2015-01-09 23:02:01
一．常见舞台摄影的特点及运用方法
1．作为一名业余摄影爱好者，常用的拍摄方法是摆拍和抓拍，而在拍摄中摄影者和被摄对象之间又产生了相对“动”与“静”的四种状态：以静取静，以静取动，以动取静，以动取动。舞台摄影的特点：就是在固定点上，掌握好拍摄瞬间——抓拍，采用是以静取静，以静取动的方式。
舞台摄影的拍摄位置：一般剧场要求秩序井然，摄影者座位固定。如何选取固定点，则取决于拍摄的景别、表现意图和镜头焦距，常用的拍摄位置：一是在楼下第五排左右靠中间走道边的位置，这个位置使拍摄者前后活动较方便；二是在楼下一排正中偏左右一点，便于拍摄演员进入舞台时的“亮相”动作的中近景；三是在二楼第一排正中位置，便于拍摄大场面，避免前后演员之间的重叠，有助于全景画面的完整性。
舞台摄影的器材选择：最好使用反应灵敏的单镜头反光数码相机，以便抓瞬间，如果使用便携式数码相机，最好选择那些时滞较小的相机，否则拍摄话剧等还勉强可以，但拍摄舞蹈或戏剧开打等动作节奏较快的画面时，显然成功率就很低了。因为相对于单反数码相机而言，消费级便携式数码相机的劣势在于: 1、对焦速度慢； 2、高感光度的细腻表现力不够，在高ISO下画面粗糙； 3、快门延迟太慢； 4、光圈不够大，影响进光量。这些相对于消费级数码相机来说可以认为是“硬伤”的了。
不同剧种、不同剧目的演出对镜头焦距的要求也不尽相同，一般为了拍摄演员的中、近景，带上一只70—200mm 或35—105mm含有中焦的变焦镜头，则用途更广泛，也更适合舞台摄影的需要。
在舞台摄影中使用独脚架或三脚架是很必要的，因为舞台灯光往往是照明度偏低，拍摄对象又经常在运动中，所以拍摄时手持相机的稳定性控制就比较困难了。有时为了追求动静结合的画面效果还要采用慢速快门来拍摄等，有了独脚架或三脚架相助，成像的成功率就大大提高了。
2．舞台摄影的光线通常依靠舞台现场灯光照明，不允许使用闪光灯拍摄。从摄影角度来看，舞台灯光有其显著的特点：一是演员受光与背景受光的差别极大；二是演员在舞台不同位置的受光也存在明显差异；三是常常使用有色灯光渲染舞台效果；四是具有多种光型，变化多端，如正面光、侧面光、脚光、顶光、逆光、追光；五是灯光的亮度相对于室外自然光来说，要弱得多。
舞台摄影的曝光（主要是指光圈、速度、ISO及白平衡等）掌控是比较麻烦的事。一是曝光量会随着舞台灯光设计以及演员在舞台的方位而变化；二是主体与背景光比极大，你不能简单地依赖常规测光。如果你使用自动曝光，必然会产生主体人物曝光严重过度的效果，这是由于大面积亮度较低的背景愚弄了测光系统。因此，舞台摄影常用手动档来不断调整光圈、速度、ISO，同时使用点测光方式对舞台摄影是非常有效的使用手段，测光部位应以演员脸部为主。在拍摄中，你千万不能光圈、速度、ISO一次调整完，便一劳永逸了，要知道我们的视觉感受对演员在舞台位置变化而引起的亮度变化并不敏感。演员从舞台前区走到舞台后区，足以产生二、三档光圈的差别。勤测光、勤调整是改善舞台摄影曝光的窍门之一。当你取得了演员脸部的测光值后，往往还要决定是否要作调整的问题，如果背景对你的拍摄无关紧要，则可按测光读数曝光；如果你希望背景也能有较好的表现，则应在测光读数的基础上增加曝光，要知道成像中的背景往往比现场看到的要暗得多，包围曝光又是值得采用的。
3．舞台摄影的瞬间摄取与巧妙构图是剧照作品的关键，如果你要适时抓拍出一些出色的舞台剧照，就必须对要拍摄的剧目内容、表演形式有所了解，有所准备。提高舞台摄影成功率的一个窍门是在拍摄之前要熟悉情况、了解剧情，做好功课。只有这样才能对剧情的进展、高潮或精彩的瞬间的知晓有个提前量，相应确定好拍摄位置和合适焦距、曝光量，胸有成竹地进行拍摄，便于拍出较为理想的舞台摄影作品。
就整组剧照的取景构图来说，应根据剧情的主要情节及场景的变化，事先有一个大体的考虑。什么时候拍全景，什么时候拍中景，什么时候拍近景或特写应该事先在心中有个谱。值得注意的是，剧照的大场面全景不宜多，而主要以近景或特写为主，以便拍出一些传神、动人之作。在进入剧场后，可以先仔细阅读一下节目单，从中大致了解剧情、主题、主要演员及其担任的角色等，并大致考虑何时为演出的高潮，以便拍摄时早作准备。如果剧场内、外贴有该剧演出的剧照、文字，也可以仔细地观赏、琢磨，以便从中获得提示与借鉴。
二．舞台摄影的拍摄实例
尽管舞台摄影都有相通之处，但舞台艺术的表现形式以及表演技艺都不尽相同，因此，舞台摄影需要突出各自的特点。
1．舞台表演中相对有静与动差别，戏曲中分文戏与武戏之分。
以静取静：即以固定点来摄取相对静止的表演（举例），如戏剧中的文戏、独唱、话剧、音乐会以及演讲会等。拍摄时光圈可以大些，ISO不必太高，不要求速度快。
以静取动：即以固定点来摄取相对大运动的表演（举例），如戏剧中的武生武打、舞蹈、杂技等。拍摄时要求速度快，提高ISO，光圈可略小些。
2．根据舞台表演形式的不同，拍出不同的表演特色。
京剧（举例）：传统戏的程式比较规范，舞台背景简单，一桌两椅较多，灯光也比较统一，除了文戏和武戏的速度不一样外，其他还是比较容易掌握的。现代戏就不同了，舞台布景较丰富，灯光多变，有的还增加了群舞，拍摄时要熟悉剧情，不断调整相机。
舞蹈（举例）：舞蹈是以形体动作为表演手段，是通过各种舞姿来表达和抒发人物感情的。舞蹈的种类很多，各具特色，拍摄无疑也会各有特点，如拍摄舒展的芭蕾舞、奔放的民族舞、强劲的踢踏舞等各有差异；又如单人舞优美抒情、双人舞配合默契、集体舞富有韵律等等。总体来说，常拍的舞蹈画面包括大幅度的跳跃、急速的旋转、抒展的舞姿、诗情画意的集体造型等，拍摄速度要掌握得当是很重要的。
歌唱、音乐会（举例）：除了美妙歌声外，演员的表情及肢体语言是极为丰富的，有时乐队表演也穿插其中。拍摄演唱者常用中景、近景，光圈可放大些，牢牢抓住演员的表情动作。拍乐队大场景光圈略小些，用脚架支撑。如拍摄局部演奏者、乐队指挥就要随机应变了。
3．根据演员的表演行当、角色、演技的不同，拍出不同的形象与神态。如帝王的威严、文官的洒脱、武将的英武、书生的儒雅、老生的苍劲、丑角的油滑；娘娘的华贵、闺秀的清雅、丫鬟的俏俊、老旦的沉稳等，都要分别在作品中体现出来。要根据剧情的变化，把人物的喜怒哀乐表达在作品中。而拍摄演员神态中最为重点的是眼神，尤其是特写中的目光眼神，无论是瞪、望、瞥甚至是闭，均要恰如其分，恰到好处。
总之，在多年的舞台摄影实践中，体会到与普通摄影相比，舞台摄影必须掌握四个关键要素：固定位置、稳定相机、不用闪光灯、手控调整。相信只要大家通过实践——积累——坚持，一定能拍出丰富多彩的舞台摄影作品，并祝愿各位在舞台摄影活动中获得无穷的乐趣！
联系客服
