诉 密
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音乐，是一种极具抽象的艺术表现形式，有限的音阶，有限的和弦，却能创作无限的旋律，在不同的语言里找到挑动情绪的共同点，如果说音乐是人类的共同语言，也是恰当的。我们都喜欢将音乐分类，按照乐器运用，编曲曲风，旋律节奏，演唱歌手，受众程度等分类，从而演变成一个“鄙视圈”。这种自我优越感有时候会令人极其厌恶，其实错的不是音乐，而是人类本身的天生“酸臭味”。
有时，我怕与别人分享歌曲，更害怕得到的回复是：这个歌手不红吧，这首歌好像也不红吧。额...但还是会选择分享（分享是一个求同存异的过程）。
我想知道，现在还有多少人去关注音乐的情感以及音乐人的“灵魂”？这里的灵魂当然指的是通过音乐表达出来的情绪。
初听《象牙舟》这首歌时，还不知道谁是蔡维泽，更不知道傻子与白痴乐队的存在。而诸如明日之子这样的音乐节目，也是只闻其名，并不知其内容，很显然，我是一个与现代娱乐和综艺脱轨的“老人”。或许正是这样的距离，让我在遇见这些年轻的音乐时，有了不一般的喜欢。《象牙舟》的歌词用诗来定义它一点也不为过，配合曲子情绪层层递进，就像是一艘孤独的船在大海中迷茫，带着少年的无畏。这种感觉与当初阅读《瓦尔登湖》相似，甚至在反复听之后，我自作多情地认为这艘象牙舟就停在瓦尔登湖。
梭罗的《瓦尔登湖》是在挑战人类的极限，是在寻找受伤后的复原力量，或许他是生活上令人讨厌的人，却不得不承认，很多时候，我们都想做这样讨厌的人。《象牙舟》并没有在挑战什么，它只是说了一段关于爱情的情话，他创造了一个港口，等待船靠岸，等待对方的回应，但又只能任缘分流。这位少年没有梭罗的“自我”，但象牙舟的故事却有相似的力量。
顺着这首歌，找到了傻子与白痴这个乐队，他们都是95后，来自台湾，和很多乐队一样，他们组成的背后或多或少都有着一些特别的经历。台湾是一个适合玩独立乐队和孕育独立音乐的地方，近年来也有不少的乐队走向了大众，我们熟知的苏打绿就是小众走向大众的代表。
在他们的专辑《夜长梦多》里，有很多年轻的元素，如勇敢，自我反省，少年迷茫，跌撞等，不过又与那些流行大众歌曲有着分明的色彩。他们保留着当代年轻人的自我追求个性，享受着主流与独立之间的碰撞。就如他们说：主流跟独立只是一个市场标签、操作手段，让某些受众觉得独立比较酷、分化受众。写下众人的质疑，对他们来说，做一个赚钱的艺术家，未必要失去灵魂，无论外界的标签如何，他们始终专注音乐。同样这样的觉悟也在教育我们应该具有理性的欣赏音乐能力，保留尊重创作者的基本素养。
现在的音乐在大众的印象里大体是这样的：旋律里追求朗朗上口，歌词追求押韵，而且很多时候，乐评人都会以押韵去定义一位作词人的水平。以致于在很多时候，形成了这样的一种欣赏病：只看押韵而忽视了歌词本身的叙述，从而变成了有许多无谓的词语堆砌。面对这样的情况，他们都有一句话反驳你：要押韵！而且，这种错误的欣赏病已渗透在现在的中国音乐创作里。
其实这种框架式在创作领域很常见，包括现在的影视行业，文学小说，诗歌创作等，我们早已失去了创作应该具有的活力。如今总是在哀叹如今华语乐坛的没落，吐槽没有灵魂的音乐，鄙视各种各样的买榜行为，眼看着一步一步地在错误的方向走着，却还继续执迷不悟，骂完就了事。我们是不是不应该把全这些归咎为网络或者是歌手本身，应该对社会环境进行思考，对当代青年的追求进行正确的引导，懂得凡事适可而止。
蔡维泽和傻子与白痴乐队的成功可以说是如今流量时代里挑战大众的一个冒险的尝试，也是一种音乐态度的表明，好的音乐不需要铺天盖地的宣传，不需要各种榜单的炫耀，更不需要无休止的曝光率。对于他们来说，明日之子冠军的头衔并不是一种荣耀，只是一种经历，然后他们幸运地把乐队带到了这样的高度。就如蔡维泽对吴青峰说，玩独立音乐的人都不想一直呆在地下。
从文学角度来看《夜长梦多》，可以列入治愈分类。蔡维泽的歌词风格很妙，这种妙难以用言语表达，它存在于不拘一格的编曲里，他们营造了超越年龄的世界。他在时间里行走，在夜里喃喃自语，说给自己听，说给同样迷茫的人听，看起来很丧，听起来却很治愈。年轻的标签里都有迷茫，每个人在时过境迁之后，都在将自己曾经残破的脸画上好看的面具，我们都不爱这个世界吗？其实都不爱自己吧！
但愿我们都能满载一船星辉，找到那个漂流的理想，找到自己的灵魂，不谈丰功伟绩，只谈内心的错落彷徨和生活小确幸。
生活不会一直糟糕，乐坛也是，当更多有才华的小众音乐走上主流，或许就会变得越来越好，这样的日子正走过来，再等等吧！
· end ·
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