音乐舞台的梦想 从这里起航
点击题目下方蓝字关注分享鹦鹉咖
《啼笑姻缘》在大咖们的共同努力下，不仅开启了香港流行音乐热潮，在词曲、配器等方面更是有着深远的影响力。
《啼笑姻缘》滑动歌词
主歌（Verse）
为怕哥你变左心
情人泪满襟
爱因早种偏葬恨海里
离合一切亦有缘份
主歌（Verse）
愿与哥你俩相亲
情人共印心
最惊恩爱一但受波折
难望偕老恩消爱泯
副歌（Chorus）
藕丝已断
玉镜有裂痕
恩爱顿成怨恨
生则相聚
死也化蝶
几许所愿称心
主歌（Verse）
莫叹失意百感生
难求遂寸心
赤丝千里早已系足里
缘份天赐不必怨愤
间奏
副歌（Chorus）
燕子去后又再复旋
不禁令人挂念
花开花落音讯己断
丝丝珠泪暗涓
主歌（Verse）
望你早晚赋归鞭
重逢在故苑
我将君怨
空冷落莺燕
期待君你推衾送暖
赤丝千里早己系足里
缘份天赐不必怨愤
《啼笑姻缘》旋律比较简单，采用的是AABA曲式，相信大家听后多少会有感觉，很有特点。A即是主歌（Verse），B即是副歌（Chorus），3A旋律基本相同，只有少许旋律与和声不同。早在30年代，美国就流行运用起承转合，而其中一种常见结构就是AABA。因其词曲简洁有规律，易于模仿和传唱，所以一直沿用至今，被称为标准曲式。
那么有了这样的曲式标准到底是好还是不好呢？可以说是仁者见仁，智者见智，各有自己的论调。“法兰克福学派”代表人物阿当诺认为过于模式化就限制了艺术创作的自主性，一首同类的曲子，相同段落进行对调，比如A歌曲的副歌代替B歌曲的副歌，一首新歌曲就诞生了，这能称为创作嘛？而严肃音乐的每个细节都经过精雕细琢，牵一发则牵动全身，因此每个经典曲子都是独一无二，创作就应该追求个性化，而流行歌曲这种用标准化创作被视为虚假个体化。阿当诺这一论调引起了众人的反驳，借用英国文化研究学者菲斯克的话来总结众人的观点，那就是：“我不相信‘众人’是文化笨蛋；他们不是无助而被动的一群，不会全无辨别能力，被（文化）工业中的大亨任意在经济、文化、或政治上任意操控”。
在鹦鹉君看来，标准化模式对音乐初学者来说是有好处的，当我不知如何起步的时候，有个模板让我套，可以让我对作曲有个初步的概念和体验，然后结合乐理基础、和声学、复调、配器等知识不断练习编写，在理论实践中不断提升编曲技能，再进一步创新出独具鹦鹉咖特色曲式。哇~那就厉害啦！我可不会甘于被这标准模式套住呢~只可惜我现在翅膀还不够硬！而且论文化创作标准化的代表非唐代律诗莫属，押韵限用平声韵脚，依照律句的平仄，还讲求粘对，那么按阿当诺的观点一旦有了框架模板，就很难有真正的创新，但事实上流传世人的经典律诗绝句无数，可见限制艺术创新的并非是这些标准化的模式，而是自我意识趋于惰性的束缚。说的直白点就是我为我不会创新找到了理儿，因为你的标准让我无法发挥自主开阔的思路，吼吼~
不知道咖友们对此怎么看？其实阿当诺也并没有完全否定艺术创作标准化的延展价值，他也曾说过：“可以肯定，少有比十四行诗的诗歌体裁更严格的了。但历代大诗人，都可以在其紧密狭小的框纳，编织出不朽之美。因此不论其为流行歌曲，或更严肃音乐，作曲家都大有机会展示其才华和天赋。” 不过与其在纸上谈兵争论不休，还不如用事实说话，流行音乐后来的发展与盛行已经说明了一切，鹦鹉君费了那么多口舌无非是让大家了解一下音乐史。
说完曲式咱们再来看看配器，用一句话来表述就是：中西合璧，开天辟地。首先是在主奏乐器的选择上采用了二胡和月琴相结合的方式；旋律特色表现在以传统五音音阶为基础，隐含西洋音乐转调，从而创造出了一种新的听感。据说在后来不少香港粤语流行曲旋律创作中依然能看到这种组合的影子。这首曲子时至今日重新来听依然觉得很耐听，只是对当时的港人来说也许感受到的是香港现代感，而鹦鹉君感受到的更多是香港时代感，回味无穷。
不知道大家听完《啼笑姻缘》这首曲子，盘旋在脑中的是什么？“为怕哥你变左心 情人泪满襟”、“藕丝已断，玉镜有裂痕”、“赤丝千里早已系足里”的画面嘛？至少鹦鹉君第一次这首歌的时候被吸引的并不是里面的词，而是不自觉地就沉浸在了旋律和声音里，但作为敬业的小编，怎么能不看词呢？而且是粤剧编剧家叶绍德大师填写的词，初看依然是一首以情为主题的歌曲，细细体会有种流水有意落花无情，流水无心恋落花的忧伤，爱恨交织欲断难断的刺痛，再细看主段的相对应的最后一个字还是挺押韵的。作为小白我无法去论断这词的好坏，但从感官感受来说，一首好的曲子往往是先声夺人，而这个声特质曲和声音。我想这就是我们场所的音乐无国界吧！用流行文化研究权威费理夫的名言来讲：“流行音乐的感染力，主要来自非语文层面。而流行音乐研究也因此不能简化为单纯的歌词研究。”
联系客服
