《我是唱作人》到了下半季之后，换了全新唱作人阵容继续比拼，在一开局的第六期，就呈现出了一种“年轻”与“成熟”音乐之间的对决。
整场对决中，不论是审美观念上的碰撞，还是技术上的探讨，新老生代的“音乐代沟”一览无余，我们不免会思考，审美意识和技术哪个更重要？
某种意义上，技术是重要的。它决定音乐人整合元素、发展动机的能力，决定他们呈现出自己想象中的音乐的能力。如果缺少经验与技术，很可能出现声势很大成品很烂的问题。
某种意义上，技术和经验没那么重要。因为这些是能够训练和积累的，在有了清晰的音乐审美意识后，去学习、熟练相应的技术只是时间问题。而一个人对音乐的审美与意识在青少年时期形成后，成年后除非能够保持极度开放的心态，否则很难有什么大的改变。
在这个前提下，展开本期对于各位唱作人作品的讨论。
第一组 白举纲 vs. 常石磊
白举纲《·当》
白举纲在快乐男声出道后，其作品却一直缺少面向广泛受众的曝光渠道。在唱作人舞台上的表演对他之后的音乐道路相当重要，某种意义上决定了大众对他音乐的观感。
他在节目中的音乐路线定位也很清晰——Rocker。但就首期来看，这个Rocker的定义更多是态度上的，而非音乐上的。
怎么讲？
从早期的蓝调摇滚到后期百花齐放的摇滚形式，摇滚要么从引领性的吉他Riff（代表《Satisfaction》）中生长出来，要么从乐队层次不断铺陈、配合的前进感中生长出来（上半季的梁博），倒是不需要有多吵多闹。
在电音也能被拿来表达摇滚后，摇滚乐美学在我这里更多的被抽象为一种不断上升推进的情绪线条。
从这个角度听的话，《·当》的摇滚乐特征没有那么浓厚，虽然编曲中的电子音效与电吉他营造出了幽暗中透着灼热的氛围，但歌曲整体依然以人声演唱的旋律为主线，其余音效附着在人声主线之外，未能将歌曲的力量感在后半部持续助长推进，导致整首歌的情绪线条波动不大，律动也比较单一，从头到尾都未能推出一个新的听觉境界。整体更像是一首带摇滚元素的流行歌，类似信乐团的一些作品，以旋律和人声为主，写作上不过不失。能听出其靠向摇滚乐的叛逆态度，但由于对摇滚乐的理解有待深化，加上或许有准备略为仓促的原因，整体有些四平八稳，亮点不多。
但依然对其后的作品保持期待。
常石磊《噩梦惊醒之后》
第六期的神作。常石磊就是那种在成熟之后依然能保持开放心态、吸收新鲜事物的音乐人之一。
类似前半季的曾轶可，常石磊在词曲创作上其实并无太大欣赏门槛，旋律流畅，歌词细腻，借噩梦惊醒的场景回望人生的一地鸡毛，切入点锐利而极富共鸣感。
但这首歌最绝的还是他在氛围构建上的功力。浓厚的世界音乐元素点缀是这首歌在意象开拓上最为亮点的地方，开头异域的吉他和印度风的吟唱，中段模仿笛子的音效与民族气息吟唱，结尾隐隐的原生态宗教气息，在合成器织出的星际穿越般如黑洞的压迫感之中，“wake up it’s not a dream”像是自己对自己默祷的咒语。仿佛噩梦之中广阔的世界如浮光掠影在眼前闪过，灵魂出窍般。
比起技术，其实常石磊真正值得赞叹的是意识。其实音乐元素就是一种超越语言的表达工具，就像暴躁的吉他会让你想到热血的摇滚青年，这首歌中如咒语般的呢喃、印度元素等等，很容易就让你的脑中投射出魂灵飘荡的抽象感受。能用如此简单的配置做出这样的氛围效果，实在佩服常石磊在音乐上的想象力与执行力。
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投票选择：可以说，在这一组里，常石磊在音乐的品质和审美前瞻性上毫无疑问地胜出。
第二组 金志文 vs. 钱正昊
金志文《往春天》
金志文是一个在技术和经验上都相当丰厚的音乐人。
《往春天》就很典型。他有能力把一个相对比较平民化、接地气的灵感打磨成一首感官体验畅快悦耳的歌曲。就技术上来挑这首歌完成度相当高。歌词说的是市民阶层在磕绊前行中对生活的美好希望，塞入了诸多戳人的意象建立共鸣。旋律工整有起伏，编曲丰富有层次，情绪线条一路推进，借摇滚思路做流行，最后的高音留下强烈的感官刺激后余韵未绝。
虽然包装精致，但在审美形态上太过保守。
钱正昊《普罗米修斯》
钱正昊这首歌和金志文做对比时，就非常有意思。
钱正昊这是一首Trap R&B，可以听出他很多在音乐上的想法。
编曲相当有巧思。Trap标志性的808鼓机与hi-hats的沉溺式压迫感中还融入了类似《电台情歌》一类90年代华语抒情的合成器点缀，使整体听感更为私人化。氛围营造得很好。
写作上意识也很明确。抒情旋律引入，其后不断的重复是为了营造出迷幻的下沉感。毕竟“迷幻”那种催眠醉酒的感觉其实就是意识不停循环重复的效果。他确实营造出来了，但在听感上却有些单调，缺了些“发展”。无论是那个短暂的延迟还是结尾的加速，尽管意在把情绪往上再推一层，但实际呈现都得有些疲软。
很多人诟病的歌词也确实是问题。写词时朦胧一点、留出足够的想象空间本是正途。但他的思维似乎过于跳跃，遣词造句也少了一些文学性，所以最后令人有些摸不着头脑。
尽管最终呈现的形态并不完美，但这首歌在气质与氛围上却让人难忘。而这也是这个时代的流行音乐相对比较注重的部分。他的意识很新，兼具前沿性与潮流感，这是他比较可贵的地方。
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投票选择：这组如何选？前一组技术完整而略显无趣，后一组有新意却不完美。在节目组采访我投票原因时，我说的是，“在技术与希望之中，我选择希望”。
第三组 胡海泉 vs 白安
胡海泉《胡》
他在下半季同样是趋于成熟、经验丰富的一位。
之前大众对胡海泉的认识主要是羽泉的歌曲，这首歌展现了他创作中更为广阔的适应面。
曲风融入爵士，像一出百老汇音乐剧。现场的阵仗很大，和声，管乐、键盘与人声的配合相当紧密，听觉体验丰满，透着轻松复古的气质。基调轻松幽默，与麻将引出的游戏人生态度相应。
歌曲最核心的亮点还是在于切入点有趣，以麻将比喻人生，刀光剑影的牌局互相争斗如游戏一场，以“是金子总要发光”、“自摸”比喻人生应关注自身，“十三不靠”比喻人生的逆境，最后又回到结尾一段亮眼的表态，以“能睡得稳、吃得香、不心慌、不心伤，才算麻将大王”的乐观态度收尾。从创作、风格、配器到演唱都环环相扣，有铺陈有爆点，很标准，很成熟。
白安《就让我像个孩子一样》
白安在咬字上的瑕疵总是让人很在意，但为什么对咬字、语感如此苛求的李宗盛从未让她改掉这个“瑕疵”，反正让她坚持如此？
初听不习惯，但是你会发现她的咬字有种独特的气质，一种稚气、青春的瑕疵，歌唱着有瑕疵的人生与情感。这反而让她和聆听者的距离变得很近，令人不自觉会心一笑。听习惯了这是什么大的瑕疵吗？好像也还好，反而很可爱。
这首作品也让我很珍惜，词曲俱佳，旋律流畅动听不落俗套，歌词则有态度有共鸣。她把“孩子”描绘成了一种天真而单纯的理想状态，从而涌出一股浪漫的诗意，那种属于年轻一代的校园诗意。在尾段前的一句“爱依然是我唯一的答案”，稍拐了个弯就完成了一个有推进效果的bridge，这种灵气让人羡慕。
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投票选择：标准而成熟的表演，和有温度有灵气的创作，我思考后还是选了后者。
第四组 王以太 vs 周笔畅
王以太《Real Me Remix》
王以太这首歌很感性，很私人，很危险，很有想法，也很吃亏。
脱开一般听众对于Rapper必须要燃、要炸的思路，王以太全程以感性的吉他伴奏、简约的节奏、人声转音点缀打底，情绪从头到尾是不断发展的，逐渐升腾到结尾前的失控情绪，是一种很任性的忧伤。
但问题在于，这首歌全程的感情相当自由，需要听众全程跟着他的感情、进入他的情绪流动世界当中，才能体会到这个作品隐含的动机。但这太难了。一般流行歌曲之所以要拆成相对约定俗成的AB段，部分原因就是因为这符合人类的审美习惯，听众能够相对容易地在相对短的段落中理解到歌曲大致的意图，从而进入到歌曲的世界当中。但王以太挑战了这个结构，他无异于把三分钟的情绪流动直接甩给了听众，听众初听很容易一脸懵。
而且这首歌说是对围绕在他身边那些不善言论的回应，但歌词从批判到自我疗愈跨越较大，也增加了听众理解上的难度。
能理解他相对意识流的想法。但最终呈现的效果却不太讨巧，可惜了。
周笔畅《无聊的一天》
周笔畅的音乐路线经过长久的变迁与发展，从R&B一路走到了现在的电子流行。我欣赏她对自己想做的音乐的一贯坚持与主动意识。
《无聊的一天》从编曲到旋律都非常简约。编曲最核心的是打底的钢琴和复古合成器的Loop，听起来单调中又透着dream pop般的迷幻气质。旋律也很简单，重在表达出慵懒的内心状态。整首歌像从复古红白机游戏中走出的一场内心独白。
就描摹这种“无聊的状态”而言，这首歌在画面感上做的很切题，就像是一页描述日常的日记。我还是希望她能够在描摹状态之外，能基于现在的路线，有一些更为创新、更为多元化的尝试，或是更为深入的共鸣与关怀。
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投票选择：表意更为明确的周笔畅
看完这四组对决，所谓“音乐代沟”在8位唱作人的作品上主要体现为：创作完整却稍显老套、意识新潮但技术欠缺。大多数时候，我还是选择了那些在意识上更为前沿、更有想象空间的作品。
音乐毕竟是艺术，我们在评价并讨论一个作品时，除开“完整度”、“流行度”这些概念，更应该关注是“乐性上的进取性”，或是“观察上的敏锐度”，或是“共鸣的诗意美”——这三者有其一，已经具备成为好作品的潜质了。
而这种看似隐微的“潜质”，才是推动时代和音乐持续发展的源动力。音乐从不是为了取悦耳朵，而是探索意识与人心。那些令人耳目一新的灵感，出于随机的人性，无法工业化生产，因而如此可贵。
这一期常石磊、白安、钱正昊的作品让我看到了这些可贵的特质。尽管后两者的作品在技术上不够完美，尽管这种不完美会导致作品感染力的减弱——这并非永远可被宽容——然而他们的歌中却藏着未来的可能性…
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