三品寻美丨万古不移——马啸天细述六法与四意的异曲同工之处
《三品寻美》我们跟马啸天先生继续深入的讨论中国画的一些知识。上期他谈到了谢赫六法，这是中国传统字画绕不开的一个评判标准，我们就先从这里开始谈起。
谢赫六法：气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移模写。我们从后面传移模写往前开始说吧。传、移、模、写，你是怎么理解的？
谢谢黄馆长。谢赫六法，历朝历代的典籍和文化人的记载里面，把它视为万古不移的一个创作和审美的铁律。
传移模写我个人的理解和很多机构的理解不太一样。我认为的传，是传承；移，是拿过来自己学会放到自己心里、放在脑子里面、放在手上；模，就是我们传统的临摹、仿；写，就是创作。
我理解的传移模写，综合起来讲就是要先学会传统，把传统的技法、功力、包括气韵生动，包括刚才您说过的经营位置、随类赋彩等这些内容全部掌握以后，转入到创作状态的时候，要写。
因为“写”字在咱们传统绘画和作品大家就能看到很多，明明是一幅画，落款的时候，他一定要用个写字，如八大山人写；石涛写；白石老人，白石写。
这是一幅画，为什么要搞一个“写”字呢？因为这个原因迫使我去研究传移模写的时候，我发现这个“写”，是“画”的意思，也就是说和我们传统的书法用笔有关系。
核心就是个“写”字。
对。
往上一个就是经营位置。经营位置简单理解是构图，其实里面还是有不少作者在创作前的构思、表现方式，那你是怎么理解的呢？
经营位置，我们讲构图是为了让观众、让读者、欣赏作品的人很容易的理解是什么意思。那么按照您刚才的提示，作者在里面内涵的东西就很多了。
里面有作者的思想、有作者对自然的理解，对物情、物理、物趣的理解，对人、神、自然之间关系的理解都在里面。
所以我理解就是意构，就是要有意韵的去构思、构图。再往上一个就是随类赋彩，你是怎么理解的？
随类赋彩，它的传统意义就是说要尊重人类社会、尊重自然环境里面固有的色彩组合关系。这些固有的关系有很多分类。
比如西方绘画讲色彩，是讲冷和暖；中国传统绘画讲的色彩，它是要求你要尊重植物和自然的这种成长关系，不要离开这个类，不要离开这个大类。
那随类赋彩实际就是根据对象的色彩来上色。墨分五色是中国人最后总结出来的、最高度概括的一个色彩。
也可以理解为就是根据作者、画家本人，对这个事物的一种情绪，因为色彩就是一种情感的表达嘛，他按自己的色彩来理解、来赋予这个作品颜色。比如说苏东坡画竹子，就是用朱砂画的。
但竹子是红色的吗？他回答道，那竹子是黑色的吗？所以也是有作者本人对色彩的一种感觉在里面。
是的。
我们再聊应物象形。
应物象形，是指画人在创作过程当中，对描绘的题材主体、对主体的表现和呈现方式。比如说画人，那你一定要把人最主要的特征表达出来。
大结构由头部、躯干、四肢组成，这五个元素缺一个都不行，应物象形。比如说画水牛，水牛也有很多种，南方北方都不一样。
那么画南方的牛就要表现南方牛的特征，北方的牛就要表现北方牛的特征。比如南方牛的特征，它的毛很少、角很大；那北方的牛角很小、毛很多，这都是它主要的特征。
我们用这样的方法讨论可能更好一点，所谓的形似，我们把它理解成轮廓；那么神，还是上升到六法（中）的气韵生动。
要是达到气韵生动这个意境了，那么神自然也就出来了；有了神，自然也就气韵生动了。
马啸天作品
不管是画人、还是画动物、画花卉、画草虫，都要有最传神、最吸引人、最吸引观者的地方，之所以能够对读画的人、欣赏的人产生吸引力，一定是掌握了自然界里面的物情、物理、物趣和人，了解了这些息息相关，观者一下就能发现你最精道、最出神采的地方。
所以最后呈现出来的象，整个画面呈现出来的是个意象。并不需要太具象，有作者的意在里面，而且这个意能够传达给观众、读者的。
这是应物象形，接下来说到中国画的一个核心——骨法用笔。
这是一个非常古老的话题，也是非常肯定的话题。骨法用笔，刚才我们讲过什么是骨——生死刚正。
也就是说我们在用毛笔写字和画画的过程当中，把一个比较柔软的笔锋、笔毫，用它表现的墨迹、痕迹、笔踪要产生力量感、产生质量感。
马啸天白描画稿
这样才能给观者留下非常深刻的印象。像古人讲过如锥画沙、入木三分都是形容用笔发力的，还有一个力透纸背
其实核心就是主张中锋用笔。中锋用笔之后，线质才会更圆，也就是立体感。
我们最后就说到这个气韵生动了。也是一个自古以来很难解释的内容，你是怎么理解的？
确实如您刚才说的，从古至今最难解释、最难用简单的文字和语言把它说清楚。但是这里面的生动二字，不需要我们去认真探讨。需要认真探讨的是什么是气、什么是韵。
气——我个人理解的是书卷气，是腹有诗书气自华的气；韵——是创作作品里面的规律、创作规律，创作的个性、表现。
张大千巨然夏山图
这种韵带有形式美、带有特征的美，带有独特的美。就是每一个优秀的画人，自己的作品和其他画人有明显的区分、区别。
马啸天作品《溪枫翠隐》
书卷气、韵都有了，然后再符合刚才我们说的六法里的其他的五法，这个作品自然就生动了。
古人也说气韵由笔墨出。通过用笔，那个气才能够呈现出来；韵，以笔来运墨的时候，水墨交融产生一个韵。
我们中国画一直发展传承下来，也有不少人提出过不少的品鉴标准，但是传承过程中好像都没有流传下来。这个传承还是很重要的吧。
不是很重要，是万古不移。因为已经有1300年到1500年传承过程。这期间我们当代的很多文化机构、很多学者也想打破这个谢赫六法，他们认为这个六法是约束了我们的创作行为的。
尤其西方的文化艺术思想进入中国以后，西方是主张自由的，爱怎么画就怎么画，愿意怎么表现就怎么表现，干嘛非得要按照谢赫六法。
其实谢赫六法的法，讲的不是方法的法；这个法是标准、是规则。如果我们把谢赫六法的法和西方的法并列起来，西方也有游戏规则，也有标准。
比如说透视、造型、结构，比如刚才您说的中国传统笔墨里的韵、墨分五色形成的艺术美；那西方的就是黑白灰，用铅笔画的素描，三大色调，黑白灰，当然中间还有过渡色，其实它的过渡色复杂起来，比我们的墨分五色还要复杂，只不过从游戏规则上讲、从创作规则上讲、和谢赫六法的法字来讲，是异曲同工的。
是的，你说说在历代的传承过程中，比较有代表性的人是怎么样做的？
我个人的学习感受，因为我是从白描开始、从非常基础的来学起的。我们现在能看到的白描作品、或者说用单线平图技法表现的作品。
比如从战国到汉，汉墓出土，我们见到过这个《人物御龙图》帛画，一种丝织物创作的，是从长沙马王堆出土的传世作品；还有一个《人物龙凤图》，那么这两种作品都是单线平图，就是黑和白，没有其他颜色的。
人物御龙帛画、人物龙凤帛画
比如说到了宋代，出现了大写意，梁楷、牧溪；到了明清徐渭徐青藤，八大山人朱耷，包括近现代的齐白石、吴昌硕。
齐老先生也是年轻的时候画过很细的工笔仕女、工笔人物。大家也知道齐白石最传神的作品是草虫，他的草虫完全写实了。
齐白石作品
实际上我们历史上最写实的时代、最优秀的时代，就美术创作而言，还是在宋代。那么到了今天，由于东西方文化的交流和互动、学识的互相影响，我们当代的很多画人丢掉了传统，基本上断代了，可能很难再延续下去了。那我自己呢？
因为我不是在专业院校机构工作，所以没受东西方交流的影响，但是可能也给别人留了一个比较顽固的传统印象。
请您过来就是想让你展示一下顽固的传统印象。所以我们三品美术馆也提出过，当今画家创作有四个并重，第一个就是传统传承与时代创新怎么去融合、并重。
我个人认为，笔墨功夫可以融合；造型学习还有随类赋彩这类的东西都可以融合。但是对意境和内容的呈现，很难融合。
为什么？因为我们传统文化对绘画创作的这种影响，因为今天的绘画主要是要求现实主义，咱们传统的绘画完全是一种理想主义状态。
所以要把理想主义和现实主义融合到一起，也不是说完全不可以，但是我认为不会有非常好的效果。应该是有一定的影响，但不会起到关键性作用。
时代在发展，肯定要有些时代性的新的改良，历史上也是，各朝各代总是要对前朝的、古传统的一些东西有所创新，所以我们中国画才能够发展。
如果没有创新，它就没有生命力。这个话题展开的太广了，由于时间关系以后再来探讨，谢谢你的光临。
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