硬盘里有大量的摄影师及画家的作品，其中有一部分是闵志念老师在网上搜集整理分享的，一直没抽出时间细看，让明珠蒙尘，惭愧了。今天起，每天从一人选出本人喜欢的、尽可能多样化风格的20张图片择机发出，让我们一起多看它一眼，一天又一天，一年又一年，我们将看到成百上千个成名摄影师、画家留下的痕迹，这将对我们的观看习惯，起到潜移默化的影响。
从几百张图先选出有特色、有借鉴意义的图片，也许有30、40张，然后再二次选择出20张，这个过程是反复观看的过程，也是取舍的过程。在取舍时都会有一个内在的理由，最主要的理由就是重复或者特色不明显，或是有明显的政治意义与目前环境有冲突的或涉及敏感问题的、裸露的图片，虽然很好也只能割舍。
在浏览图片之前或之中，会在网上大量地浏览与作者相关的文字材料，并做简单梳理，方便今后阅读时增加理解的便捷。也会到作者或相关画廊的网站进行观看。
（以下文字来自网络，适当梳理）
德克・布雷克曼（Dirk Braeckman）
https://dirkbraeckman.be/work
德克・布雷克曼（Dirk Braeckman）于 1958 年出生在比利时埃克洛，早年毕业于根特皇家美术学院，1980 年代以粗砺的自我肖像作品崭露头角。
先看20张图，再看文字介绍的照片特点。20/600，随机排序。
1. 作品中的人物形象退居次位，艺术创作转向沉静而内敛的个人表达，作品中经常出现楼梯、走廊、沙发、窗帘等仪式感强烈的私密室内景，风格独具。
2. 执着于突破物理摄影常规，拓展镜头、底片及冲印技术细微表现的可能性。他的黑白影像往往抹去具体时空的所指，拒绝纪实或叙事性的外向诉求，似乎籍着光影的明暗虚实遁出俗世日常，幽然化入暧昧而错综的个人意识表达玄境，带给观者回味无穷的审美体验。
3. 布雷克曼曾说，“我从不为了记录而记录，我在乎的是记录时所发生的一切。”拍什么对他而言并非首要，重要的是摄影的方式。
4. 他在个人生活中随时随地按下快门，每张照片的构图都出自当下的灵感直觉；他从不事先勘景或细致准备，有时甚至翻拍自己的前作或杂志、网络上的图片。拍完的胶卷底片很可能束之高阁，或者索性裸露在常态环境下任凭岁月洗礼；他日若有幸冲印出来，物理意义上的时间就自然留下痕迹，具象为作品的一部分。
5. 暗房工作更是布拉克曼创作的关键。他时常在不同时间将同一底片洗印出三至五个版本，即时的光度和温湿度、曝光的控制、所用的纸张质地，乃至心情的好坏，一切因素皆发挥作用，整合而成独一无二的影像。将纵深“压缩”在二维照片的表面，自然靠的也是暗房工夫，把平面结构作为摄影本质特征加以展示。转瞬即逝的快门瞬间在暗房内得到延伸和把玩，他实验性地拆解摄影时空，在胶片颗粒噪声形成的薄暮中尽显微妙的黑灰白色调渐变，和愈加细微的表现差异。
6. 布雷克曼说，“我的创作主题其实都是自传性质的。尽管所拍内容并非直接关乎我本人，但一切都来自我即刻身处的环境。我用作品关照自身，关照我的生活，以此为起点，试图创作一些普世的图像。”
7. 布雷克曼通过对光影的大肆运用直白地暴露了他的创作痕迹。比如，相机闪光灯在木制家具、瓷砖地面或皮质沙发上明目张胆地留下反光，昭示了拍摄者的空间方位，人造光源的坦然存在更表明其摄影绝非对现实的简单再现。
8. 黑白照片具有哑光表面、灰度和不清晰的图案，非常神秘。他在摄影媒介的边界上工作，将短暂与物质、纹理与距离结合在一起。这些照片不讲故事，尽管人们可能会这么想。留下图像被捕捉的那一刻，每件作品都揭示了它自己创作背后的扩散过程。
9. 青睐表现空旷昏暗的空间、遮掩的人体、寻常的房间一角等碎片化的事物。布雷克曼作品往往轮廓模糊不清，但画面静物感纯正，图像语言直接，像是匿名信里夹带的一张黑白照片碎片。作品的标题非常模糊和抽象，主要由字母和数字组成。他不喜欢多余的说教和故事，认为观者理应聚焦图像本身。
10.当人物出现时，布雷克曼通常会避免视线交叉，好像模特在躲避摄影师。“某人的眼睛视野会影响整个图像。我照片中的人从来不是模特。”拒绝舞台感使得他的作品有种陌生的真实感。
11.布雷克曼并没有单纯的倚靠相机，而是探索了暗室工艺的创造潜力：在打印过程中将灰尘洒在底片上，或在打印显影过程中控制光线造成过度曝光的效果。近年来，他也探索了数字摄影，新技术让他能够尝试突破摄影技法的边界。布雷克曼通过在暗房显影过程中的某些不可完全控制的操作来使他的每一幅摄影作品独一无二，但他作品的视觉一致性令人称奇。没有不同的主题或众多不同的系列，反而保持了叙事，美学和视觉主题的一致。
12. 我根本不是概念艺术家，尽管许多人以这种方式解释我的作品。的确，我质疑摄影的媒介并且仍然将其用作我的工具。然而，对我而言，这全都与形象有关，而不是构思。我的目的是创建有趣的图像。我没有追求不同的主题或众多不同的系列，而是保持了叙事，美学和视觉主题的一致方法。我总是通过视觉练习来判断自己的作品：我尝试着展望未来，想知道如何在15至20年后观察特定的照片。问题是：图像会感觉过时还是仍然吸引我？对我来说，这是最重要的，试图找到这种永恒的事物。
13. 除此之外，我也对观众和他自己的看法感兴趣。我希望我的图像不能立即被识别，而是希望人们花时间和精力来阅读和欣赏它们。我的工作提供了不同的体验，这是处理图像的另一种方式。我不喜欢比较或定义更有意义的东西。我个人不渴望即时获得满足。大多数时候，我会去一些地方，而且几天都不会拍照。因此，从这个意义上讲，我没有遵循布列松关于“决定性时刻”的想法；在决定捕捉它之前，我需要感受一个地方，与之互动并了解它的特征。我以非常自然的方式拍照，没有事先计划。
14. 我的照片中有些人，有时甚至包括我在内。我的主题来自我周围的环境，因此没有预先计算或计划。我想我的眼睛吸引了女性形态，因为我将其与某种吸引我的氛围和美学联系起来。
15. 每个人都对我标题的神秘密码感到好奇。但这实际上很简单：我不希望自己的标题具有描述性或说教性。我不希望他们透露有关图像的任何信息或图像的拍摄时间和地点。我只给我的作品标题包含字母组合和印刷的开发日期。字母组合仅用于存档目的。因此，没有给出任何信息。我希望观众能毫无偏见地体验我的图像。
16. 作为一名艺术家，对我来说有吸引力的地方没有改变，而且我喜欢这样的想法，即您无法分辨哪件作品属于我职业的哪个阶段（当然，除非您对我的轨迹非常熟悉）。
17. 您现在对年轻艺术家有何建议？尝试找到属于自己的方法，而不要经常与他人进行比较。
18. 我也无法解释我为什么把一些特定的图像以特定的时间去放大出来，然后把他们挂在墙上，为什么是这一张，而不是另外一张，我不知道。举个例子，我做了五版“浴室”B.P.-P.A.-96，但是只选择了其中一版；其他四幅都不行。这不是我所能解释的事情。当一天结束的时候，我得做出选择，左边还是右边的小小改动；光线的细微变化；当在暗室里印刷的时候产生的细微变化，突然之间，就产生了一个充满差别的世界。
19. 将一件事情削减至其“本质”，这听起来有点太简单了。除去我的经验，这对我依旧只是一个开始；我的图像依旧是草图；他们随时可以变得更加极端。尽管我依旧在想那样的话这些图像是否还能变得那么易读，因为我不会想着为我自己去创作，最终我还是要把他们展示出来的。然而作为“图像语言”的练习，我偶尔还是会为我自己创作，我有太多永远不会展示出来的负片。
20. 一个浴室。初步来说，这不是一个很明显的意象，但是你可以把这张照片置于你的知识体系或是个人经验中去。在一个没有提示的情况下，你可以把在瓷砖上的闪光看作是一个叙事的提示，或是摄影师在场的证明。你也可以更加严谨地去考虑它，将其视为对于图像的抽象化处理，伴随着可识别的画面，二者中和，并胁迫你去寻找完全不一样的解释。在任何条件下，这其中都伴随有各种各样的关联，表明这并不是一张随便来这里逛了逛就拍下来的照片。
这归结为一场永恒的运动，寻找，感受空间，事物，以及现实。对我而言，这是非常存在主义的东西。你“在那里”，要与你在那里相对抗，你是怎么感受到一些事情的，它们又如何与你所体验或是看见的东西相协调。你该如何去理解这些？为什么我看着这个东西然后想着拍下它？当一些事物以一种特定的方式被你接纳或是摈弃时，你又是如何区分他们个中区别的？我从来不以某些理论或是论据为我选择的标准，我只是非常直观地认识到那些东西在我的画面中的角色。你开始逐渐产生了一种或多或少的精确的意象，所有的细节都到位了，因为他们是重要的。你开始根据这些基础来制造图像，或者更加精确，你开始寻找简化图像的方式。你在某些地方，你站在那——至少这是当我拍照时所感受到的——你开始离开，这感觉就像将一整部电影压缩成一张图像。我站在一座建筑前面或是进入到一个房间里，他们往往一开始就吸引住了我，有时我会在那里站很久。我体会着这个地方，试图抵达本质。这也是我必须摄影的理由，去清晰地描述我在那个瞬间的经历。别无他般。
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