为什么我们会感到红是五彩斑斓的？因为画家强调出了衣物质感，衣物本身的反光材质感，这一点是比较重要的，因为这些红其实都是褶皱，都是在反应不同的光照程度。我们也都有过这种感觉，比如白色的衣服，一件白色衣服在太阳底下那是纯白色，但是在室内它可能是灰色，在比较暗一点的光照情况下，灰可能更深了一点。但是假如衣服的白又不仅仅是白，它其中加淡黄色的话，那么在晴天化日下打出来的可能仅仅是一点一点的蛋白，但是到了室内可能就会变成一个黄调很重的颜色。
实际上当人类用我们的语言来组织和描述的时候，我们常常会说白灰黑红黄蓝，但是这些颜色其实在我们的眼中从来都不准。我们作为人类在分析色彩的时候是有先天限制的，我们的视觉锥体只能接受三色，红黄蓝，而且每个人的椎体的数量还不一样。比如你看到红可能多一点，我看蓝更多一点。那么我们看同一个色，比如色在红蓝交界之处是红蓝混合，我们由于看到的配比不一样，视觉细胞当中的数量不一样，导致我们看到的光子波长的配比不一样，我们看到的色彩可能就不一样，色彩全部都是主观的！
画家和艺术家他们做到了很重要的一点——以假乱真，一定要记住，这仅仅是一幅画，这不是真的，以及黑泽明的那部电影是一部戏，也不是真的。他为什么让你感觉到真实？因为他和你的感受对应上了。
我们都有过这种体验，你穿绸缎的衣服，反光率非常的高，假如是红色的话，在太阳下它有时候会反出白来的，但假如在暗光下的话，可能就会变成淡红，再暗一点的话可能又变成深红。
其实色彩永远都是动态的。我们作为专业的作者，不管是作为画家也好，还是电影作者也好，还是摄影作者也好，一定要注意：
第一、你所看到的东西并不真实。
第二、如果你要突出某一种材质的话，你必须要仔细分析这种材质在哪一种光照下能够达到你想要的效果。
比如格列柯在这幅画里边就很好地体现了高光照在了洋红色的袍子上，袍子在不断反光。但是他有大亮褶皱，他再拖在地上，这些褶皱形成了阴影，这些阴影把整个立面塑造出来了。
所以对于人的知觉地调动其实是一个艺术家的基本功。
它并不是什么魔法，是对材质的细致观察，对于光照规律和材质之间这种色彩变化，素描关系变化，影子的变化，立体空间的变化等等一系列变化的这种不断地抓取，以及再创造。一定要记住这一点，绘画是再创造，摄影是再创造，电影是再创造，文学是再创造，没有什么东西是真实的，绝对真实的东西是不存在的。
所以当我们看画的时候，大家都被这些斑斓的色彩给迷惑了，这些斑斓的色彩，其实真的不是我们把色彩画得非常好看，或者调得非常好看，不是这样。
这是初学绘画者乃至于很多艺术生很容易犯的一个毛病，他在平面上画的非常漂亮，在平面上把灰打得非常好看，你一看你觉得灰，这灰的很漂亮，这灰好像走势很好或者是反差很大或者很粗暴等等，让你看的画很有风格，但实际上是错误的。
为什么错误？艺术上是讲究正确和错误之分的，艺术上是讲究高和低之分的。
我们之前争议一个问题，艺术是否有高低之分，是否有对错之分？
我的回答是，当你处在一个特别初级的阶段的时，刚刚学画的时候，或者学画大概不到三年，大概时候也不是专业的画家的时候，你画画出错是非常正常的。为什么？你看格格列柯这幅画，他整个的这些色彩包括这明暗关系，包括色彩渐变关系都不是乱画的，他这些色彩都在反映光照，都在反映材质。不仅在反映光照材质，而且还有了重量感，有了体积感，而且还有了整个空间感，他这些东西都是一气呵成的，没有哪一点是在技术上有硬伤的。
所谓技术上有硬伤是某一笔画错了，比如在肩膀上，我们明显看到左肩上有一块亮斑，假如我们把这块亮去掉的话，把他画暗一点的话，整个立体感一下就没有了。
那这时候艺术是不是有对错？
当然是有对错之分了，因为这时候看的是你对光照是否熟悉，对于这种基本的东西是否熟悉，很重要的一点是什么？我们还回到黑泽明来讲，运用黑白灰关系，运用情感对比力量关系，来表达艺术家对于画面主题的思考，对于画面主题的感受，不是黑泽明的特权，是艺术家应该具有的一个功力。
所以绘画其实也都是在通过重量感来平衡来压制画面，通过压制这些黑灰的比例，通过这种明暗关系对比，来镇住了画面。镇住这画面的同时让我们感到了袍子的重量感以及背后所代表这种威严感。
总结一下，首先用色彩、对比和明暗关系来绘制出整个空间，来绘制出整个重量感、质量感，并且直接触及到你的情感。这手段不是黑泽明独创的，也不是他独家的，是一个艺术家的素质，而且素质最早我们可以看到
这些实际上都是对于人的知觉体验系统的操纵，今天的主题是直觉影像调度。一开始我们讲的是知觉原理，这是个大致的非常粗略的原理，没有什么道理可讲，因为到现在目前为止认知科学还没有发展到，我们可以把联觉探究出来为什么的这种境地，联觉是色彩有温度，声音有色等等，它只是一些现象。
艺术家是什么？
艺术家其实什么也不是，只是知道了这些现象，把这些现象总结了一下，总结了之后用这些现象来操纵你。这时候绘画走向了下一个源流。
在我国，绘画市场大体分为三类：中国画，西洋画与民间绘画。中国画讲求气韵，意趣，笔墨，西洋画则不然。西洋画包括油画，木版，铜版，素描，水彩，水粉等画种。其中油画是表现力，实用性与装饰性最强的画种。
西洋油画被引进我国仅有三百多年，而广泛进入到人们的社会生活中，不过是上个世纪初叶的事。改革开放后，各种风格，流派的油画创作都有了一席之地。
油画创作就其题材划分，可分为主题画，风俗画，风景画，人物肖像画与静物画等。但不论何种题材，作品主要是依靠造型与色彩两大要素。也就是说，油画使用的是形，光，色这三大表现手段。
形，也就是形体。这就要求画家首先要具有造型能力，要有深厚的素描功底。没有很好的素描基础，要想画好油画，如同没有地基的高楼，是立不起来的。
光，也就是光效的表现。法国印象派兴起之后，引发了人们对光的研究与表现。画家对光的理解趋于了科学与理性。因而对光影的表现也就更加逼真生动。光与光影是烘托气氛的重要元素。这个道理只要看看戏剧舞台的灯光效果就不难理解了
那么我要从哪几个方面去装逼~哦不对~去欣赏一幅画呢~
一、 观察画面时，重点放在对画面整体效果和光照，通过对画面总体形式的观察、结合生活和艺术的经验，获得一个新鲜的印象。新印象该是最淳朴、最直观。
二、要了解作品的文化情境，任何作品都不是孤立：作品是在一定的文化环境中创造，艺术家在创作艺术作品时，不可避免地受到所处环境的影响， 并深深地刻上那个时期的烙印。
三、在美术欣赏时，只看技法、结构和色彩，不把作品放在一定的文化环境中去欣赏，无法掌握作者的创作的意图，无法与作品产生共鸣，更理解不了绘画作品的本质和真谛。了解作者的创作意图和达到意图的手法，找到作品中产生联想和共鸣的形式。通过对作品的理解，可认识到人类文化的延续和发展，艺术家对自然、生命深刻的理解和丰富的情感以及对社会高度的责任感。
笔触。触是带有颜料的油画笔在画布上运动的痕迹，恰当的笔触应当述说着画家的情感和对美学偏好，也能敏锐地显现着不同时代审美趣味的变更。比如，鲁本斯饱蘸稀薄明亮颜色的大笔，涂抹留下的自由奔放、多呈曲线的笔触，给人强烈动势和戏剧性冲突之感；哈尔斯轻快灵活的笔触下描绘的肖像，让人读出人物神采奕奕的生动感
四、作品的结构和色彩，油画结构和色彩是对欣赏者的较高层次的要求。画面的构图。中国画讲究“疏可跑马、密不透风”，油画也是一样，如果一幅画很精到，但处处都是东西，密密匝匝，或者是什么都没有，一马平川，那么这样的作品不懂也不是坏事。
五、画面的内容。不管艺术家选的是什么东西作为主体，都必须在画面上表现出来。好的艺术作品无论是表现的美丽的还是丑陋的事物，首先他必须有表现的欲望，才能赋予画面中物体的生命力。在油画的欣赏过程中，如果这幅画面中的物体（包括人物）能够让你产生共鸣，让你能够有所感动（这感动是好是坏不论），那么你可以慢慢的观察，你会在画面中发现很多有趣的东西，甚至会让你迷恋。但如果你看到这画面的事物无动于衷，那么你完全可以远离这幅作品。
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