EveryArt 专访艺术家：赖智诚 LAI ZHICHENG
编辑整理｜李芳、曾昀、石亦菲原创作者｜EveryArt、赖智诚、沈悦、陈可婷、陈楚逸、王羽凝、黄潇禾、游汝珺
艺术家｜赖智诚
个人简介：出生于广东，2016年就读湖北美术学院，本科学士。
艺术自述：全球化的当下，在繁乱文化和思想之下，人们的思想迎来了前所未有的自由与监视、操控。人如同熊猫一般，黑白相间，介于生与死之间摸棱两可的状态，游离于矛盾的真理之间，被流离的文化意识、碎片化的信息所影响。在娱乐至上欢快张扬的刺激下，人无法自控的状态。喜欢马列维奇至上主义、康定斯基点线面理论。将扁平化卡通形象抽象化、符号化，赋予更深的含义。
近期展览：
2021 武汉天地举办的灵感春日青年艺术展，武汉艺博会；
2019 广州大艺博，提名当代艺术家；
2017 上海青年艺术博览会。
艺术专访 INTERVIEW
Q1：你好，首先欢迎你的创作加入到“何以为界”的展览中来，本次展览的主题是“何以为界”，探讨了边界对于人的意义。当我们在划分边界时，我们也在定义着“我们是什么”与“我们不是什么”。你的作品往往有着固定的艺术元素重复出现，比如黑白相间的熊猫还有眼球的元素。这是一种“运动中的静止”，是从主体视角切入对外在世界的洞察。在你所设定的这种语境下，请问你对“边界”的定义是什么？
A1：我设定的语境是，人意识不到生命的概念，常常游离在生与死的边界中，只有在面临死亡的冲击时才感觉到生命的可贵，大多数状态下总是迷茫且冲动的状态，精神灵魂并不常常主导人，常常被欲望和信息所左右，黑白相间的熊猫象征的便是这种状态，人对生死的边界不强，人对自我认知的边界也不强，常常把他人灌输的想法和意识错认为自我的选择。常常把别人的命运当作自我所经受的命运，无法割裂地自我只能笼统地把所有所见所闻都归类为我灵魂上的"自由"，连自由的边界也是不清晰的。在我的绘画和语境中，人无法自控，所画的熊猫是自由的，它自由做着自我认同的所有事情，但这一切都被灵魂、舆论、命运所监视。
当自我分不清边界时，在自圆其说一番后胡乱作为，也能美名其曰“打破边界”，人无法跳脱出自己的信息环境，这也是边界本身。
赖智诚｜《DART-PANDA系列：人类之子》，艺术微喷，100×80cm，2021
Q2：我注意到，在你的不同艺术作品中，都有固定的“眼睛”艺术元素。“眼睛”元素的常驻是否可以理解为面对不同语境下不变的感官主体？“眼球”意味着什么？
A2：可以，眼睛是一种对于抽象精神事物的象征意义，它可以象征人的精神，也可以象征命运，或是舆论、监视。它预示着人精神的紊乱和矛盾、丰富，有时又超脱本我，预示着命运对人冷漠的注视，预示着媒体、人民的舆论，预示着网络、媒体对人的监视感。这三种象征意义在现实生活中相互围绕，主流舆论环境和个人的精神和命运的关系，普通大众并不会明确将其分门别类，而是会将其所有统称为宿命，被左右而无力的自我宿命。
Q3：你在你的艺术简介中提到，你喜欢马列维奇至上主义。马列维奇至上主义强调元素表象与它的所指的不必然联系，更倾向于引导观众摆脱元素表象边界的束缚，达成一种意义的自由共享。请问你是如何理解“至上主义”的？你的作品又是如何体现你对“至上主义”的理解的？
A3：如何理解马列维奇绘画？首先我们不得不提及当时俄国写过《冷漠的铁鸟》、《十二个》的象征主义诗人勃洛克。
马列维奇绘画与文学中的象征主义有许多相似之处，它们同样用含蓄具象的事物表达事物背后隐喻的抽象情感，抒写的是不可捉摸的内心隐秘。勃洛克的诗歌中其意向多用“鸟”“风”“火”“雪”“天空”，体现了当时的俄罗斯人对飞翔和象征自由星宇、苍穹的情怀。
因此，我们不难看出深受影响的马列维奇创作中形与色造成的漂浮、失重、旋转、离心等诸多特点。《白底上的白方块》体现了他对悬浮、流动、空气极致的追求。在色彩上，马列维奇追求色彩的形式及内涵，觉得黑色象征着了人的感情，而白色，则暗示了对超越人的感情的渴望，在画面中代表构成的构图逻辑，同时也反映了他对漂浮、悬空的向往。他曾经说道“我想要游弋于无限的自由的白色之海......”几何形和纯粹色彩的结合，使得画面抽象且简洁有力，马列维奇绘画在理论探讨和艺术实践方面都有所作为，1913年，《白底上的黑方块》宣布至上主义的开始，1918年，又以《白底上的白方块》（图2）宣告马列维奇绘画结束。并且还说“从零走向创作......无对象的创作。”
马列维奇因为苏联苏维埃政府政治和经济需要，进行过建筑实验，马列维奇参与此次活动时已经有明确的立场——形式主义，所以他的“建筑构型”多为纯白的造型，并不考虑材质、功能及内部空间，马列维奇希望他的建筑作品如同藏品一般，给人一种艺术、永恒的价值。在他看来，他的艺术道理并没有那么神秘，只是对形式主义中构成元素的逻辑中寻找其内在关系。即以抽象的外在形式追问有关逻辑 (“非逻辑”也是一种逻辑) 与永恒的问题。在我看来，马列维奇绘画选择了用抽象的体块表达一种漂浮、运动的存在逻辑，以此表达背后的抽象概念。致力于，利用主体的感官与主观审美情感从零制造体块，这些体块可以是单独代表某种抽象含义，也可以将零散的体块组织起来，表达更大的抽象含义。用聚合、悬浮、下沉等感觉引导人们摆脱对画中元素的表象，去思考更深层次，更高上的精神哲学思考，如果你把悬浮感联想自由，把下沉感联想坠落，当你看到一个三角形被打压时，你并不是在欣赏这个三角形，而是有棱角的自己或人生的困境与苦难，虽然说每个人对自我生活的联想不一致，但都有一个大范围的共性解读。因此，至上主义并不是无目的或不设范围的懒散创作，他需要画家自我对作画元素的意义进行大致归纳总结，需要有大致主题的方向和引导，可以笼统的理解为格物致知，一种启示。我的绘画中的元素属于象征意义，在保证当代审美装饰性和满足大众对“看懂”的卡通化需求，引导人们对画作元素更深的思考。
Q4：在你的系列作品中，为什么会选择卡通形象来作为你创作理念的表达出口？
A4：我最开始也是从抽象主义走过来的，从抽象主义走到至上主义，会忽然感觉到绘画的空虚、空洞和无力感。1918年，马列维奇以《白底上的白方块》（图2）宣告绘画结束。并且还说“从零走向创作......无对象的创作。”画什么已经不重要了，艺术在绘画领域已经终结了。但杜尚的《泉》让我们注意到艺术也可以下沉题材，沃霍尔安迪开拓了艺术商业性题材，流行元素也成为了艺术题材之中，艺术绘画题材在以往总是以人物、动物、水果等静物和动物的素材写生为主。卡通作为当代商业设计的一部分，生活中随处可见，所有的品牌带用卡通进行IP商业化，如果是当代艺术就是当代艺术家对观察事物最真诚的表达，那么写生卡通形象又何尝不算是对当代事物最真诚的表达呢？
卡通题材，可以理解为对生活中卡通形象的一场活灵活现的写生，这个思路也可以用在当代卡通波普艺术家的创作思路中。艺术家不再以画风和签名作为作者的证明，而是以写生的事物为作者的证明。
Q5：我在你的作品中看到了很多当代艺术家的影子，能否谈谈哪位当代艺术家对你的作品影响最深？
A5：《拉近艺术的距离》，刘野的构图，喷洒的彩色，造型来源于村上隆的《射精男孩》的雕塑，岳敏君的虚假、嘲笑般的大笑，方力钧重复出现的光头符号元素，张晓刚的《家族》......艺术家，可能会有人说，这些艺术家的作品很难源远流长，并不算艺术家，但不妨碍他们以艺术家的身份出现在这一小段艺术的历史里头，我的作品出现他们的影子，更多的是想纪录国内这么一小段历史，即使这段艺术的历史仅仅只影响了我。
Q6：你谈到全球化的当下，在繁乱文化和思想之下，人们的思想迎来了前所未有的自由与监视、操控。你认为当代艺术在这样的情况下扮演着一种什么样的角色呢？
A6：我们回头看看以前的艺术家，他们也是当时社会的当代艺术家，我们通过他们的画作了解到其中所反应出来的时代特点。当代艺术能为当下提供启示的作用，为后人提供反映时代的素材。
关于何以为界
俄罗斯作家邦达列夫曾说：人类一切痛苦的根源，都源于缺乏边界感。
从生物学基础来看，我们从诞生之日就决定了彼此的个体差异，从细胞壁、皮肤屏障等物理边界，到性格、思维、社交等心理上的边界，“边界”实际上是普遍性的、社会性的，它构成了我们的身体和生活，它无处不在。
边界具有两面性，虽然边界在许多语境中，给人一种距离感、隔膜感，“消除边界、打破边界”的口号也因此常常被提起。但就像疫情期间拉起的封锁线，虽然它限制流动、交流和经济，另一方面它也隔离了病毒，保障了生命和安全，无法将任何一方剥离出去。
“边界”将“我”与“他者”做了清晰的划分和区别，这种划分和区别是必要的，因为它常常关乎一个人的自我认知、自我定义，它甚至可以是我们认识自己的工具。如果我们把一个人的边界看成一个人的内部空间，通过努力不断推进边界，意味着“可能”，是一种积极的生命态度。当边界扩大的时候，也意味着人将拥有更广大的视角和胸怀。从另一个角度看，边界不可能拓展到无限大，意识到这一点时，我们就能与一些失败、一些超出自己能力的事情和解，也是与自身的和解。
当然，我们还能在政治、宗教、科学、艺术、音乐等不同的领域看到我们与他们之间的界线，这种界线实际上是由差异造成的，在很多时候，群体与群体之间的划分和认同感就是源于这种差异。如果没有边界，没有差异，自我和群体也无从谈起。单以艺术领域而言，无论是在讨论艺术“冒犯”的底线在何处，还是“超出认知”的时尚是否恰当，我们都不是在否认边界，而是在不断地纠结该在何处设限。
关于策展人：沈悦，跨学科的青年策展人，写作者。策展实践由2021年开始在江苏、安徽、上海展开，2021年策划项目包括“邀你做梦”、“蚕绕”等。
文章来源：EveryArt艺术平台
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