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一说巴黎的博物馆，大家会首先想到卢浮宫，其实奥赛博物馆才是巴黎人民乃至法国人民的最爱。这座被誉为“欧洲最美”的博物馆，坐落于塞纳河畔，1986年底建成开馆，由建筑师维克多·拉鲁（Victor Laloux）为 1900 年万国博览会设计修建的火车站改建而成，主要陈列 1848 年至 1914 年间创作的西方艺术作品。
认识一个“地道”的巴黎小哥哥，他强烈建议好几次，一定要去奥赛博物馆。还有一位教法国文化的老师，每次提奥赛都神采奕奕。惹得我一到巴黎就心心念念，终于安排好时间来逛，迈进大门就已经开始感受到“心满意足”。
圆弧形的玻璃穹顶是奥赛博物馆的特色之一，整个走廊充满自然的光线，两边陈列着许多雕塑珍品。不似卢浮宫富丽堂皇熙熙攘攘，奥赛博物馆的参观感觉非常好。
一进馆先看到一个特别熟悉的雕塑，没错，就是那个由法国人民送给美国人民当做独立100周年礼物，矗立在纽约哈德逊河口那位女神。奥赛博物馆的这个2.74米的迷你版是同一个作者——巴托尔迪（Frédéric Auguste Bartholdi）为纪念法国大革命100周年，以自己母亲的外貌为设计来源创作的，最早安置被在巴黎卢森堡公园，是那尊“赠品”的原型。2012年迁入奥赛博物馆。女神正对着博物馆的大门，大门上方还保留着火车站时期的钟表。
虽然租了中文讲解器，又拿了地图，开始参观还是觉得眼花缭乱，无从下眼。鉴于我的全部美术知识都来自于中小学美术课本，所以只有“哇哇哇”的份。随便进了一间展厅，转身就看到了这幅安格尔的《泉》。虽然未着寸缕，但是画中少女依然恬静纯洁。76岁的安格尔花了36年构思完成这幅作品，当真经典。安格尔是法国的古典主义绘画大师，曾经在意大利留学多年，深受文艺复兴影响。
也有不少美术书里没见过的画吸引了我的目光，比如这幅象征主义大师夏凡纳的作品——《梦》。一个饥寒交迫的旅人躺在路边，三个分别象征着爱、荣耀和财富的圣灵在向她抛洒花瓣，梦境中的旅人需要选择其中一个的恩赐。然而当他醒来，这不过是南柯一梦。
夏凡纳的代表作《贫穷的渔夫》也在旁边。夏凡纳善于画“宁静”，通过静态表现思想和情感的“动”。画面上渔夫在前面垂首默默祈祷能捕到鱼，后面是采花的妻子和熟睡的孩子，结合画的创作背景是普法战争战败后的第二年，似乎有寄希望于后辈的感觉。
斜对面的这幅爱德华·伯恩·琼斯的《命运之轮》同样很触动人心。命运女神手持命运之轮从裸露无助的凡人身上碾过，任谁都难逃命运的责难。果然是世纪末的悲观主义情结体现。看过一句话，“当一个人开始认命，那么他已经开始老去”。
走了几个厅之后，人突然多了，看着其他参观者的表情，我知道，“大作”来了。
果然——梵高！
因为去年去过梵高长期生活过的南法小镇阿尔勒，所以看到梵高的作品有种莫名的亲切感。这幅《梵高的卧室》梵高一共画了三幅，每幅运用的颜色都不太一样。梵高和高更、塞尚都是后印象派的代表人物，色彩，是整个印象派最主要的表现手段。回来看了不少关于印象派的介绍，说印象派是最得人心的一个绘画流派，因为多数画作大多运用明快的色彩和鲜亮的光线，多表现幸福的主题，使得印象派作品很适合放在居家的卧室客厅或者餐厅。幸不幸福这事要分人另说，不过通过在博物馆观察，确实梵高的人气很足。
梵高的这幅自画像前挤满了跟他合影的人。如果梵高生前就如此受人拥护，不知道他还会不会那么寂寞。当然，也许不再寂寞的梵高，也画不出那样孤寂的《星空》了。
有梵高，自然少不了他的好基友高更。这二位堪称相爱相杀的CP典范了。高更的代表作之一就是这幅《塔希提少女》。也是回来查资料才反应过来，塔希提就是“大溪地”，现在国内蜜月游的大热门之地。据说当年梵高约大家一起去塔希提岛写生，最后只有高更来了，俩人从此相识。看到这里不禁想yoooooooop一下，好吧，这都是野史YY，目前正史说法“无确凿定论”。高更到岛上试图寻找原始的美，结果大受失望，因为此时殖民者已将现代文明带入岛上。高更用自己的画笔，做出了自己的抗争。
奥赛博物馆馆藏最多的绘画作品是印象派的。1874年一群年轻的画家在巴黎卡皮西纳大道的一所公寓里举办了第一届“官方沙龙落选画展”。参展的这群画家被主流媒体讽刺为“印象派”，这名字他们倒欣然接受了。该画展仅在随后的16年里举办了10余场，但是却产生了巨大的影响力。印象派的主要特点就是重视光线与色彩，所谓“光即是色，色即是印象”。
一边逛博物馆一边刷朋友圈，有朋友回复笑说“莫奈、马奈，奈何奈何，有点无奈”，风格相似，名字也相似，果然无奈。这幅《草地上的午餐》作者是马奈，被誉为“印象派之父”，但是他的作品并没有参加过印象派展览，是他的艺术创作态度影响了后来的这几位。出身很好，父亲是内务部首席司法官。叛逆少年马奈没有遵从父亲的意愿学习法律或当海军军官，而是选择了绘画。这幅《草地上的午餐》一经展出就引起了轩然大波，之前的裸体都是出现在宗教性的绘画上，表现神圣，而不是像这样表现男女关系复杂的尘世环境。
我更喜欢马奈的这幅《手持紫罗兰的贝尔特·莫里索》，气质美女哇。这位美女也是一位印象派画家，同时还是马奈那幅著名的《阳台》的女主角之一，还是马奈的弟媳。特别喜欢她的眼睛，透着一股灵气，觉得她似乎是个很果敢的人。那个年代，能够突破家庭和社会的偏见，选择艺术为职业，确实是个了不起的女性的呢。
不能怪大家总是莫奈马奈分不清楚，因为莫奈也画过一幅作品叫《草地上的午餐》，偏偏就挂在马奈的斜前方。有猜测说莫奈是受马奈的启发，也有人说是为了一较高下。不过原画因为莫奈交不起房租，把它抵押给房东，放到地下室受潮损坏了，现在只能看到这两个局部，怪可惜的。
印象派的名字来自于莫奈的《日出·印象》，可惜这幅画在巴黎莫奈博物馆，不在奥赛。在奥赛可以看到莫奈的《干草垛》等其他作品。莫奈主张在室外作画，认为色彩的变换是因为光的变化。不同的光线下产生不同的色彩效果。
莫奈通过明亮的色彩描绘这两幅伫立在草地上的女子，以表现太阳刺眼的光芒。莫奈打算尝试把人物当做风景的一部分来绘制。女子的脸上包着纱巾，看不清容貌，裙摆轻飘，好惬意的一个夏日啊。
与醉心自然光线的莫奈不同，德加更关注室内的人工照明。芭蕾舞是德加很喜欢选用的题材之一。虽然人物的面目细节并不清楚，但是瞬间动作还是相当传神。
除了绘画，还展出了德加的一些雕塑作品。这个名为《十四岁的小舞蹈家》的作品，是德加唯一一座彩色蜂蜡雕像。因为实在太真实，在作品第一次展出的时候，就有不少人以为是人类学标本愤而离场拒绝观看。我总觉得这并不是一个人，而是一只猴子，后来听讲解器，也有很多人认为她像猴子，好像作者也是借由这种丑陋的面容，来表现当时芭蕾舞者不堪的私生活。
越来越觉得有时候汉语在翻译外国人名时候真费劲啊，我过了好久才知道Cézanne居然就是塞尚。这位苦大仇深的大妈画像就是著名的《咖啡壶边的妇女》。
被翻译坑的最厉害的是雷诺阿，我百度之后才知道，这几天在博物馆一直看到署名为Renoir的是雷！诺！阿！可是法语的发音是“赫诺瓦赫”QAQ差一点就错过了。比起大妈，我更喜欢看小萝莉，特别是弹钢琴的小萝莉，软萌！
顶级的艺术品就是即便成堆出现，也可以一眼从人群中认出它来。比如这尊罗丹的《行走的人》。开始我的注意力全部在画上，随着人群走动，并没有多注意中间的这尊塑像，擦肩而过的时候心里觉得有些不对，往前走了两个展厅，心里还在惦记它，突然灵光一闪“罗丹！”匆忙折回来，一看标牌，果然。这便是大师作品的魅力吧。
吸取经验之后，接下来我看的就比较仔细了，果然又发现了罗丹的另一个精品《青铜时代》。“青铜时代”代表着人类的启蒙时期，罗丹用这位好像刚睡醒的裸体青年男子来体现人类刚从蒙味、野蛮的状态中解脱出来，逐渐具有清醒的意识，即将进入文明智慧时期。实际上模特是一位身材优美的年轻士兵，但是由于罗丹雕刻得实在逼真，尺寸又正好是真人大小，当时的官方一度认为是罗丹是从尸体上模印下来的，拒绝展出，后来经过其他雕塑家为罗丹申辩，这一经典之作才得以公开陈列。
在走廊上无意间被这样一组雕塑感动。随手拍了，回来查资料才知道，这件作品叫《成熟年代》，作者卡蜜儿·克劳黛，是罗丹的徒弟同时也是他的情人。这件作品表现的是罗丹被一个年长一些的女子夺走，最右边那个苦苦哀求者就是作者自己。但是那位年长的女子正是罗丹的妻子罗丝……如果不知道这些人物的真实身份，还真是会被感动得潸然泪下啊。现在只能长叹一声“贵圈真乱”。当然也有评论家分析出了另外一种理解，哀叹时间的无情，对衰老与分离的深思。好吧，我更接受这样的想法。
发微信直播贴的时候，有位朋友问我有没有看到库尔贝，当时我正对着这幅画垂泪。也许他的《奥南德的葬礼》或者《世界之源》更出名，但是不知道怎么的，这幅《雄鹿之死》却戳到了我。猎人高举的马鞭，另一个骑手得意的微笑，周围猎犬围捕到猎物的兴奋，我仿佛看到了雄鹿眼里的绝望，偏偏天空是那么的蓝。揪心。库尔贝不愧是现实主义大师。
由于低估了奥赛博物馆的规模，入馆前没有做好体力准备，没逛完已经累瘫了，所以只能匆匆离开，下楼看到了这只可爱的《北极熊》，作者是弗朗索瓦·蓬朋（Francois Pompon），法国著名的动物雕刻家。柔软的线条，让人特别舒服，心情轻松不少。现在这尊雕塑已经是奥赛博物馆的标志之一了。
要细看完卢浮宫，需要一个月。我估计细看完奥赛博物馆也要几个星期吧。没关系，以后咱们有时间再继续逛起。有遗憾才有动力嘛。
1，rue de la Legion d’honneur
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