任何景物都可入画，因它们都有同样的东西，如形态结构、质感、色调、各种光线下的不同反应，，，，，，既然这样我们该画它们什么特征是摆在画家面前的主要问题。由于我们学画的惯性所致往往按照当初的“结构怎么画，墙壁怎么画，树木怎么画”的原则，从头到尾的将景物描摹了一遍，没有对景物的各种特征进行筛选，就匆匆完成了作品，却全然不知自己正在出错。
面对一组景物，每个画家首先要作出选择（如果画家不糊涂的话），仔细想一想吸引你的东西是那些因素造成的？是由光线造成的就将光线和与光线相关的因素加以提炼强调，其它因素减弱或去掉；如果是由结构造成的，那么光线、质感等因素就需减弱或去掉。可怕的是无论画什么都一概去描摹表面，生怕落下一些东西。虽然全部描摹下来，但其感受不是你当初想要的，日后还苦恼为什么没画好。其实如果你画了不该画东西，那么你画的东西越细越让人讨厌，这是那种只有感受没有智谋的糊涂画家。我见过画古建的画作，看得出画家是对古老永恒感兴趣，可画的时候不对其认真分析，却到处画质感，造成暗面墙角处感觉象有很多人撒过尿似的，，，，，，污染了画品。
还有的人体画也犯同样的错误，面对一个有优美身段的女子模特，画家不去认真画她的结构动势，却对其皮肤过分刻画，过于真实的皮肤很让人恶心，何谈美感？甚至构图还是取偷看女人的角度，窥视的角度让看画着倍感犯罪，就像有人在你不知情的情况下带你去偷看女人洗澡一样，，，，，这对观众极大不礼貌，要看就大胆的看嘛，偷偷摸摸多别扭。见不得人的欲望与美感不是一回事。
除了我们所抽离出我们应该要的因素外还应加进一些辅助的因素，如画美少女肌肤要用一些瓷瓶的质感，服饰用一些水晶般的质感，画质朴的老农民可采用画土块、山石的质感来画，当然整个画面也要与其呼应，场景画也可考虑到景泰蓝的节奏等等。这样人物就被赋予了相应的品质，整幅画面也就具有了很好的品格。 上这些都是我不成文的杂感，好多方面也写不清楚，也许面对面长时间的切磋研究会好一些吧。
“ 情感”的油画感悟
张国利
常听人说“要想让人被你的作品所感动，首先就得自己感动，你自己都不感动，别人不可能感动…….”对此我有不同的看法，想在这里“抬杠”。
首先，画家不可能每次画画之前都要被感动，其次，也不应该要求每个观众都要感动。作品的好与不好取决于作品的手段技巧是否与内容很好地结合，这需要画家极度的冷静，理性地思考处理各种因素的关系。如果此时画家过于激动，画面会出现问题的。研究画面是画家的事，是否被感动是观众的事。''感动’’是有前提的，它需要特定的时间、地点、经历、环境、情绪、状态等。同在一幅画前，有的人被深深的打动，而有的人却无动于衷就是这个道理 。
罗中立的《父亲》在那个时代出现着实让观众感动了很多年，这与他冷静得思考、处理是分不开的。相比之下，汶川地震时国内多个地区众多个油画大腕组织在一起画了多幅大画，由于他们过于激动缺乏冷静，导致好作品不多，，，，，现在看来他们是在那个时期做了一件本不该油画做的事（他们描摹照片，甚至有的画家都没去过灾区。）我认为当时任何表现形式都不如摄影来的给力。
把事情做好情感自然生成，兴奋状态下做事容易出现偏激，画家不要只顾自己感动地画画，让观众无动于衷，不然时间长了精神上会出问题。其实人除了吃喝拉撒睡能得到一些满足外，剩下的就是精神上的了，比如文学能给人以体验过程上的满足，音乐能给人以理想的寄托，摄影能给人以记录性的回味等，那么油画呢？我认为必定有它独有的东西呈现给观众，它能拨动观众其它任何艺术形式难以拨动的心弦。其它艺术形式轻易能做到的事情，油画就别去碰。能否找到打开观众心灵的钥匙是画家需要努力的，我相信有智慧的画家一定能把这些神秘的大门一扇一扇地打开。
话画
张国利
许多人在夸我的时候常说我的油画颜色好，并问我是怎么调的，是否用的进口颜料，，，，，其实我用的就是美术店很普通的颜料。且总是用9种颜色。画笔多是学生们扔掉的破笔。
我的体会是不在于颜色调的怎样，也不在于景物画的怎样，更不在于颜色是否丰富。而是把画面分成4——6个部分，每一部分都要有一个走向，每块颜色都要融在其中的一部分。这几部分的走向形成一定的关系，或冲撞，或旋转，或降落。并形成一种节奏，如爆炸式，聚集式。快节奏，慢节奏等。这样每块颜色就都动起来了，颜色也就活了。千万不要得意其中的一块好局部而不随着某一部分走，不然颜色就是死的，画是多种因素按一定比例组成的，搭配的好不但赏心悦目，而且直入人的心灵。。。。。。。。。
在写生与创作之间游荡
张国利
画了多年的画，困惑的问题仍是老问题，一时难以找到对脾气的人与我交流，便在闲暇之时，把诸多问题缕缕清楚。
一、写生与创作
做学生时对景写生是对景物的描摹；创作式写生是将景物化为笔法了。作式写生虽然进行了很精细的提炼，但就主题内容而言仍存在着多种可能；创作作品就不会这样，画意直奔主题，深入人心，别无可能。
干净利落的写生，且主题明确，又没有其它杂念的诱惑，虽用时较短，也是创作作品；
相反，那些在画室里用时较长，且主题不鲜明，其它因素干扰太大，虽画工精细的作品也属于写生或称记意写生。
写生是现场杂感的记录；
创作是将这些杂感分离提炼之后形成的作品。
创新是指各流派的代表人物的独特贡献。一旦新的流派产生出来，众多画家包括创新本人便利用其技法深入到各个领域去搞他们的创作了。所有人都能搞创作，但不是所有人都能创新。
二、绘画的意义
一日，一个画家朋友带来一个手提电脑，里面存着大量的油画作品，国内的、国外的都有。大家围拢过来，一起观看，不看还没有什么感觉，这一对比着看便有了新的认识，好坏一目了然。国外的一些大师的作品给了我们强烈的刺激，作品里传达出来的信息是那么震撼，他们手法不同，传达出来的信息也不一样，但他们有一个共同的特点，那就是作品的美感是任何艺术形式也不能代替的。在这些作品面前，诗歌、文学等艺术形式都显得是那么的多余……大家此时共认，这才是绘画的意义。
相比之下，那些靠摹仿跟风起家而成名的一些画家，显然是力不从心，路越走越窄，内涵越来越苍白。与其这样画下去倒不如到平面构成，色彩构成和立体构成里去寻找出路。此外还要对绘画有着终身的不可阻挡的热爱。
谈起创作，有人说技术不重要，内容和主题最重要，我不这么认为，持这种观点的人是将技术与主题内容对立起来了，其时二者是不可分的，这要看技术是否符合主题内容的需要，双方配合恰到好处就是好作品，尽管有的作品没有复杂高难的制作技术，但恰好地表现了内容，这也是好作品。就像一个身怀绝技的厨师，尽管煎炒烹炸样样都是高手，也没有必要在一盘凉拌土豆丝里把所有技术都亮出来。不过，画家也好，厨师也罢，积累经验，具备绝技还是非常必要的，谁知道下一盘菜该做什么。技术的确不是最重要的，该用什么技术最重要。
