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艺术创作离不开时代性，时代性里的哲学观点对艺术家的创作大有裨益。我父亲的哲学观就很老旧了，还是停留在艺术模仿论那个层面上。我把艺术时代性里的哲学观给大家说说，讲讲人类各种哲学观对艺术的定义，让大家拿起打开艺术哲学观的钥匙，学会审视和看待艺术以及艺术的发展。
什么是艺术？
本质主义（传统思维模式）回答：艺术是模仿，艺术品是模仿的产物。代表人物：柏拉图、亚里士多德。柏拉图对艺术模仿论用的是贬义词，柏拉图认为理念是高贵的，而理念的模仿品（艺术）是低等的。亚里士多德认为艺术不仅仅是模仿存在，它模仿的是事物背后的必然性。
以上是很长一段时间人类对艺术的哲学认识。问题：本质主义对艺术的认识，缺点是什么？模仿说揭示了部分艺术品的部分特征。但模仿活动不充分：模仿的活动和事物并不都是艺术作品。摄影就存在这个问题，照片是模仿，但不是每张照片都可以被称为艺术品。现代的抽象画，现代的抒情诗是模仿什么？在大自然中根本找不到抽象画的对应物，但抽象画又是艺术。
荷加斯补充传统哲学观对艺术的定义：艺术是美的形式。艺术品是一件合乎美的形式的物品。荷加斯是一位理论总结者，他试图探索和总结出艺术形式本质性的东西。荷加斯的成果里，最美的线条是蛇形曲线，是他的典型艺术观点。我们摄影喜欢拍出画面里的S形线条，就是用的荷加斯哲学艺术观。
荷加斯美的理论的缺点是什么？适用于大部分古典艺术作品，但审美太窄：忽略了丑的艺术。美的形式又太宽泛：非艺术品也可以很美，比如人体，比如自然。
贝尔和佛莱二十世纪二十年代提出新的有关艺术的哲学观。艺术是有意味的形式。注意了：这个形式不是我们生活中的形式，它是指艺术语言的基本形式。例如绘画语言中的色彩、构图、线条。
Provide by 刘徽
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用贝尔和佛莱对艺术的定义，你再看这些抽象画！是不是色彩、线条、构图都是按照艺术家的思维在进行新的艺术语言表达？记住贝尔与佛莱艺术哲学观的重点：形式是艺术语言的基本形式，用基本形式去表达主观世界。这里的形式，已经不再是传统意义上的形式了。例如画一个军人，不在是用古典的形式去画出军人的气宇轩昂，而是用线条、色彩、构图这些绘画基本形式去表现人类主观上的军人。
艺术是有意味的形式。
我们就把贝尔和佛莱的哲学观称为：形式主义。形式主义对艺术的解析，缺点是什么？优点是几乎适用于所有艺术作品。缺点是，同时它也适用于非艺术品。这是二十世纪影响最大的艺术哲学观。
现在我最喜欢的表现主义该登场了！
以克罗齐、柯林伍德、苏珊.朗格这三人提出新的哲学艺术观点，他们认为艺术是（情感的）表现。形式主义还有客观的成分在里面，而这个表现理论就完全是主观世界了。
克罗齐认为：艺术即抒情的表现。克罗齐的主张：
艺术不是物理事实
艺术不是实用活动
艺术不是道德活动
艺术不是逻辑、概念活动
艺术不能分类
柯林伍德修正克罗齐的艺术哲学观，他认为：艺术是艺术家情感的想象性表现。苏珊.朗格继续修正，她认为：艺术是人类情感的符号形式的创造。苏珊.朗格引入这个符号的概念，把柯林伍德和克罗齐认为的完全主观地存在于脑海里的主观艺术找到了载体。
现在就看他们艺术哲学观下的伟大艺术作品《呐喊》。现实生活中没有这么扭曲的人或物。但我们能感觉到自身情感可能发生过这样的时刻。这种古怪的场面生活中肯定没有，但人的脑海里可能会出现过。
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梵高画的这幅《卧室》，感觉像幼儿园。生活中梵高的卧室肯定不会是这样的。但梵高伟大的地方在于，他要创作出一个充满个人情感的卧室。于是画里蓝色代表忧郁，红色代表热情，热情被忧郁禁锢着。这是梵高伟大情感困境的主观表现。
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这是情感的表现，已经不在乎客观世界的形式，卧室就是一个绘画情感载体。艺术是（情感的）表现，这个哲学艺术观的缺点在哪里？它的优点是揭示了部分艺术的特点，有助于欣赏抽象艺术（包括书法）。缺点是并不适用于所有艺术。例如你家贴的墙纸上的装饰画，装饰画不会诉说情感！还有就是你的情感表现，例如你的哭、你的笑，是情感表现但不能称为是艺术。
二十世纪的莱辛，十八世纪的阿恩海姆提出过一种艺术哲学观：艺术的本质是包蕴性（倾向性）的主张。这个艺术哲学观，他的重心是：艺术是一种力！是表现一种艺术的张力！这个哲学艺术观点对我们理解和欣赏、解读艺术作品特别、特别的有用！
这是马蒂斯的名作《舞蹈》，你看画中的每个人，都有二种运动趋势，而且是相反的运动趋势。
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再看米开朗基罗的名作《创世纪》，包蕴性是指一个人物身上的相反趋势。《创世纪》中亚当是抬手向上，但身体却是往后倒。上帝是努力的伸出手，但你观察上帝的胡子和衣服，好像有一股风在把上帝往后吹。
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注意重点，注意重点：艺术创作有了包蕴性，作品就不死板，艺术作品就流动起来，让你的想象性去继续完成作品。（就是人物下一步是往哪个方向去运动。）
黑格尔的艺术哲学观是：艺术是理念的感性显现（艺术是象征）。通俗地说黑格尔的艺术哲学观点就是：艺术是既有感性又有理念。黑格尔的艺术象征论的缺点是什么？优点是适用于许多严肃艺术，例如教堂、史诗、交响乐。黑格尔的哲学理论告诉我们：艺术即能表现思想也能表现深度。有助于我们理解艺术和哲学和科学的相同之处。缺点是不适用某些艺术，例如抽象画、无调性音乐等等。因为有些抽象画确实是不表现思想。
最后讲讲叔本华，差不多就把艺术哲学中的主要流派，影响力大的艺术哲学观就都讲到了。
学艺术，审美很重要。如果你认为一切万物都是美的，那么艺术还有存在的必要吗？如果存在就是艺术，艺术也就不存在了！看美，是一门科学，有哲学的思考，有逻辑的推演，与人的审美经验还不完全一样。
艺术不是拿来用的，艺术就是为自己而自己。这是康德的艺术观点。也称：非功利主义。康德、叔本华、斯宾塞三人的艺术哲学观：艺术品是无概念、无目的、非功利的作品。非功利主义的艺术主张显示了艺术的理想、艺术的要求。但它不符合艺术的现实，起码艺术家要靠卖艺术而生存。艺术家也是有各种理念、道德、甚至艺术家也有功利的想法。
二十世纪非常主流的哲学艺术观是杜威、比尔兹利提出的：艺术就是经验。在二十世纪，经验是比美、比艺术用得更多、更宽泛的一个词汇。这是审美的一个跨越性尝试，开始把对客体的关注转到了主体。
杜威提出
艺术即经验
这里的经验是“一个经验”
一个经验的特点是：完整、连续、统一。
比尔兹利以经验定义艺术的尝试是：艺术作品是以满足审美兴趣为目的而生产出来的东西。“一个经验”说的缺点是什么？优点是从主体经验的角度来界定和描述艺术现象，是方法上的革新。扩展了对艺术现象的认识。缺点是：把对艺术进行定义的责任转移到经验。这并未根本解决问题。经验，是个比艺术更难定义的概念。
总结一下，什么是艺术？艺术是模仿，这是最早的艺术哲学定义，叫本质主义。现在西方最新的艺术哲学观叫：反本质主义。我把反本质主义介绍完，人类对艺术的认知也就介绍完了。希望大家收藏好。维特根斯坦、迪基、丹托三人用分析哲学（语言分析哲学）来定义艺术。我们很多的分析都是语言的产物，他们从语言的内部着手分析，去解决传统认为是现实的问题。
他们三人给出的答案是：艺术没有本质，只有对艺术的描述。
反本质主义提出艺术没有本质，只有对艺术的描述。反本质主义提出了一个非常有名的概念：艺术是家族相似。前人都说艺术是有本质，维特根斯坦说：艺术只是像一个家族一样，彼此相似没有共同的本质。家族相似的概念暗指艺术是可以定义的。
曼德鲍姆提出新本质主义：如果艺术是一个家族相似概念，艺术是可以定义的。反本质主义认为：艺术不是本质决定的，所以艺术不能定义。
到底艺术是什么？艺术是“艺术界”的赋予。怎么理解艺术是“艺术界”的赋予？我不知道这幅画是不是艺术，但卢浮宫收藏了它，它就是艺术品。我不知道中央电视台的大裤衩子是不是艺术，但中央电视台说它是艺术，它就是艺术。被体制承认的，你理不理解，它都是艺术。
艺术是“艺术界”的赋予。这里的艺术界包括艺术理论，包括艺术史知识，包括艺术世界。在一个体制的框架内，很多艺术的出炉不是为了让你欣赏，只是为了一个体制的需要。所以，足球比赛，只要所有的播音员说梅西的这个进球是艺术，那就是艺术。小便池也是艺术，就和梅西进球一样，这就是艺术界（体制）理论带给我们对艺术的理解。我个人如何理解艺术？我要在什么艺术理论下去进行艺术创作！
古德曼（Nelson Goodman）说：艺术是一种语言，和数字语言、文字语言并列，同为人类认识世界的方式，不同语言显现世界的不同侧面，不可替代。古德曼说艺术语言的特点在于：高度的句法密度和语义密度。有时间，我找阿锐老师配合我，让大家直观地看一幅照片后期制作过程，来理解古德曼说的：艺术语言高度的句法密度和语义密度，是如何体现在艺术创作中的。我在古德曼艺术理论下去进行艺术创作！我如何理解艺术？我相信卡诺尔（Carrol）说的：艺术叙事取代艺术定义。
艺术是开放的，对艺术的理解必然也是开放的。开放性是艺术也是艺术理论的魅力所在。迄今为止，没有一种定义能全面覆盖所有艺术现象，但各种解释丰富了我们对艺术的认识和体验。
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