1750 - 1810，古典之风一甲子（终）

音乐会：作品需要通俗易懂

这一次

但愿我们能明白

什么是古典音乐

Mozart: Symphony No. 41 in C Major, K. 551 "Jupiter" - III. Menuetto. AllegrettoLondon Symphony Orchestra;Claudio Abbado - Mozart: Symphonies Nos. 40 & 41

音乐会：作品需要保持通俗易懂

交响乐的真正流行跟公共音乐会兴起以及随之而来的音乐厅建设一脉相连。在18世纪，音乐会的表演曲目一般由管弦乐、独奏、声乐和室内乐混合组成，同时尽可能将交响乐置于音乐会开始和结束部分。这种管弦乐齐上阵在风格取向上必须气势恢宏且积极正面，所以18世纪的交响曲中，小调作品很少，只占8%。为公共音乐会创作与为私人赞助者谱曲则截然不同，音乐会在很多方面都不能接受风险高且带有实验性的音乐，所以作曲家必须确保作品通俗易懂。

海顿总共写的104首交响曲，创作时间横跨近40年（约1758-1795年）,其多样性反映了这些交响曲在创作环境、表达功能和听众组成上的不同。埃斯特哈萨（Esterhaza)宫廷的管弦乐队只有不到20名人，但海顿从18世纪80年代开始接受外部委托，为在公共音乐会中演出的大型管弦乐队作曲，作品包括《巴黎交响曲》（No.82-87)、《托斯特交响曲》（No.88,89)和《伦敦交响曲》（No.93-104)系列。其中，海顿最后12首《伦敦交响曲》是为一个大约有40人的管弦乐队所写，这个乐队会在公共音乐会中为付费观众表演。这些英国音乐会还具有那个时代尚未被维也纳音乐界所知的“现代”元素——音乐评论家的出现。他们在媒体上报道每次音乐会的盛况。

虽然海顿一些早期交响乐是三乐章构成，但是他晚期集大成的作品将古典交响曲定型为四乐章标准结构。海顿晚期的交响曲中，第一乐章采用慢板开场而后逐步进入快板主题成为标准特征。在18世纪90年代，这是为了强调交响乐的规模，就像在戏剧正式开演之前，缓缓升起的幕布一样。开场的慢板小调会逐渐变成快板大调，而后者正是前者另一版本的再现，这个过程一般会给人轻松愉快的感觉，就好像在说：“有麻烦？哪有什么麻烦？!那只是一场戏而已。”海顿《第101号交响曲》开场部分就是一个很好的例子。

海顿的末乐章也同样轻快，而且风格诙谐有趣，比如《第100号交响曲》终章。海顿的作品很少让人感觉“沉重”，尤其在末乐章中。这一点也正是交响曲公共性的重要组成部分。例如，海顿的《伦敦交响曲》给人一种公开庆祝节日的欢乐感觉，这与后一个世纪许多浪漫主义交响乐具有的内省特质截然不同。海顿通过管弦乐团展现出一种明亮的音乐声响，意指宏大的公共空间和属于集体的浩瀚能量，而欢快的感觉也在这乐声中自然而然地展现。

莫扎特的交响乐作品颇丰，从8岁时在伦敦写下最初作品，到18世纪70年代早期狂飙突进运动中的创作，再到1788年最后的《朱比特交响曲》，交响乐贯穿他的创作生涯。海顿有许多作品是为私人表演而创作；莫扎特则不同，所有交响曲都为公共演出而创作。在莫扎特的创作中，交响曲是一种属于公共领域的探讨与交流，《朱庇特交响曲》则完美体现了这一观念。作为公共音乐会开场曲目的交响曲必须先声夺人，以响亮的“号令”起首，而不能太过细微。所以莫扎特的交响曲第一乐章总是歌剧序曲式的宏大风格，好像号角齐鸣、列队行进，充分运用合奏的力量，给人的感觉是繁忙喧嚣而又秩序井然的城市风貌。相比之下，第二个乐思是歌唱式快板，结尾的主题则引入意大利喜歌剧风格，感觉如同乐章开始时“井然有序”的反面。莫扎特钢琴协奏曲中也有类似的情况，通常会在同一个乐章中把不同材料组合在一起，然后任其自由发展，像歌剧中众多角色同台一样。音乐家对公开的音乐语言与私人情感之间的平衡把握，在古典钢琴协奏曲中表现得尤为明显。如今天所见，演奏家凭借钢琴表现力，仿佛一个人就足以媲美一支优秀的管弦乐队。钢琴演奏既能喧嚣鼎沸，亦能极尽柔雅；既可以展示精湛的弹奏技巧，也可以表现简单的人声旋律。在协奏曲中，钢琴是现代个体的象征，管弦乐队则是现代集体的代表。两者的相遇并不是针尖对麦芒，而是不同交互方式的有机组合，这在古典作品里也很少出现。首先是独奏领衔，然后管弦乐队接棒。这种相互交流和相互呼应的模式固化在古典协奏曲形式中，使独奏乐段和合奏乐段相互交替，与双方对话的部分形成平衡。在独奏音乐会上，音乐中的对话或者交流是可以在视觉上展现出来的。独奏者在莫扎特那个时代通常也是作曲家本人，就坐在舞台前方的键盘后，在管弦乐队的环绕中卓然独立。因此，随着协奏曲展开，二者之间会产生一系列的协商与对立，以及某些时刻的调和与平衡。正是在这些时刻，在舞台上个体和整体之间不断变化的关系令观众目眩神迷。在19世纪和20世纪的协奏曲中，独奏者与管弦乐队之间更像是对立关系；但古典时期协奏曲的特点是交流与合作。因此，在这种音乐形式中有一系列间插段，独奏者则在其中以精妙的演奏带来意想不到音乐走向，有时谈谐，有时崇高。协奏曲常常受到喜歌剧影响，像一出由多个角色组成的戏剧，而音乐中的“角色”常常通过化装和假面来改变身份。

如今，古典音乐的危机在于无论是对爱好者还是批评者而言，它都给人们古板、过时、正式和浮夸的印象。可悲的是，古典音乐本质上与这些印象完全相反，它一次又一次表现出一种充满智慧和活力的精神，总是“戏弄着”听众的期望，却还经常戏仿过于死板的音乐惯例。无论是歌剧、交响曲、协奏曲、弥撒这些大型公共作品，还是歌曲、键盘独奏、室内乐等规模较小、更加私密的音乐形式，古典主义风格都提供了极为丰富的理想范式。

古典音乐建立在高度精致复杂的音乐语言和微妙精细的情感表达能力之上，常常显露出诙谐幽默、朝气蓬勃，甚至桀骜不驯的一面。只有剔除掉那些由伟大作曲家的石膏半身像、满是灰尘的礼服外套和假发所代表的无意义东西，古典音乐长久不衰的活力才能真正闪现。

编/茶茶斑竹

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1.古典风格：指的是一套“永恒”的价值观，即秩序、平衡、和谐、克制、优雅和美丽。

2.古典音乐：这一术语最早出现于1830年，是历史学家与音乐理论家为了突出自己所处时代的浪漫主义音乐的特征而创造出的一个分类。其核心并不是避免激烈的冲突，而是实现所有组成元素之间的和谐统一。

3.独立艺术家出现：在启蒙运动的影响下，音乐家从受雇于贵族、教会、赞助人的仆从转变成独立艺术家，开始根据自己的艺术想象自由地进行创作。音乐存在的意义逐渐脱离了宗教崇拜或者贵族娱乐的范畴，开始服务于纯粹的艺术追求。

4.歌剧：巴洛克时期的歌剧体现的只是帝王权威；在18世纪，歌剧越来越关注“普通人”的喜与悲，这一点也体现在正歌剧的衰退与喜歌剧的兴起上。

5.键盘音乐：键盘音乐将启蒙时代充满矛盾的两种特质融合在一起。一方面，键盘乐器上的琴键均等分布，其重量、动作、音调都具有规律性，代表音乐的理性秩序；另一方面，键盘乐器又成为18世纪后期音乐家们探索和表达丰富而微妙的情感的主要载体。

6.弦乐四重奏：被称为“四个理性人之间的对话”，而古典音乐核心观念就是音乐可以像一种语言或一场对话，既具有表现力又富于思想性，所以弦乐四重奏一直是种重要的音乐流派。

7.交响乐：最突出的特点是虽然人们聚集在一个公共空间内，但他们感受到的是私人音乐之旅。交响乐作为古典音乐中最负盛名和最为公开的形式，在发展过程中成了公开表达私人情感的一种载体。

8.音乐会：18世纪，音乐会表演曲目一般由管弦乐、独奏、声乐和室内乐混合组成，并尽可能将交响乐置于音乐会的开始和结束部分。同时，音乐会上的曲目一般都是非常通俗易懂。