「在人们想起山下达郎，或是代表80年代流行的CITYPOP音乐风格时，脑海中一定会浮现铃木英人的插画。」
在日本，插画家的认知度并不比艺术家低，从战后到现在，每个阶段都会出现脍炙人口的插画家，他们的作品甚至会成为出版社、杂志、唱片的卖点。
与艺术家笔下的绘画不同的是，插画是有明确的目的、编辑意图，包含着设计性的大众艺术。
比起美术作品，需要让受众易于理解。也正因为这样的大众性，插画总能得到大众的共鸣，成为时代的视觉象征。
战后，以振兴日本平面设计目的成立的「日本宣传美术协会」对日本插画的发展推动极大，1964年，随着东京插画家协会的成立，插画家的角色更加独立。
插画家逐渐成为一个让人向往的职业，安西水丸从小的愿望就是要成为一名插画家。
永井博 ／大泷咏一A LONG VACATION 专辑封面插画
20世纪70年代~80年代，随着大众媒体的繁盛，插画家这一职业更加扩大化。插画装饰着大量的书籍装帧画、杂志、流行音乐人的唱片封面和广告海报，由此插画的形态越加丰富，人气插画家开始创作的自己的角色形象及绘本大量出现。
插画风格上，铃木英人、永井博、空山基等一系列基于写实主义风格的插画家，定义着一代人的审美。
汤村辉彦掀起 Heta-Uma（ヘタうま）的浪潮，以「稚拙」的画风为美的独特风格，吸引着当时的年轻人，深刻影响着日本的亚文化领域。
空山基 sexy robot
1980年，为发掘新的插画表现的「日本平面展」（日本グラフィック展）开始举办，其火热程度远远超过主办者预期，大量崭新的插画表现在展览中频现。
横尾忠则《腰卷阿仙》海报
横尾忠则发表《画家宣言》则标志着插画家向画家的越境，甚至出现「反插画」运动，在没有被约稿的情况下，进行插画的自由创作。
插画家们以艺术的态度创作传统艺术领域之外的内容，并开花结果的例子并不少见，获得「日本平面展」大奖的日比野克彦便是以「艺术家」（Artist）而非「插画家」自称。
20世纪90年代以后，媒体的发达催生了更多插画家。
表现手段上，电脑绘图软件的绘制方式成为主流。1992年，《年鉴日本插画》停刊，1999年，日本插画家协会成立，杂志《ILLUSTRATION》的 The Choice奖仍然保持着它的权威。
杂志《ILLUSTRATION》
以下几位插画家，都是在日本插画史上具有独特风格的大师，从他们精彩的作品中，可以看到他们在艺术与大众喜好中如何找到平衡的方式，尽管成功的方式各有不同，但我们能从他们身上看到成为一个优秀的插画家应该抱有怎样的觉悟。
宇野亚喜良
1934年生于爱知县，毕业于名古屋市立工艺高中图案科。经历CALPIS食品工业、日本设计中心的工作后，1964年，与横尾忠则、原田维夫设立Studio Ilfil。1982年获得讲谈社出版文化奖插画奖，1989年获得三丽鸥美术奖。1999年获得紫绶褒章。
从富有浪漫气息的蔷薇少女，到江户川乱步的情色猎奇，宇野亚喜良用繁花缭乱的华丽笔法，勾勒着20世纪60年代波乱起伏的时代气息和幻想风格。
尽管在当时的日本设计界，追随欧美设计的无机质现代主义风格大行其道，但宇野亚喜良和横尾忠则一起，在插画中用叙事、颓废、地下的元素，试图打破单一的现代主义规则。
在成为独立插画家后，他连续画了几年的女性杂志插画，以及后来成为他的代表作的实验剧团「天井栈敷」的海报，渐渐地形成了以描绘女性为主的耽美、幻想的风格。
宇野亚喜良对待商业插画邀约的态度，可以很好地说明插画家的角色，他始终对插画家的外部依赖性有浓厚的兴趣，在收到邀约时，会根据不同的限制条件，去构思不同的创意。对他来说，这也是对自身可能性的一种探索。
同时，在插画的概念还不甚明晰的时代，他并不主张把插画和绘画截然分开，「要定义何为插画，可以说就是生动地描绘事物吧。我觉得绘画与插画是同样的，不需要做出区分。」
汤村辉彦
插画家，1942年出生，别名Terry Johnson（テリー·ジョンスン）。现为Flamingo Studio负责人。喜爱灵魂音乐，著有《汤村辉彦的hit parade》《百%》《决定版 Heta-Uma大全集》等。
1976年在漫画杂志《GARO》（ガロ）上与丝井重里共同连载「企鹅米饭」系列，成为Heta-Uma（ヘタウマ）的经典。
《再见！企鹅》
以丝井重里的文字为基础，汤村辉彦进行创作，丝井感叹：「看到这样的文字，不知道这个质感的化身，会画出什么样让人惊异的作品。」
他是对日本艺术、艺能、亚文化领域影响深远的「Heta-Uma」风格的鼻祖。所谓「Heta-Uma」，按照字面意思，就是「看似笨拙的好」。这也是汤村辉彦定义的「好的最高级」。
所以，与其说「笨拙」（heta），不如说是用简单粗暴的形式烘托一种由内向外爆发的气势。比起职业化的技术，Heta-Uma更重视素人般的表现冲动。
这也是日本美学中存在的刻意避开精巧的一面，以粗暴、极简、未完成为美的美学。
当年，漫画杂志《GARO》的主编向汤村约稿，在看到他不管怎么画还是会溢出的色彩时，反而认可了其中的趣味。
「Heta-Uma」的美学在当时迅速引起一批年轻人的共鸣，他们在亚文化杂志《Bikkuri House》和《宝岛》，以及专业杂志《Illustration》连载。
既没有深入的刻画，也没有线条清晰的完成感，反而形成了独特的Heta-Uma艺术风格，有如米开朗基罗的未完成雕塑一般散发着魅力。
长新太
1927年生于东京，1948年入选东京日日新闻漫画大赛一等奖后成为漫画家。1959年，凭借《爱闲聊的玉子烧》获得文艺春秋漫画奖。1981年的绘本《卷心菜君》获得日本大奖。他笔下独特的荒诞（Nonsense）的世界，受到广泛的喜爱。2000年，因为中咽喉癌去世。
《卷心菜君》
虽然在日本受到各个年龄段的广泛喜爱，长新太一直以来却有这样的烦恼：自己的作品是画给大人看的，还是给孩子看的？讲究逻辑、意义和有教育意义的绘本，与纯粹的风趣、幽默的绘本间到底如何选择？从他庞大的作品量中来看，长新太显然是偏向后者的。
1976年，在他的代表作绘本《咕噜咕噜喵~》（ごろごろにゃーん）发表时，很多成年人都表示看不明白，孩子们却欢欣鼓舞。
《咕噜咕噜喵~》
一直以来，长新太都以孩子的眼光作为评价标准，因为他相信孩子的视点是敏锐的 ，如果自己画出来自己喜欢的东西能够得到孩子的共鸣，就是最幸福的。因此，在他的荒诞的作品中，有种用全身心感受喜悦的孩子般的身体感觉。
从小受日本搞笑文化的影响很深，长新太的荒诞是一种脱离日常生活的「超现实」（シュール）的荒诞。他用「打磨原石」来形容自己的创作，异想天开的「原石」被不断打磨，最终成为读者们欣然接受的「宝石」。
诗人谷川俊太郎曾经给予长新太的荒诞画风这样的评价：「将语言的被膜撕去后真正的现实的手感。」
铃木英人
1948年生于福冈县，1971年开始进行广告设计，1980年成为独立插画家。现居神奈川县逗子市。曾为《FM STATION》《野性时代》《PLAYBOY》《POPEYE》等杂志绘制封面和内文，并为中学英文教科书《NEW HORIZON》绘制封面插画。鲜明的风格，甚至成为杂志标志。
此外，与品牌合作，绘制科学万博站pavilion壁画、阪急西宫北口壁画，横须贺「大海与绿色的一万米散步道」等，在不同领域施展才华。
鲜明的原色组合、渐变色上用实线勾勒轮廓，仿佛沐浴在西海岸闪耀的阳光中的画面，这就是铃木英人的标志。无论是从1981~1989年为电台杂志《FM STATION》绘制封面，还是为山下达郎等流行音乐人绘制的唱片，这种融合美国西海岸和照相写实风格的插画为色彩鲜明地塑造了它们所装饰的内容本身。
当年那个喜欢拍照，因为插画家稀缺，而照着在北美旅拍的照片画画的铃木英人，细致地表现了光与空气的现实感，他确信在当时的日本，这么画画的除了他，没有别人，但恐怕他不会想到自己的风格会影响一代人的审美吧。
田村茂
绘本作家、插画家、映像艺术家。1949年生于东京，毕业于桑泽设计研究所，动画作品《银河之鱼》（銀河の魚）获得大藤信郎奖、《鲸的跳跃》（クジラの跳躍）获得文化厅艺术祭动画部门大奖。
玻璃之海、废墟化的星球、在宇宙中孤独漂流的Hoop博士和助手Robot Lancelot……童话般的设定、简单而富有深度的画面，有让无数成年人心动的魅力。
小学时代的家在没有电灯的国道16号线边，在山腰看着谷底风景的体验，成为他创作的原风景。在《银河之鱼》中，在河底延伸的蓝色街道连接着宇宙；在《鲸的跳跃》中，拥有绿色的玻璃之海的不可思议星球。就像《小王子》中的简单文字和插画留给世人的感动一般，田村茂用他的绘本刻画着简单而富有哲理的世界。同时，他将不同的作品映像化、将漫画改为绘本，诞生出立体的作品群。
关于绘本的魅力，田村茂曾说，如果说电影呈现的是一个完整的世界，那么绘本就能给读者余韵，每一页到下一页之间的省略，都是绘本的有趣之处。
田村茂《宇宙滑行》（うちゅうスケート） 复刊.COM 2014年版
安西水丸
1942年生于东京，毕业于日本大学艺术系，在电通、平凡社担任艺术指导后，成为独立插画家。出了广告、插画、漫画等，也写过大量小说、随笔和评论。1979年成立「PALETTE CLUB」，成员包括PATER佐藤、原田治和当时《Popeye》的艺术指导新谷雅弘。与村上春树交往密切，曾共著《夜半蜘蛛猴》、《村上朝日堂》等。出版《普通的人》、《去大众食堂吧》。2014年因脑溢血逝世。
安静、纯粹的线条，让人无法模仿的独特韵味，从20世纪70年代开始，安西水丸一直活跃在插画创作的前线，直到现在依然人气不减，留下庞大的作品数量，至今已成为最具代表性的日本插画家之一。
让大家认识安西水丸或许是因为他与村上春树的合作，他不仅与村上私交甚好，更为村上的作品绘制了不少插画，连村上也说，自己的作品能够被安西水丸拿来创作是一件幸福的事情。
被村上春树称为「Soul Brother」，安西水丸曾经在与村上春树30年间的合作中，选择了30幅作品。他自己喜爱程度位居第一位的是1999年为《BRUTUS》绘制的封面。「奔跑着的村上很有型，我喜欢这幅画。」
插画与文字的搭配是常见的编辑手法，安西水丸的功力就在于，用插画完美地呈现了并非自己创作的文字中的韵味，并将作品进一步升华。什么才是好的画（いい絵）？安西水丸时常谈及这个问题和自己的判断标准。
好的画并不是最重要的，重要的是画中是否有只有作者才能展现的感觉。
「我认为画是不应该以好或者坏来评判的，歪曲的形状、浑浊的颜色也有其魅力，插画如果只是画得好，就没有意思了。」
安西水丸总是对自己充满信心，信任自己独一无二的感觉，不去强求自己做力所不能及的事情，只画自己能够表现的东西。
除了自信，能够不断保持大量的创作，也是他对自己的要求。毕业之后他选择了直接就业而不是像其他艺术生一样轻视在一般公司中的工作，从艺术指导、广告的工作开始，他内心一直坚信自己一定能成为好的插画家。
直到38岁才独立的他，庆幸自己在公司学到了如何沟通、如何展现自己、如何从客户的角度看问题。这也是他能够获得信任与欢迎的原因。
本文节选自《知日・现代霓虹艺术力》特集
张艺 ✎ text
曾媛 ✎ photo
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