东美术家协会水彩艺委会委员，广东省高校水彩学术委员会委员。
水彩创作及艺术活动：
1994年全国现代水彩画邀请展获优秀奖
1995年首届中国青年水彩画大展获学术奖
1996年第三届全国水彩、粉画展览获银奖
中国首届水彩画艺术展获金奖
1997年中国艺术大展-----中国当代水彩、粉画、宣传画艺术展
1998年全国中青年水彩艺术家作品邀请展
1999年第九届全国美术作品展览,获优秀奖
2000年第五届全国水彩、粉画展,获优秀奖
2001年中国水彩人物画展,获优秀奖
2002年第六届全国水彩、粉画展,获铜奖
中国水彩名家邀请展
2003年中国小幅水彩画展,获铜奖
中国粉画展,获优秀奖
今日中国美术展览
2004年第十届全国美术作品展览,获铜奖
2005年应邀参加黄山中国美术论坛——中国百年水彩画研讨会.论文《写生性和民族性------中国早期水彩画简论》入编《中国百年水彩研讨会论文集》
2006年中国百年水彩画展览
中国水彩画教学与创作百年回顾展
2007年第八届全国水彩、粉画展
2008年中国当代优秀水彩画家邀请展
第三届全国青年美术作品展览，获优秀奖
中国美术馆馆藏作品展
2009年第十一届全国美术作品展览
获中国首届美术奖创作奖银奖
广东省第八届鲁迅文艺奖
陈朝生水彩风景作品展
第二届当代优秀水彩画家邀请展
2010年上海朱家角国际水彩双年展
陈朝生水彩人体作品展
广州美术学院教学科研创作突出成就奖
2011年第二届全国水彩画展，获优秀奖
第四届全国青年美术作品展览
2012年第十届全国水彩、粉画展
陈朝生水彩作品巡展——广州
陈朝生水彩作品巡展——珠海
陈朝生水彩作品巡展——普宁
陈朝生水彩作品巡展——深圳
2013年“汇彩水升”——（10+1）中国当代优秀水彩画家水彩展
2014年第二届中国青年水彩画展，获优秀奖。
2015年“百年华彩”中国水彩艺术研究。
“丰神彩韵”——中国水彩名家人体作品提名展。
主要收藏:
中国美术馆
广东美术馆
刘海粟美术馆
深圳美术馆
中国粉画馆
广州美术学院美术馆
亚洲水彩博物馆
岭南美术馆
诚丰美术馆
华彩美术馆
水彩作品及艺术评介入编《中国现代美术全集》、《中国当代美术：1979----1999》、《新中国美术60年》、《改革开放30年：中国当代美术》、《中国当代美术图鉴》、《中国水彩画》、《中国水彩画史》、《中国水彩画图史》、《今日中国美术》、《今日中国美术—展览卷》、《东方水彩》、《百年华彩——中国水彩艺术研究展作品集》等大型画册。
出版：
《陈朝生色彩教字—静物篇》、《陈朝生水彩风景》《陈朝生水彩人体作品集》《彩韵风华——陈朝生水彩画研究与创作》、《名师教案——陈朝生水粉画课稿》。
《至真至难，景物怀中》
——读陈朝生老师水彩画有感
“坚持了就一定能解决点问题，也只有坚持你才有机会碰到“难度”，并让“难度”成为施展你绘画才华和激发你创作新追求的渠道。”——陈朝生
之于艺术，古今中外，当以至真至难为最高；意造境生，隐约之中，予以物景怀中为最真。真者，于我，乃真性情、真灵魂，至情至感也；于物类，则得其真质、精髓、根本也。物我二真合德，乃为至真，非概言眼中所见之真实也。难者，难以通达而通达之，难以体现而体现之，难以高标而高标之，人所难能者而成就之，克诸难于艺术，乃为至难。如果说，生活和大自然是一切艺术创造的发祥地，那么，“至真至难”就是一切艺术探求的创作体验，“至情至感”则是一切艺术创作活动总的能源。品读陈朝生老师的水彩作品：亦物、亦景，以真返朴，至情至深。因为有了质朴无华，才会回归原始、直扑自然；因为有了真情燃烧，才会全心投入，景物怀中。
绘画的艺术性，不会脱离它的现实性而孤立存在；同时若没有高度的艺术手法，也就无从表达。我们拿一些片段的文字材料和它印证，可以看出卷上每一个人物的行动都是那么恰和他们的身分，虽然我们还不能完全确知他们的姓名事迹。我们看他人的性格，不必从文字材料所谈的那些概念出发，只向画面上看去，已经是非常生动、具体、有血有肉地摆在我们面前了。大到整个布局，小到细微的点缀，都有着它的作用，都见到画家的“匠心”。有人说，陈朝生的画体现着中国水彩的典雅和端庄；有人说陈朝生的画隐约包含了国外水彩的神秘魅力；有人说陈朝生的艺术家气质既高雅又亲和；有人说陈朝生的艺术生活总是充满着认真和严格。我个人觉得，陈朝生老师的“景物”水彩画更像是一种“性格”的瞬息捕捉，一种外部真实的内在表现，一种自然景象的高度再现。因为它不完全是此时此地的情景，也包括过去对类似此物此景的感受。
在老师写生创作的千千万万幅水彩画作之中，有那么一幅作品给老师的水彩画生涯，带来了不可忽视的转变和一个全新的起点。这幅画便是1996年荣获“全国首届水彩画艺术展”金奖的《桔子》作品。正是这幅《桔子》让老师在静物里边，体悟到一种更整体的画面力量和绘画本身的一种形式趣味。静物的一般写生是较容易的，但要在写生的过程里面感悟到形色方面的一种力量，对老师来讲便是一个转折，一个在绘画风格上往前一步的代表作品。对老师以后画风景、现在画人体、画人物题材的创作以及在形式上的一种理解上，都跟这幅作品有着紧密的联系。
“我们的亮点就是一直追求造型表达的力量感。”——陈朝生
王肇民先生说过：“真实则美，有力则美”。那么这个真实就是对自己视觉的一种理解和对生活的一种尊重，不断地在提高这个造型审美的品位和创作理念。陈朝生老师对水彩画的理解和态度，直接影响了他的绘画风格和艺术追求。当有些地方还在斤斤计较水彩画创作的这种技术特色和画种所固有的面貌的时候，其实老师早已经冲出这么一个概念了。老师的“景物”水彩作品寄情于物，在某种程度上带有开导和启迪人们视觉敏感的效能。在他手里面表达的景物总是那么的真实有力，这个来自于他个人的这种利用水彩去作为一种形式语言，去表达他对生活、对绘画的一些新的构想和追求。作为水彩训练，老师一直强调以绘画造型光色的基础和形式理解画面的构成，这么一个要求去展开。它不仅是注重技术方面的单一训练（因为对水、对媒材这种技术的运用，经过一定的实践就可以掌握),最难的技巧就是源自于画家对生活、对所要表达素材的一种个人的视觉理解和独到的发现以后，为了表达这么一个主题、一个你自己感受到的内容而挖掘出来的适合每张画的一种技巧。这种技巧具备相当的表现力，也就是说这个技巧不是固定的。
老师说：“当艺术创作进行到一定程度时，这个修养的要求一定是更综合的。除了美术的创作之外，一些优秀的电影，类似其他的文学方面，我们其实都必须去关注，而且要挤时间去努力学习各方面的内容。绘画方面要提高，它不仅是靠水彩和绘画本身，还要借助边缘的东西。电影我会关注多一些，像以前一开始在美院读书的时候，类似张艺谋导演的影片，他们其实跟绘画的形式有很多共通之处。比如说：镜头、色彩、画面的处理，都会直接影响到我们对绘画的一个画面的理解。”
水彩画自身是一个媒介潜在能量非常大的画种，而且跟其它画种之间的界限越来越得到拓宽。水彩画语言的这种丰富性，需要我们拓宽的领域其实是非常大的。这几年水彩画的现状，已经说明了这一点。所以，水彩画应该这样讲，它的造型的语言色彩这方面媒介潜在的能量，也逐渐在被开发出来。正如老师所说：“水彩画还是扎扎实实地把绘画方面的基础打好。因为对一个画种的理解和态度，跟你自身能否更全面更深入的进行一种造型的能力关系很大，它决定了你以后走的路有多宽，有多远。”
有人讲 “坚持就是风格”，坚持不是一种耐力比赛，坚持就是在不断的探求中去寻找，在不断的创作体验中去感悟，并在传承与创新理念中去思考属于个人的和绘画语言本身所蕴含的形式内容与风格表达的问题。——陈朝生
积累了无数灵感，创造了无数题材，勾勒出无数线条，水彩渗透画纸，色彩水中流动，竖起画板时整个世界都成为了陈朝生老师笔下的无数“景物”......正是经过了几十年的水彩画写生创作，陈老师早已在不间断地实践中形成了自己独有的水彩艺术风格。“对于老师而言，欣赏一幅绘画不应仅仅是视觉活动，而且应是思维活动。如果绘画只是为了表现一些景象，就会排除对人类心理的深层探索。
水与彩”是陈老师研究水性特色的造型语言，“光与色”则是陈老师深化造型语言的表现形式。在陈老师的景物绘画中，固然有对题材的分析从而达到简约和突出主题的目的，但他的绘画风格主要是稳重和简朴，而不是妖娆和骄奢；是深邃和厚重，而不是浮华和轻浅。他的绘画体现了秩序、宁静和色彩明澈的安详与和谐，然而它们却充满张力和具有恢弘的气势。在一幅画中，一切景物可能是冷静和阴郁的；而在另一幅画中，又可能是强烈和鲜活的。陈老师认为大画小画都不容易把握，大画的技术难度在于一两个月“大制作”里头要体现十分钟小速写的生动与鲜活。同样，小速写的难度则要求在简洁洗练的线条抒写和色块挥洒中抓住大画的气势和力量。小画需要画大画的胸怀与能量，大画则需要画小画的锐利与畅快。
陈老师在静物作品《蓝盘》中更是强调了光色的造型语言和对画面纯粹形式的价值探索。在此画中，主体蓝盘和其他静物置于画面正中央，以蓝、橙黄、紫红为主基调；一块儿纯黑色的衬布贯穿大部分桌面，并从桌面两侧垂置画面最底部。背景颜色只有两大块儿强烈的对比色彩，且分布几乎等同。这幅画从整体上抓住了“光”这一因素去营造和设计画面，并通过光影的分割来塑造和深化主体静物与背景之间的井然有序和明澈清晰之态，同时也传达出了一种惬意的舒适感。老师在摆设静物前的深思熟虑和精心布置，不仅需要老师执着严肃的创作状态，还需要老师能在特定感受的情境中去发现并于整个创作过程中为之付出全部心力来认真完成。这幅作品的视觉效果是带有装饰性的，也是老师通常处理画面的一种重要的手段和最真切的主观感受，并通过真实有力的表现手法把它们同某些具有生命力的形式联系起来，使其对水彩艺术语言的强调转化为老师对生活情感和艺术思想的再现与创造。
陈老师的风景作品大都是带着学生和“生粉团”的水彩发烧友们到各地写生时创作的。老师在文章《风景写生二则》中总结了“构图与空间处理”和“写生色彩与构成表现”的重要性。比如在风景写生中，首要问题是构图安排，具体讲就是选景和对景物的取舍与组合的问题。其次就是风景写生色彩问题的研究不单是写生色彩的范围，同时还要向装饰的、设计的色彩构成理论学习，其目的是增强写生效果的整体性和对比力度。老师的风景画重新回到自然，关心自然本身，叙述事物的原状，但它绝不再仅是出于视觉的愉悦，而是通过写生将身心与景象融为一体，在完成画面的“景物”构成中营造出有温度，有情感的“景象”，并开启自我反思和自身生命探索的表达。
陈老师从不忽视人物画，特别是水彩人体在他的艺术创作中的价值。老师说：“因为我的绘画创作从静物开始，之后就把静物画好了，再画风景。现在就是有这个条件在美院工作，美院有专业的模特，那么近些年我的的创作主题都是以人体为主。因为水彩人体对于国内和高校的水彩画家来说确实是难度较大的，也是一个弱项。”即便有难度，老师仍是每天下午两点半准时坚持到417人体课室写生，十年如一日地进行人体写生创作的探索。
与其说“写一生”是老师对艺术道路的上下求索，不如说是老师面对陌生“景物”的每一次未知旅行。借用老师的话：“难度蕴藏其中，风景这边独好。”
深圳宝安画院------- 张云霄
《沱川三联画》79x152cm
《沱川三联画》之一
《沱川三联画》之二
《沱川三联画》之三
《沱川系列》之一 54x79cm
《沱川系列》之二
《沱川系列》之三 54x79cm
《沱川系列》之四 54x79cm
《沱川系列》之五 54x79cm
《沱川系列》之六 54x79cm
《沱川系列》之七 54x79cm
《沱川系列》之八 54x79cm
《沱川系列》之九 79x54cm
《沱川系列》之十 54x79cm
《沱川系列》之十一 54x79cm
《沱川系列》之十二 54x79cm
《沱川系列》之十三 54x79cm
人们常说“画如其人”。这是一点也没有错。水彩画家陈朝生也不例外。看陈朝生的作品，令人感到他是一个很自信、很有主见的艺术家。在年轻一代的艺术家中，有这样的品质很难得。他在用笔、用色上似乎让人感觉不出水彩的那种挥洒自如，但是那种沉着、稳重、大气的画面效果也不得不让人折服他技巧的高超。他作品所选择的创作对象很平常，构图很平稳，但是他善于抓住平常事物的一种内在精神，加上不同凡响的精心创作，而达到艺术表现人生、表现心灵的目的。
在谈述陈朝生的作品之前，中国绘画史上的“岭南画派”就不得不提。“岭南画派”始于晩清时期的广东，他们受民主革命思想的影响，主张国画更新，反对淸末画坛的摹仿守旧，提倡“折衷中外，融合古今”。其作品生活气息浓郁，兼工带写，彩墨并重。这在陈朝生所创作的水彩风景画中尤其体现明显。在风景画中，本可以最好的体现出“水”的灵性，也是水彩艺术家所要追求的水彩效果之一，但是陈朝生却不是在玩水的韵味，更多的是在关注“彩”的凝重，有意无意的暗合了“岭南画派”的诸多绘画特色。这也是他的水彩风景有画别于他人的个性体现。
---------叶子
《普洱》之二 54x79cm
《晚霞》 54x79cm
《城中老屋》 54x79cm
《民屋》 54x79cm
《潮汕人家》 54x79cm
《雨过》 54x79cm
《山里》 54x79cm
《屏山老屋》之一 79x54cm
《屏山老屋》之二 79x54cm
《屏山老屋》之七 54x79cm
《屏山老屋》之八样 54x79cm
《屏山老屋》之九 54x79cm
《屏山老屋》之十 54x79cm
《三江侗寨》之一 54x79cm
《三江写生》之二 54x79cm
《三江写生》之三 79x54cm
《三江侗寨》之四 54x79cm
《三江写生》之五 54x79cm
《三江写生》之六 54x79cm
《山中石桥》 54x79cm
《梅州写生》之一 54x79cm
《梅州写生》之二 54x79cm
《梅州写生》之三 54x79cm
《村里的网吧》 54x79cm
《古寨》 54x79cm
《晴天》 54x79cm
《午后》 79x54cm
《南澳老屋》 79x54cm
《海风》 54x79cm
《晴日》 54x79cm
《落日》 54x79cm
《余晖》 54x79cm
《惠州写生》之一 54x79cm
《惠州写生》之二 54x79cm
《惠州写生》之三 54x79cm
《惠州写生》之四 54x79cm
《惠州写生》之五 54x79cm
《停泊》 54x79cm
《斜阳》 54x79cm
《暖风》 54x79cm
《老墙》 54x79cm
《澄海老屋》之一 54x79cm
《澄海老屋》之二 54x79cm
《傍晚》 39x54cm
《纸飞机》 51x79cm
《景·象》
—简析风景写生作品的自觉性和创造精神
“景·象”中的“景”有风景、景物的意思，如《醉翁亭记》中的“四时之景不同”，即指风景，景致的含义。而“象”在这里就不仅是描述样子和形状了，除了物象和景象的词义，似乎从“视象”的层面更容易领会它所包含的深层内容与精神了。
“视象”也即光或色彩剌激停止作用后在大脑中暂留或浮现的印象与相呼应的图像。在色彩学中我们就常常了解到关于“视象”的知识，如同时反应中的补色现象。当然“视象”告诉人们的不是一种僵化的条件反射和格式化的视觉反应。美学家对翻译家“视象”的著述便能使我们体会到“视象”的魅力与重要性。如果译者在诗“视象”中传递的只是具体的内容和信息，缺乏其想象以及意境美的“视象”挖掘与再创造，就不能很好传达出原诗歌的内容、情趣，我们对视象的研究便失去其实质意义。
因此，我们可以这样理解“景”与“象”的关系，“景”是直观的景物再现和对自然的感官描述，“象”是由景而触发的个人视象和心境映像的体现。前者是对大自然形态与光色的感知和判断，后者是由景到人，再由人到景（升华了的景），情景交融，在艺术家内心酝酿、蜕变而生发的，具有一定情感价值和思想内涵的心象流露与“视象”的自觉呈现。
美国现实主义水彩大家怀斯就说他的写实水彩是抽象作品，这说明画家在“视象”的载体中已探求到景或人物之外更纯粹的艺术精神和思想内容，而不是停留在对景的再现与单纯的技术演练上。正如他评论自己时说的“我的作品在写实中有个人的幻想，有一种可以称之为抽象的激动。”马蒂斯也对他的作品说：“我画的是作品中的女人体，而不是模特”。这充满幻想的激动和自由灵动的女人体便是画家锤炼并营造出来的，具有艺术家情感价值与品质追求的“视象”作品。俄罗斯音乐大师柴可夫斯基说的一句话更令人震动和佩服艺术家对景象的想象力和创造力。“独自站在夜空下他听到地球转动的声音。”这声音就是自然景象在艺术家心灵深处造化而幻化出的活的、音乐般的“视象”景观。
对景物与视象的解读，强调的是写生中的创造精神与创作表现的源头问题，问题的追究可以让我们明白并树立起更为积极进取的写生态度与自主探索的信心。“景”与“象”不是互相孤立，“象”是对真实的“景”的重新发现，“景”是艺术家视象与心象建构和创造永不枯竭的源泉和动力。“景”是在自然中蕴藏着抽象的艺术法则，如造型、光色和空间等对比与韵律，“象”是在抽象的视觉图象中揭示和反映着自然界的成长规律与生命态势。
日本风景画大师东山魅夷一生热爱旅游和风景画创作，从他早期的北欧风景画创作到他扎根日本乡土的作品，我们可以看到画家在风景写生与创作中逐渐形成他个性鲜明的、具有东方传统和现代精神的风格语言。我想当画家离开对景的感受和全身心的投入与热爱，也就缺失了与风景相呼应，与自然相交融的创作基础。唐月梅在《东山魅夷的世界——与风景对话》中，是这样描述他的创作心境的：“作为日本风景画家，他首先感受到自然是有精灵的，有生命的。他作画都是紧紧把握住自然生命的律动，获得心灵的感知，使自己的心灵与自然的心相通，并将对自然的感动作为其创作的感情基础，从而发现美的存在。”
风景写生无疑是绘画初学者或专业画家亲密接触大自然，获得表现激情和创作灵感的有效途径。写生的过程能否摆脱按图索骥的技术套路和被动描摹的写生惰性，让写生中对技法的发挥和锤炼与艺术情感的体验自始至终融为一体，那么对“景”与“象”的理解，以及在实践中所采取的姿态与自我发现的探求精神就显得格外重要了。从怀斯、马蒂斯到东山魅夷的作品，说明的就是这个问题。中国古典画论“外师造化，中得心源”，诠释的也是写生中对景象的生命气息和力量感的领悟与“视象”意境美的自由抒写和创造发挥的重要性。
在相机代替速写本的今天，利用照片画风景的弊端在哪呢？有一位朋友说了一段话，让我倍感写生现场的鲜活和珍贵。他说：“一阵风吹过，会影响你画一条线条或一块颜色的，而当你躲在室内画图片上的风景时，是永远不会有风向你吹来的”。当然，利用图片创作是另一个层面的问题，图片对艺术家来讲只是提供参考与启发，把图片当作符号与工具的图像时代，图片的运用和意义已超越图片本身，成为当代艺术家的思想表达的精神载体与语言符号了。缺乏写生能力而滥用图片的问题，反映的是画家表达能力和审美层面的不足。一个绘画表达能力强的画家，他画图片会画得象写生一样生动感人，而绘画基础薄弱、审美修养低俗的人就是画写生，也会画得象拷贝照片一样呆板乏味。说到底，“景”的存在与画家主动表达“象”的深度和力度是离不开视觉语言的训练，审美品质的提高和文化素养的积淀的。中国两位水彩写生大师李铁夫和王肇民的经典作品和写生创造所达到的高度，也许可以给我们提供更多更深的启示和关于“景”与“象”的思考。
------- 陈朝生
《蓝盘》108X59cm
《红窗记忆》79X108cm
《藤椅》79X108cm
《绿瓶和桔子》108X79cm
《桔子》78X76cm
《谈静物的不同表现方法》
静物作品跟其他题材的作品内容一样，不仅是人们对恢弘的自然景象和多姿多彩的生活的深刻反映，同时也是艺术家自我意识、情感、理念的充分表现。艺术的本质在于表现，不同时代、不同画种甚至同一作者在不同时期的作品，都会因其理解上的差异和表现媒介的特性以及表达方式等方面的不同而使技法变化多端，异彩纷呈。因此，在不同的表现方法中将抒写出各自独特的情感内涵，激发着人们对现实生活的不同感受和美的联想。
下面我们从写实、写意和装饰三方面概要地对不同表现风格的技法做一点分析和研究，以期进一步了解绘画表现的本质特征与创作规律。
写实技法
水彩画的媒介特性兼有东西方绘画观念，在写实技法上偏重西画对客观世界的观察与分析，其中具象造型、塑造光色是它显著的艺术特征。它具有对物象摹仿、再现方面的功能，是以造成具体物象真实感的、符合视觉科学的方式体现出来的。
静物艺术作为独立的画种已有三个多世纪，它具有独特的欣赏和审美价值，是高品位的艺术门类之一。其中，写实静物还作为美术基础训练和专门研究形体结构的有效形式。写实静物的技法处理在意境、造型和色彩等方面的表达上，有它自己的形式规范和技能特征，是与视觉因素密切相关的艺术形式。
写实技法既可准确地再现静物的外部特点，也可通过作者富有寓意的组合和巧妙构思及丰富而简练的描绘来着意追求画外之境，从中显示人类对物质世界的存在、组合与分解的严肃思考，这是人与自然情感交融的富有意味的表达。
18世纪夏尔丹的静物画概括、洗练而富有诗意，在静物画发展史上有新的艺术含义。一位法国评论家说，在夏尔丹之前，法国只有静物画，自从有了他，才开始了静的生命。“静”的生命一方面来自绘画技法上的炉火纯青，另一方面夏尔丹敢于突破17世纪以来欧洲静物画的一般表现形式和单调的模式，在画面构思上赋予浓厚的生活气息和新的意趣。如《切开的鱼》、《有烟斗的静物》等，以其单纯朴实的画风，使严谨的写实画面焕发出自然、抒情的诗意美感。
写实技法在造型上是以静观的视觉经验为起点，严格遵循西方几何造型和光影塑造而发展的。首先，作为美术基础训练，写实技法必须恪守三度空间的造型概念，并按构图和透视、解剖等原理与规律来完成对形和空间的理解。在水彩画界曾对造型观有一个偏颇的定论，即水彩能画光色却难具造型分量。事实上，难具造型分量与水彩材料本身特性及技法没有直接关系，浑厚坚实和震撼人心的造型力量并不青睐于特定材料和高超技法，而是与绘画造型能力及相关涵养有关。评论家说王肇民的静物(苹果)画出一个米开朗基罗，就是一个有力的证明。其次，当造型作为专门对形体结构的研究和探索造型美背后的有意味形式时，作者的主观思想就支配和控制了写实技法的内容与追求，形式美感的个人体验代替了公式般的数理关系，要求写实的形体(手法)及画面构图与特定的形式能有机地融合起来。具体地讲，就是把“具有普遍意义的形式归纳、推演并诉诸一种相对独立于具体物象的某种法则或理性观念，使之成为绘画创作和欣赏中的审美规范”。在塞尚的眼里，自然界的一切都成为类似圆球、立锥体、圆柱体了，从他的作品中就可感受到这种充满激情和有意味形式的力量。应该说写实技法在他手里承载了新的艺术含义。当代美国水彩画家魏斯的作品，都是通过写实造型手法来表现他对生活的激情和对事物充满强烈的离奇的幻想，在他的画面上，写实技法不仅是概括、提炼物质世界，而且是对精神世界的一种深层体验和挖掘。在逼真与酷似的技巧中隐喻着宁静、纯粹的情感——种伤感、孤独和深沉体验的情调。
写实色彩技法一直以来都是沿着西方一条光影色彩分析路线与一条造型几何分析路线交替运动交织发展的，光影的色彩表现不仅是西方绘画的重要造型方法，也是西方画家表现情感的一种重要手段。如早在文艺复兴时期，西方美学家就提出美要以产生颜色的光线为主要尺度，18世纪的艺术史家希尔特也毫不含糊地把光和色视为艺术美的八大特征之一。在光学、物理学、透视学的推动下，西方画家创造了一种外光描写的方法，用色调表现光、空气的变化，将现实分解为光线、色彩的纯视觉印象加以深入研究。至现代，随着光学，色彩学的发展，又一次丰富了西方绘画的色彩表现力，色彩作为独立的形式语汇的意义及其精神内涵更是被彻底揭示出来，色彩的表现力得以强有力的发展。
色彩写实技法根据其作画的性质与目的，可分为三类1．以素描法画色彩。这是以短期作业为主的速写性作业，即先处理画面素描关系再调整其色调效果，色彩明度的变化对形体结构的塑造起关键作用，色彩关系完全依赖于对形体明暗变化的理解，造型特征在画面中占据着主要的位置，也是重点表现的内容。2．印象派的色彩画法。这种画法着力于自然物体的外观在视觉上留下的光与色的效果，是一种视觉真实的表现。其观察方法比印象派之前更深入、更科学，它把光影的变化直接当作绘画表现的重要属性来研究，题材和造型仅作为表现光影的媒介，在对形体和光的表现中色彩自身建立了自己的结构和规律，色彩的写实法则不同于单调的明暗画法和任何幻想与模仿的做法，比以往更注重准确地再现所观察到的世界，更重视个人对大自然的色彩和光线的认识和审美感受。3．表现性的色彩画法。作为写实画，它并不完全违背印象派的色彩原理和技能特点，但在色彩与画面形式的结合处理上，变得更为主动和灵活。作者受其艺术信念和理想的指导，不是以理智和客观的观察为基础，而是要求超越静物外表的一般概念，追求画面内在的力量和想像。所以，它不局限于局部与自然的对应关系，而且更侧重于进入整体色彩结构之中的综合表现价值。
写意技法
“写意”这个词是从中国水墨画那里借用过来的。写意是一种表现手法和艺术风格，它要求水彩技法在表现上要打破所依附的自然逻辑与标准，以独特的意象造型和主观感悟去超越具体的时空限制，“外师造化，中得心源”，使客观景物作为主观情感的象征，而非客观的真实描绘。写意技法相对写实技法来说，更突出其对物象把握的随意性和主观性，视觉逻辑将依附于心灵的逻辑，即一种心灵的体验，从而使水彩写意艺术的审美追求趋向于画面意境内涵的品格特征。水彩画的写意技法具有东方的艺术观念，又不同于水墨精神，在中国土壤上水彩画因其特性的觉醒而力图超越西方传统的写实规则，但又未能抛弃西画的光色表现，以及“西式”的水韵含义和水彩媒介本身的表现潜力，这是水彩写意技法的特征和困境。它在意境、造型和色彩上的认识与处理有别于水墨的写意和西方写实技法，因为它有自己的艺术规范和审美要求。
由于水彩媒介的特征和潜质兼备了东方绘画飘逸、单纯的品性，故从水彩画透明、洒脱、空灵等特色中便可体察到它所蕴涵的写意内涵，在写意技法表现上水墨可为水彩提供最贴近的借鉴。如写意技法所追求的水色淋漓、虚灵淡远、浑然一体的意境与中国画所追求的气韵生动、似与不似、情景交融的艺术情趣相似。当然，这当中除了艺理技法的采纳，更重要的是对精神内涵的熔铸，只有从各自的艺术观念、语言特征和美学思想去窥探其存在空间，才有可能在诸种艺术形式和手法的碰撞与反复激荡中融会贯通，使源于西方却有东方神采的水彩画从本质上领会东方艺术的精髓。
写意技法对意境美的追求有它的形式规范和特点：1．水彩写意技法并非水彩观念建构的唯一载体，其中淋漓水色、笔触、干湿浓淡的变化皆应属于西画物象刻画塑造的视觉需要，水彩韵味蕴藏在对物象形体光色的表现中。2．水彩画写意技法强调主观表现的绘画性，为减低对自然的被动描摹常融入新鲜活泼的速写形式，采用大刀阔斧、大物挥洒、酣畅淋漓的“速成”方法来发挥水彩画流动、洒脱、单纯的语言优势，突出写意的审美特征。3．以主观印象的自然覆盖客观存在的自然，在“似与不似”的距离中充分发挥艺术家的主观能动性，强化写意中的抒情性和偶一然性。4．湿画法是意境表现的重要技法，水彩因其干湿度的不同而使颜色的分布、流动富于节律变化，这种水韵特性的灵妙运用，将给画面带来虚实感、空灵感和层次感。
写意技法在造型上明显受到水墨画造型观念的影响，主张形随意转，以意出发驾驭“形”，形的随意性和自由度在这里得到彻底释放，这从写意水彩中带有简约、优美自然的笔致趣味中，便可体会到其恣意挥洒的品性和不拘泥于光影细节的写意气势。
在意象造型中，注重的是画家的主观意识与思想感情的表现，反对呆板乏味的纯客观描写，并削弱对细致入微的光影变化和色彩冷暖的表现，从而使水彩画的造型意识能直接呈现出画面韵律和意象内涵。王涌所创作的具有写意特色的静物，如《深秋的光》、《追忆中的蓝色》等就是充分发挥水彩透明、渗化、浸润等特质，并在凝炼而洒脱的造型中融进了水墨的写意形式，在画面中形成了畅快、灵动的意趣效果。
写意色彩与写实色彩在观察、理解和表现方式上是截然不同的两个世界。写意色彩观是以表现物我照映的意象式的彩色世界，它强调运用主观表现对象，要求色彩服从于主观精神的表现，即根据达意的需要，以内容(精神感受)决定形式(色彩)，色彩的真实性不是作为对主体个性挖掘的惟一途径，而是要色彩依附于心灵，旨在形、神、意、色兼收。
写意色彩与印象派画家再现真实的视觉色彩的技巧不同，它更多地吸收了表现性的色彩造型方法，重在色彩表现样式与写意精神相对应的关系上，它略于客观自然光色的深人探究却敏于整体情调与宏观色相的把握，要求色彩概括提炼，使其与整体氛围呈现一个单纯超脱的意象景观。
装饰技法
装饰是造型艺术的一种重要表现手法和创作风格，与写实风格相反，它脱离了人们在正常视觉下感受到的准确的透视、明暗、色彩以及基本的造型规律，在表现上注重主观理想和夸张的形式语言，对缺乏形式秩序的自然原形要进行加工和再创造，使之形成富有条理性和规律性的装饰画面。这种作品往往呈现静止、程式化、规格化(如垂直、平行、对称、几何形状等)、条理化等特征。
装饰技法的形式美感及表现特色，可集中在构图、造型与色彩三方面来作分析和研究。
饰性的构图是理想化的构图，它打破了严格意义上的时间和空间观念，没有固定的视点角度和准确比例关系的限制，画面的组合与构成更显自由和灵活。不但可以表现人们在不同时间、不同空间所见到的，在同一画面上，也可以表现人们所能想到的、富有夸张和浪漫主义色彩。手法上通常运用平面化来表现空间，并借鉴图案设计中点线面图形元素的节奏、呼应、均衡、对比等变化，使多元的空间意识在不合理中觉得合理和有序，在丰富多变中产生装饰性的构图趣味。
装饰性画面的造型常有不同程度的变形，这是画家根据自然界变化规律及共性特性，加进个人主观想像提炼而成的结果。
装饰是侧重于“形式”地表达对象的技法，其“形式”本身就是一种对生活形象作高度地概括、提炼、升华和理想化的艺术样式。装饰的画面具有一种形式美感与艺术魅力，在现实生活中可供直接利用的、符合特定主题内容的形式并不多，这就要求我们必须大胆地去对自然原形加以创造和锤炼，而形式创造最根本最关键的就是对形、色彩的变化规律和审美情感的把握。
关于如何按照“形式美”的法则对形进行装饰变化，主要有三种方法供参考：
1．从物象结构或画面构图的整体态势出发进行变形；2．基于感性认识或感官联想的变形；3．以几何形态为准则进行变形。变化的结果和表现力将取决于每个人的绘画基础能力、文化修养、创作经验及性格、气质、好恶等。
装饰色彩是理想化象征的色彩，与自然主义的色彩表现技法不同，它虽取之于自然，但不是对自然的写生照搬，也不是完全丢弃客观物象的色彩凭空臆造，而是在遵循对象色彩个性特征的基础上，依照主观愿望和艺术设想对缺乏条理和形式感的色彩进行提炼和归纳，以夸张、对比、转换等手段使画面的点、线、面或色块的节奏和韵律等装饰意味得到增强，并赋予色彩以新的精神内涵和象征意义。
装饰色彩技法的特征是：1．色彩愈单纯简洁，其装饰性就愈强。2．色彩愈是平面化处理，其装饰性就愈强。3．色彩愈统一，其装饰性就愈强。4．色彩愈提炼和具个性情感，其装饰性就愈强。
装饰技法是绘画创作中重要的表现形式，甚至在写实技法中也离不开对装饰手法的借鉴和运用。奥里埃说过，只有装饰的绘画才能同时是主观的、综合的、象征的和观念的。这是对装饰性绘画技法的认同和肯定，同时也为高扬主体创作和探究绘画表现本质指明了技法的拓展之路。
--------------陈朝生
《绿苹果》54X75cm
《石榴》54X79cm
《瓷罐子红果子》54X79cm
《侧面来光的静物》54X79cm
《蓝凳和红李》54X39cm
《番石榴》53X76cm
《画框外的静物》54X79cm
《有中式风格衬布的静物》54X79cm
《香蕉和苹果》54X79cm
《红与白》54X79cm
《梨》54X79cm
《红李与鲜花》 79x54cm
《有快餐面的静物》54X79cm
《红布绿布白盘子》54X79cm
《红红的莲雾》54X79cm
《暖调静物》53X76cm
《苹果与菠萝》54X79cm
《红瓶与鲜果》53X76cm
《有红衬布的静物》 54x79cm
《红辣椒》54X79cm
《黑罐与红果》54X79cm
《蓝凳和琵琶》54X39cm
《蓝瓶和鲜果》54X79cm
《罐和鲜果》54X79cm
《有花布的静物》54X79cm
《红果与蓝罐》
《蓝瓶和桔子》54X79cm
《茄子》54X79cm
《已切开的木瓜》54X79cm
《有杨桃的静物》54X79cm
2016年3月26日
《景物怀中”陈朝生水彩画展》开幕式花絮：
广州美术学院党委副书记黄启明开幕致词：
尊敬的各位领导，各位来宾，各位朋友，大家下午好！今天非常高兴，在这个春暖花开的时节，来到柯木塱艺术园，参加陈朝生老师的展览开幕仪式。首先我代表广州美术学院对展览的开幕表示热烈的祝贺。陈朝生老师，他长期从事教育事业，水彩画方面的工作，那么，他在教学实践中一直不断地探索，我们最早看到他的作品的时候，是全国美展的作品，那么一直在中国当代水彩画的领域里面中青年他是一个佼佼者，在广州美院，在广东，在全国他都是佼佼者。在这里，我感觉到有两点感受，一是我感受到学院的精神，一个是我感受到一种人文的情怀，这个学院精神，从陈老师的作品中，他的造型，我们可以看到，他一直坚守着承传着学院这样一种造型的精神，这个实际上是学院价值的重要的地方。那么他在这个造型领域里人物、景物，静物各方面的探索，一直坚守探索；人文情怀，他画静物，画风景，画人物，我们可以看到，人的精神，人的情怀，为生活，为当代艺术的研究，所以他的作用不仅仅是技术技法的熟练，更多的是一种思想文化，所以在这里，感受到他的水彩画区别在技术技巧里，不断地出好作品，最后祝展览成功。
原广东美术馆馆长罗一平致辞：
其实没有不美的自然界，没有不美的自然对象，只有看你去不去在最普通的景物中，发现诗的意境，发现音乐旋律，光的流射，黄启明书记说这是一种学院的情怀，坚持的人文情怀，你能不能在最普通景色中找到这些，没有讲不好的故事，就看你从哪个角度，就看你使用什么语言，就看你投入了什么样的情感，有情感，合适的语言，你就能够讲出动人的故事，他画水彩的对象，都是极为普通的我们每天所见到的我们每个人在这个所见到的景物上，在这样的一个时代，我们会忽略他，但是，就是像朝生这样的，一代艺术家，一代广美人，他们从岭面画派走过来根本是关注现实，融入东西，他们把这个目光从纷杂的世俗的社会中回到生活中，自然中，最平凡的角度，最平凡的场景，用一种人文的精神，用一种诗的语言，用一种光泽厚实的笔韵，他把我们的自然描绘地如此动人，他的语言足够的即有西方英国水彩，也有法国现代主义，后印象主义塞尚，也有美国水彩，也有王肇民先生一路走来的广东水彩所特有的味道，他的水彩，能够清晰的告诉大家，广东作为中国水彩重阵，是言之绰绰，当之无愧的，他的水彩也告诉了大家，作为潮汕人，作为广东人，作为一百年来，我们一直处在一种对中西方对接最前沿的，对现实关怀最执着的这样一个绘画阵地最年轻的一个 他的坚守带给我们的享受，他的坚守带给我们的启示，所以我想在朝生的这个水彩中，我们真的是觉得的生活很美，真的是觉得现实很多东西有待于让我们去发现，真的让我们觉得，仅仅是通过手机的镜头，相机的镜头去捕捉生活是不够的，他让我们有了一个欲望，让我们拿起笔来，让我们走向民间，让我们走向自然，我们慢慢的在这种破烂陈旧的景物中，在这咱田野中，细细流畅，慢慢地观赏，在这里，可以感受到人生的最美最美现实的东西，同时又能培养我们的语言的能力，把我们所观察到的这种美，通过我们的笔表现出来，我想，今天在这里最陶醉的当然是朝生老师，当然人也陶醉了我们所有在场的人们，同时也陶醉了他的领导我们的黄至，也陶醉了他的顶头上司龙虎教授。所有的这些都是在告诉我们，只有有情，只要我们在琢磨它，在坚持它，我们一定能创造出很多很美的作品，让这个世界不仅仅是物欲横流，让这个世界充满这种人性的对待，我就讲这些，谢谢。
广州美术学院教育学院院长龙虎致辞：
刚才黄书记讲得很精彩，接着我们的大理论家罗一平老师点评朝生老师的作品的精神，我们今天聚会在这里的所有来宾，对陈老师的作品都非常熟悉，我跟朝生老师共事了有二十多年了，我从另外一个角度来说，朝生呢，他在我的眼里，他总是默默无闻。在他的艺术中在他的教学过程中，他和所有人最大的不同就是少讲话，多做事，他是一个优秀的艺术家，同时他又是一个特别合格特别负责任的老师，在我们广美在整个水彩学科建设发展到现在相对比较稳定成熟的时期，我想，陈老师是这个里面呢做出了最大的贡献，当然陈老师除了自身的追求，自身的艺术境界发展，他还通过他本身的资源，推动广美水彩，包括我们的本科生，研究生，还有我们的高修班的学生，陈老师运用他的资源，为学生们做了很多推介展览和介绍，陈老师是最好的推手，我想广美水彩有今天这种影响力呢，陈老师应该是最好的推手，陈老师为广美水彩，为我们学生在背后做了很多事情，他的境界，不用我多说，做的事情做的工作，汇报一下，他现在还年青，广美的水彩是年青人的天下，广美水彩需要不同的年份，不同的辈份的水水彩画是广州美术学院一门重要的学科，杨小彦教授就讲过，在广州美院水彩画拥有自己完整的艺术体系和学术传统。的确，李铁夫、王肇民、胡鉅湛等大家富有开拓性和创造精神的建树与指引下，使后继者们能站在较高的艺术层面来进行各自的水彩创作研究，龙虎老师等艺术家在继承学院传统的基础上不断激发出他们更具个性与创新品质的艺术内涵，而广美新生代青年学子深知厚积才能薄发，他们在强化学院绘画功夫、拓宽艺术视野的同时，也努力挖掘自身潜质和独自的视觉语言风格。
广州美术学院的水彩创作，最为难能可贵的是，在当下更多元化建设的局面中仍然重视并焕发出一种学院传统写生的生机和有别于传统技术的新气象。写生便是我传授学院水彩精神的承传途径，也是景物与我对话和交流创作的方式，写生不单能提高我的绘画表现能力，也能让我更深入去感悟写实造型的魅力和景物色彩表达的力量感。
今天，在我的312工作室展出了我在汕头大学个展的部分作品，在尚艺空间这里展出的是我近年来教学上的写生作品，希望能给大家带来写生的新气息，也盼各位专家和朋友给予批评指导。彩老师来推动，那么朝生老师是当仁不让的旗手，谢谢大家。
广美教育学院水彩系主任陈朝生致辞：
水彩画是广州美术学院一门重要的学科，杨小彦教授就讲过，在广州美院水彩画拥有自己完整的艺术体系和学术传统。的确，李铁夫、王肇民、胡钜湛等大家富有开拓性和创造精神的建树与指引下，使后继者们能站在较高的艺术层面来进行各自的水彩创作研究，龙虎老师等艺术家在继承学院传统的基础上不断激发出他们更具个性与创新品质的艺术内涵，而广美新生代青年学子深知厚积才能薄发，他们在强化学院绘画功夫、拓宽艺术视野的同时，也努力挖掘自身潜质和独自的视觉语言风格。
广州美术学院的水彩创作，最为难能可贵的是，在当下更多元化建设的局面中仍然重视并焕发出一种学院传统写生的生机和有别于传统技术的新气象。写生便是我传授学院水彩精神的承传途径，也是景物与我对话和交流创作的方式，写生不单能提高我的绘画表现能力，也能让我更深入去感悟写实造型的魅力和景物色彩表达的力量感。
今天，在我的312工作室展出了我在汕头大学个展的部分作品，在尚艺空间这里展出的是我近年来教学上的写生作品，希望能给大家带来写生的新气息，也盼各位专家和朋友给予批评指导。
在景里
在物中
在艺术家的笔下
每一个画面的艺术品质
自然而然地提升了我们的审美能力
——徐彬
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